No Line on The Horizon

Ouvi hoje pela primeira vez o novo álbum... Obrigado rapazes!

Foi a primeira escuta e por isso há muito mais para dizer lá para a frente. Existem no álbum 2 músicas que valem pelos dois últimos álbuns dos u2: No Line on the Horizon e Cedars Of Lebanon. Músicas a abrir e a fechar o álbum. Uau! A primeira é na linha de Achtung Baby ( o meu álbum) e a segunda é na linha de músicas como Acrobat, Love is blindess, Wake up Dead Man... estou desde já rendido.

Oiçam! e digam qualquer coisa!

Adam Clayton Part II

part I

How early on were you aware of what kind of album you were making?

I think there was a lot more clarity around this record and I can't explain why. It just felt like people knew what this record was. Again, from a very personal point of view, it was like that from the beginning. When we first got together and started to play together, the sound that happened, there was a richness to it. The sound seemed to be a product of the time it was being created in. It was very unusual. The complex, sort of North African feel that's a part of the record was there right from inception."

Did the environment in Morocco have a marked impact on the finished product?

I think there was a time when it was more dominant. Earlier on in the record there was a time when it was a bit more challenging and questioning in a cultural sense - east and west and the war was a bit more central to the record. And then it seemed to shift again and it became the record that it is now. I think you're aware that something has happened in the world. The world has changed and this record doesn't actually stand up and tell you that because you should know it anyway - but it acknowledges that things are different now and there's a different value system.

I don't know if you've read The Road by Cormac McCarthy?

That has a very interesting, brooding atmosphere about it, a sense that you know that something has happened but you're not quite sure what it is. I think this record has that quality.
Does Eno like bass?[Laughs] He loves it if he's playing it!

Do you and Eno always see eye to eye musically?

We have a really healthy respect for each other. It's probably taken a little while to get to that point but quite often we'll be digging in the same hole. The great thing about Brian is that he acknowledges his limitations and I have learned to acknowledge mine. He'll sometimes take something I'm doing and I'll think, 'Oh shit, he's playing my bass part again!' And I have to go and do something else. But the result is always better. And quite often it'll be the other way around: he'll say, 'Why don't you play this?' Or he'll give me a part and then he'll figure out something else around it. It's very much a collaborative experience.
The thing that I love about Brian is that he gets so excited that he's got a group of people to play with. Because a lot of his time is spent on his own. I think that's probably why he can be a little impatient. By the time he's worked something up he just wants to get off it and on to something else.

Black Eyed Peas' will.i.am is credited on I'll Go Crazy... What does he contribute?

Will helped early on in the arranging of the demo ideas in the summer. Then when he came in we recut it and he helped us push it up the hill. The final version is a recut that we did late on when we'd kind of played it in a bit. But he's a lovely, inspiring man to be around.
The version I heard before Christmas is almost more over the top than the version on the record...You're absolutely right. We did try and take some of the bells and whistles off it and bring it back down to earth. It doffs the cap towards Motown and it's great to hear the band do a song like that. Unashamedly it's a pop song and it's got a pretty good one-two [chuckles]"
Interesting to hear French horns on a U2 record. On at least two songs I think.Yeah. They're a lovely mournful sound. Real brass is something that you don't hear very much and it is a fabulous sound. Those tunes inherently had those brass parts written into them. But we did find a great horn player who came in and embellished them.
It works especially well with the guitar solo on Unknown Caller...And that is one of Edge's great guitar solos. Fabulous.
The internal chemistry of the band must shift over time and the process of making a record must be intense.

Have you all come out the other side happy?

Erm... [laughs] I think people are more relaxed now. When you have the kind of success that we had early on it brings a kind of responsibility with it. For some of the band, that became a burden that we fought against and wrestled with. But now instead of thinking that the band is limiting we feel it is very free. And we can do things that we can't do as individuals.

Most of us daydream about being millionaires. Do you ever wonder what you'd do if you woke up and weren't a millionaire?

Primarily, I don't identify myself as a millionaire but I am grateful on a regular basis that I don't have to think about [money] too much. If things changed, I could live within my means. I'd probably find it difficult but it wouldn't be the end of the world.

There's a lot of talk about the concert business downsizing. Could U2 tour on anything other than a massive scale?

I think it can change, depending on our appetite for big tours or for long tours or the economics of it. But for the tour coming up, I think we want to take on the big places again. It feels right to play the songs in stadiums this time. But I don't know what songs we're going to play yet. We're about to go off and do some promo for TV and when we get back from that we'll be rehearsing for the tour.

What did Bono get you for Christmas?

[Laughs nervously] Actually, we don't do Christmas presents any more. It was negotiated a few years back. We tend to pass books around.
Interview by: Keith Cameron

Fanfarlo Empties the Reservoir

When a band’s name derives from Charles Baudelaire novella that was released in 1847, I do not think that calling the members a bunch of bookworms would be an exaggeration. Many of us appreciate fine literature and its influence has fascinatingly proven to apply to more than just writers. Diction, vocabulary, and style are just a few basic things that a writer or poet can take as an influence from quality literature, but what the average reader can take away may be even more impactful. Movies can provide great visual justice as to how life looked in the 1700s, 500s, and 1 BC with costumes, set props, and overdone accents, but can any film truly exceed the historical relevance of literature that was actually written during its referenced period? It’s doubtful. Most historians would prefer studying the textual version of Beowulf to seeing the film version, for the reason that no amount of research can be as effective as practically going back in time by reading the thoughts, descriptions, and ideologies of individuals that existed at that specific time. This is the reason why Fanfarlo chose to provide an ode of sorts to Baudelaire’s La Fanfarlo, as the period piece is a summation of Fanfarlo’s appreciation for all things scenic, engrossing, and throwback.

The London-based six-piece have been through a wide array of books, with the titles ranging from Penguin’s History of the World to Kurt Vonnegut’s classics, and Fanfarlo allow their historical reverence shine through on a track like “Harold T. Wilkins” History buffs like Colin Meloy and Sufjan Stevens have fared well in the world of indie-rock, but comparing their material to Fanfarlo does not give enough individualistic justice to the six-piece. Apart from the fact that their lyrical approach is never pretentiously inclusive to listeners that wholly understand the historical context, Fanfarlo have a steady pop ideology that distances itself from other contemporaries that opt for intricacy over infectiousness. With this in mind, I guess it is no surprise that a Swede is responsible for the group’s origins. Simon Aurell formed Fanfarlo in 2006 with Justin Finch, performing as a duo until five others joined throughout the following years. It speaks enough of the Fanfarlo’s potential that the five others joined after seeing some incarnation of Farnfarlo live. After coming away so impressed, there was nothing else to do but join. Mark West left the band in December, making Fanfarlo a six-piece for the February 14th release of their debut full-length album, Reservoir. Prior to Reservoir, Fanfarlo released four singles on a four different labels. Two of the most recent, “Harold T. Wilkins” and “Fire Escape”, appear on Reservoir.

The glittery allure of “Fire Escape” has made it arguably Fanfarlo’s most recognizable song up to this point. The six-piece are likely relieved by this too, as the track summarizes their style quite well. Aurell shows off his pop songwriting chops with a majestic chorus that effervescently erupts with horns, bass, electric guitars, and Aurell’s balmy voice. The verses benefit from a similar degree of chamber-pop goodness, with a key-led arpeggio found focused under a thick array of electric guitar progressions and prominent bass use. When listening to this, it should make sense to listeners why Fanfarlo made “Fire Escape” the first single from Reservoir; the first several minutes are filled with purely infectious goodness, while the sweeping conclusion of trumpets and strings establish the sentiment that Fanfarlo’s vision is too ambitious to be grouped in with the other chamber-pop acts that stick together a few verses and a chorus and call it a day. This is a group that intricately crafts their songs for maximized cohesion, as the conventional structural tendencies that expose their distinctive style of pop music always has a good amount of ambitiousness at its side to make things diverse enough for everyone. Fans of chamber-pop, folk, and Brit-pop will likely be the ones most satisfied with Fanfarlo, but I would be surprised if anyone who enjoyed indie-pop could resist either “Fire Escape” or “Harold T. Wilkins”. Both are fantastic tracks that precluded the release of Reservoir very nicely.

The ode to Harold T. Wilkins, an early 20th century British journalist and historian, is more straightforward with its stylistic delivery. The folky, acoustical progression that is introduced along with Aurell’s vocals sounded immediately familiar to me, but Fanfarlo’s ability to execute melodic transitions allows the song to follow into uncharted territory once Cathy Lucas’ backing vocals are incorporated. Like “Fire Escape”, “Harold T. Wilkins” features a star-studded chorus that expresses both joy and charisma in its twinkling and melodically astute nature. As for the album’s new tracks, “I’m a Pilot” and “Ghosts” are two efforts that show an edgier side of Fanfarlo. A simplistically poppy bass line initially takes control of “Ghosts”, quickly to be accompanied by a flurry of strings that seem to act as a representation of tension and chaos. Although both of the album’s preceding singles were excellent, it would be hard to argue against “Ghosts” being one of their best written songs. A mixture of horns, keys, and guitars are used to their full potential here as the track separates between instrumental and vocal sections in increasingly effective form. The way that “Ghosts” builds up is extraordinarily and it proves highly indicative of the band’s level of talent. The opening “I’m a Pilot” is one of their more dramatic efforts, mixing somber strings with opportunistic keys over a percussive procession that steadily evolves over a repeating piano progression. Just like many other songs on the album, the conclusion is one of the finest points of the song because of the masterful way that it utilizes all previous instruments to orchestrate something moving and convincingly powerful. It is a representation of Fanfarlo’s grandiose scope, a quality that makes Reservoir one of the most memorable debuts of 2009.
available at:http://obscuresound.com/

Fanfarlo - Fire Escape

Exclusive Adam Clayton (part I)

HE'S THE EVER-URBANE architect of U2's prowling basslines and, courtesy of Achtung Baby's sleeve art, the only member of U2 whose "old chap" is in the public domain. But Adam Clayton also has a plausible explanation of No Line On The Horizon's tortured delivery and that's not all. Did Brian Eno really throw "the rattle out of the pram"? And what did Bono get Adam for Christmas? In the director's cut of an interview printed in this month's MOJO magazine, all will be revealed... Your host: Keith Cameron.

It's never a smooth process, finishing off a U2 record, and this seems to have been no exception. Was there much chopping and changing down to the wire?

There was sort of an 11th hour scenario, because we got caught up on the running order towards the end, primarily because we'd all come to the conclusion that How To Dismantle An Atomic Bomb had suffered by having a compromised running order, and we didn't want to make the same mistake this time around. So, we pulled White As Snow out of the 'maybe' file, and that seemed to balance some of the up-tempo rock tunes. It gave the listener a break.

We had another track called Every Breaking Wave which, if we'd included it, would have made for a very long record. Anyway, we decided that song just hadn't reached its potential, so, we put it back in the cupboard for the next record (laughs)."

Before Christmas, I heard a track called Winter. Has that become something else?

That was possibly going to be on the record and possibly part of a soundtrack for an upcoming movie and it didn't make the record but may still be part of that movie soundtrack. [NB since this interview Winter has been confirmed as part of Anton Corbijn's 'visual accompaniment' to No Line On The Horizon, entitled Linear, included in the Deluxe package of the album]

It sounds like you've got a lot of material. Could you release another album quite soon?

Well we could, and it's part of our plan to not leave it too long. Once the tour is up and running there would be no reason why we couldn't find a week and go into the studio and work on things. It sort of depends on Bono and Edge's commitments; they've got a Spiderman project in the works too (laughs).

So, Spiderman permitting, you could be working on the new album during the next tour?

It would be nice to continue working in the same way. Instead of doing this record in one solid bloc, we sort of did two-week sessions with Brian and Dan, as writing collaborators, and out of those sessions came a lot of really good raw material. But it wasn't until April of last year that we went into the studio and said, Look, no one gets out of here until it's finished.

The breaks meant we could come back to things. And, I think that helped everyone. I think it worked really well for Edge from a compositional point of view; he really got to look at how the album hung together and to see what was missing musically. I think it enabled Bono to complete and fully resolve some of the lyrics.

Originally we were looking at a deadline of last August but I think by taking a break instead of trying to push through we were able to come back to it and to pull in some new material. For instance, I'll Go Crazy If I Don't Go Crazy Tonight came out of that period and Every Breaking Wave came out of that period, even though the last one didn't get onto the album. It just made for a really good record and I think, from Larry's and my own point of view, it gave us a chance to live with the material and to really have an influence on how it was finished.

So I think the breaks stopped us getting snow-blindness. I also think there was a fundamental shift in the band, in that the material became much more internalised. It wasn't striving to reach out to connect to people; it became much more about inviting people to come in and be part of the experience.

That's interesting. I would say the last two records broadly fell into the 'striving to connect' category...
I think that was the end of a period. When we were coming through the '90s and we were playing a lot of big outdoor shows, we lost some connection with ourselves because it was about reaching out to those really big places and that was how we probably conceived a lot of that music. All That You Can't Leave Behind was the beginning of the shift back, as we knew we were playing relatively small places, but they were much more musical experiences. I think it took the last two records for the band to value what we had together, to value our DNA. I think this record capitalizes and makes the most of that experience.

Did Daniel Lanois and Brian Eno's writing credits make them try harder?

I don't know about try harder but I think they were happier! [laughs] I think they both bring a phenomenal commitment to a U2 project in very different ways. Danny really does stay in the trenches and is the last one to leave the building. Brian tends to be the first man in in the morning, working on things that will influence the attitude of people, get them thinking in creative and inspired ways.

Long, creative relationships are unusual in rock'n'roll, but the mileage and the knowledge and the understanding from having been around with them for 20 years makes them a pleasure to work with. And they haven't really changed much. They're still questioning in the same way.

Who has the final say?

I think it is us. And it's probably swung more that way. We've moved into a way of working where Brian will commit to a two or a three-week period then he goes off and does his other projects. And the same would be true of Danny [Lanois]. But there'll be other periods when we're just on our own.

It does come down to us ultimately. It used to infuriate Brian to the point of throwing the rattle out of the pram. Now I think he observes it and I think he has a healthy respect for it. Towards the end of the record, when we were in Olympic [Studios, South West London], he had a commitment to finish the record I haven't seen in him for a long time. He was there and really fighting for the record. Like a true midwife would be.

Blur...Again

Os Blur estão já a trabalhar, em estúdio, nas canções daquele que deverá ser o sucessor de Think Tank, e com Graham Coxon novamente integrado na formação da banda. Na noite de ontem, Damon Albarn e Graham Coxon subiram juntos a palco da Brixton Academy para, durante a gala de entrega dos NME Awards, interpretar o tema This Is A Low, do álbum Parklife (1994). Foi a primeira vez, em nove anos, que estiveram juntos em palco. Aqui fica a imagem.
Publicada por Nuno Galopim em http://sound--vision.blogspot.com/

Anos 90 ~ Melhores vozes...

Nos anos 90 - em 1994 - a revista britânica Mojo escolheu o que então considerou serem as 100 melhores vozes e respectivas gravações:Eis as primeiras 20:
01 - Horace Andy - Just Say Who (1970)
02 - Anita Baker - Been So Long (1986)
03 - Chet Baker - The Thrill Is Gone (1957)
04/06 - Rick Danko/Levon Helm/Richard Manuel (The Band) - Acadian Driftwood (1975)
07 - Big Maybelle - You'll Never Know (1954)
08 - Bjork - Play Dead (1993)
09 - Bobby "Blue" Bland - Stormy Monday Blues (1962)
10 - Boy George - Mistake Nº 3 (1984)
11 - Paul Buchanan - The Downtown Lights (1989)
12 - Jeff Buckley - Grace (1994)
13 - Tim Buckley - Monterey (1970)
14 - Solomon Burke - Drown In My Tears (1972)
15 - Kate Bush - Running Up That Hill (1985)
16 - Jerry Butler - Make It Easy On Yourself (1962)
17 - Karen Carpenter - Close To You (1970)
18 - James Carr - Love Attacks (1966)
19 - Johnny Cash - The Beast In Me (1994)
20 - Patsy Cline - She's Got You (1962)
disponível em iéié

And the winner is...

Não foram muitas entre os prémios, mais surgiram na cerimónia. E houve de facto surpresa na 81ª noite de entrega dos Oscars de Hollywood. Quem Quer Ser Bilionário?, de Danny Bolye era o vencedor esperado, somando triunfos uma multidão de categorias (oito no total). Milk foi um dos menos esperados vencedores da noite, ganhando apenas dois Oscares, mas daqueles de peso: Melhor Actor e Melhor Argumento Original. Já O Estranho Caso de Banjamin Button, apesar de ter conquistado três Oscares, nenhum conseguiu fora das chamadas categorias técnicas. Ninguém esperava a vitória do filme japonês Departures para Melhor Filme Estrangeiro. A maior das surpresas foi contudo a cerimónia em si. Desde a magnífica apresentação de Hugh Jackman (a lembrar a versatilidade de um Billy Crystal) às soluções encontradas para apresentar os Oscares aos actores, convocando para o palco colegas desta e outras gerações, cruzando tempos e memórias da história do cinema.

A vitória de Sean Penn como melhor actor pelo seu papel em Milk, de Gus Van Sant, foi uma das grandes surpresas da noite. Mickey Rourke (que Penn saudou no final do seu discurso de aceitação) era dado como o favorito, mas recordemo-nos que a Screen Actors Guild já tinha feito de Seann Penn o “seu” vencedor na respectiva premiação interna. Surpresa assim assim, então. Mas justificada, tendo o actor aproveitado o seu discurso (como antes o havia feito um emocionado Dustin Lance Black, autor do argumento do filme) para recordar uma luta por direitos iguais a que a cruzada de Harvey Milk alude no filme, e que recentemente viu na Califórnia, que acolhe a cerimónia dos Oscares, o voto popular a obrigar a lei a dar um passo atrás, com a vitória eleitoral da “Proposta 8”, que voltou a proibir casamentos entre pessoas do mesmo sexo no estado. Os Oscar de Melhor Actriz Principal foi entregue a Kate Winslet e o de Melhor Actriz Secundária a Penelope Cruz. O Oscar de Melhor Actor Secundario foi atribuido, postumamente, a Heath Ledger.

Quem Quer Ser Bilionário?, de Danny Bolye foi o esperado grande vencedor da noite. Venceu as categorias de Melhor Filme, Melhor Realizador, Melhor Argumento Adaptado, Melhor Banda Sonora, Melhor Canção Original, Melhor Fotografia, Melhor Montagem e Melhor Mistura de Som. No final da cerimónia, os elementos do elenco e da equipa técnica do filme invadiram, literalmente, o palco.

Disponível em Sound+vision

Pearl Jam ~20 anos

Em 2011, os Pearl Jam completam 20 anos e o programa das festas está a começar. A reedição de toda a discografia da banda de Seattle vai começar, já no próximo dia 23 de Março, com o relançamento do primeiro álbum — Ten — em nada mais nada menos que quatro edições:
— Legacy Edition: original remasterizado + seis títulos inéditos + nova capa [em cima] — capa original aqui ao lado.
— DeLuxe Edition: o mesmo da anterior + DVD com o nunca editado MTV Unplugged 1992.
— Vinyl Collection: remasterização + remisturas.
— Super DeLuxe Edition: tudo o que está nas edições anteriores + diversos extras, incluindo mais um registo ao vivo (Seattle, 1992) e um bloco-notas de Eddie Vedder [informação completa no site da banda].
Vai ser uma bela revisitação das raízes do grunge e de toda uma energia criativa sem a qual não é possível entender/recor-dar/celebrar a década de 90. Relembremos os Pearl Jam da época: Eddie Vedder (voz), Mike McCready (guitarra), Stone Gossard (guitarra), Jeff Ament (baixo) e Dave Krusen (bateria) — Matta Cameron é o actual baterista.

disponível em http://sound--vision.blogspot.com/

Black ( uma das minhas favoritas)

Álbuns Raros

A edição de Novembro da "Record Collector" lista o que considera serem os 200 álbuns mais raros deste Mundo1

Ora vamos lá aos 10 primeiros:

01 - The Beatles - Beatles (Apple, 1 a 10) - £ 7,000
02 - Unfinished Music Volume 1 - John Lennon & Yoko Ono - £ 3,000
03 - Please Please Me - Beatles - £ 2,500
04 - Would You Believe - Billy Nichols - £ 2,500
05 - Hard On Love - Marc Bolan - £ 2,000
06 - The Bread And Beer Band - Bread and Beer Band
07 - The Love Cycle - Forever Amber - £ 2,000
08 - Cry Of Love - Jimi hendrix - £ 2,000
09 - Their Satanic Majesties Request - Rolling Stones - £ 2,000
10 - The Beatles - Beatles (Parlophone amarelo) - £ 1,500

Publicada por ié-ié em http://guedelhudos.blogspot.com/search/label/Revistas%2FJornais

Canções à parte

Há quase dois anos a revista britânica Q publicou uma lista (como nós gostamos de listas...) com o que considera serem as 500 melhores canções perdidas, ou seja, canções injustiçadas.

Aqui vão as 10 primeiras:

01 - Let's All Make Believe - Oasis

02 - I Am The Cosmos - Chris Bell

03 - Kicking Television - Wilco
04 - So fast, So Numb - REM
05 - Ken - Kate Bush
06 - Mr. Bojangles (live) - Robbie Williams
07 - The Gunner's Dream - Pink Floyd
08 - Guilty By Association - Madonna and Joe Henry

09 - The Bar Is A Beautiful Place - Ryan Adams
10 - Dark End Of The Street - James Carr

Já agora, as 10 injustiçadas dos Beatles:

01 - Child Of Nature (deu origem a "Jealous Guy")
02 - Hello Little Girl (primeira canção composta por Lennon, gravada pelos Fourmost)

03 - Besame Mucho (gravação de Hamburgo)
04 - How Do You Do It (rejeitado 2º single da banda)05 - Thank You Girl
06 - I'll Get You
07 - This Boy
08 - She's A Woman
09 - Yes It is
10 - Rain

As 10 de Bob Dylan:

01 - Rambling, Gambling Willie
02 - The Times They Are A-Changin' (não me parece nada injustiçada)
03 -With God On Our Side (idem aspas aspas)
04 - Talkin' John Birch Paranoid Blues
05 - Ballad Of A Thin Man
06 - Caribeean Wind
07 - People Get Ready
08 - Nobody 'Cept You
09 - Turkey Chase
10 - One More Cup Of Coffee (Valley Below)

As 10 de compositores:

01 - Real Men - Tori Amos
02 - In The Sun - Joseph Arthur
03 - Baby Lemonade - Syd Barrett
04 - You Love The Thunder - Jackson Browne
05 - Dolphins - Tim Buckley
06 - Abused - Elliott Smith
07 - Born To Be With You - Dion
08 - Idol - Amanda Ghost
09 - Nobody's Crying - Patty Griffin
10 - Such Great Heights - Iron & Wine
Publicada por ié-ié e disponível em http://guedelhudos.blogspot.com/search/label/Revistas%2FJornais

Andrew Bird ~ Noble Beast

É uma das mais espantosas colecções de canções capazes de partilhar um gosto pela folk com uma alma pop e uma educação clássica. Tem por título Noble Beast e é o mais recente álbum a solo editado por Andre Bird, retomando os caminhos mais versáteis de The Mysterious Production Of Eggs. Na edição em CD duplo serve-se, como extra, um disco adicional feito de composições instrumentais.

The National ~ Novo album

Os The National estão a trabalhar num novo álbum, que tem lançamento previsto para o próximo ano. A informação é avançada na edição online da revista norte-americana Billboard.
O baixista Aaron Dessner revelou que a gravação do sucessor de "Boxer", editado em 2007, vai arrancar em Abril no seu próprio estúdio doméstico em Brooklyn.
Nos últimos meses, Aaron e o irmão Bryce estiveram ocupados a produzir uma compilação cujos lucros revertem a favor da organização Red Hot, que se dedica à recolha de fundos e à prevenção do vírus HIV/Sida.
A compilação "Dark Was the Night" saíu esta semana para as lojas e reúne 32 temas exclusivos de artistas como David Byrne (com os Dirty Projectors), Cat Power, Feist (com Ben Gibbard), Andrew Bird, David Sitek e os próprios The National, entre outros.

Nascidos originalmente no final dos anos 1990, em Ohio, nos Estados Unidos, os The National mudaram-se para Nova Iorque e, depois do habitual período de apresentações ao vivo em pequenos espaços, gravaram o seu primeiro disco.
Se, durante alguns anos, tudo foi relativamente discreto – os álbuns “The National (2001)”, “Sad Songs For Dirty Lovers” (2003) e o EP “Cherry Tree” (2004) circularam num universo mais ou menos fechado de admiradores do género “indie-rock” –, em 2005, com o lançamento de “Alligator”, o terceiro álbum, tudo mudou. De grupo de culto só para uma mão-cheia de pessoas passaram a grupo de culto de uma imensa minoria.

O álbum “Boxer”, editado em 2007 e que prossegue a linha dos discos anteriores, canções onde a voz de Matt Berninger sobressai e a melancolia é sempre doce, consolidou os The National como um dos nomes pop-rock mais apetecidos do momento. À semelhança do que aconteceu com o registo anterior, a banda recebeu grandes críticas por parte da imprensa que não se cansou de elogiar o talento de Matt Berninger enquanto letrista e frontman da banda.

O primeiro registo dos The National, homónimo, surgiu em 2001 através de uma edição de autor. Dois anos mais tarde chegou ao mercado “Sad Songs for Dirty Lovers” que preparou a banda para o grande sucesso alcançado em 2005 com “Alligator” – um registo que foi considerado pela crítica especializada como o álbum do ano e que catapultou os The National para o estrelato. Depois da grande exposição mediática alcançada com “Alligator”, a banda entrou em digressão com os Arcade Fire mostrando ser uma das bandas norte-americanas em maior ascensão na Europa.
Disponível em http://barcoancorado.blogspot.com/

Os comentários feitos no meu blog são grátis

Aceitam-se comentários ao blog, digo isto pois tenho recebido emails a perguntar se podiam comentar à vontade no blog.

Claro que sim, falem mal do blog, porque bem não acredito muito, tendo em conta o que por aí anda ( ver links).

Este blog é completamente amador e apenas reflecte os meus gostos pessoais. Algumas coisas são retiradas de outros blogs do género, com as devidas indicações, não plagio.

Assim sendo, se quiserem falar do tempo, do sócrates ( bem ...desse é melhor não) só se for do Sócrates filósofo, do Benfica também não, até porque não tinha como ripostar, não percebo nada de Castas Vinículas:).

Fica a dica e já agora para quem "aprecia" regularmente o meu blog também vai gostar dos links que para aí tenho.

Aceitam-se também sugestões... do género: ENCERRA ISSO PÁ!

The Leisure Society

As you might have noticed I have a new passion called The Leisure Society. It's acustic folk like Fleet Foxes but with lot's of banjo which reminds me the sensational Magnetic Fields. Some influences: Beach Boys, Beatles, Elliott Smith, Calexico, Sufjan Stevens, Howie Beck, The Band, Ali, Bob Dylan,The Divine Comedy, David Bowie, Nick Drake, The Beta Band, Big Wednesday, Adam & the Ants ( yes the ones from the eighties)...
Unless you're a big fan of film director Shane Meadows, it's unlikely you'll have heard of The Leisure Society. And, thanks to the festive glut of novelty singles from talent show contestants and celebrities, you're unlikely to hear them much this Christmas too. Which is a shame, for in a parallel universe, this is Christmas Number One every year.
The man behind The Leisure Society is one Nick Hemming, composer of music for Meadows films Dead Man's Shoes and A Room For Romeo Brass (he was also in a band with Meadows and actor Paddy Considine) and if this debut single is anything to go by, he's going to be a name to watch out for next year. Last Of The Melting Snow is a beautifully frail slice of chamber pop, recalling Neil Young's Only Love Can Break Your Heart with some gorgeous orchestration swelling softly in the background.

It's the sort of song you can put on when it's cold and snowy outside and instantly feel warm, and with Radio 2 and 6Music both picking up on it, maybe this year will be a Christmas for underdogs ..

Well just listen to the album and say something.

Fleet Foxes ~ He doesn't know why

Vídeo fantástico
">

Mais Vinil

"O vinil continua a devolver à vida discos que começavam a ficar arrumados nas prateleiras da memória. Desta vez chegam notícias da reedição, em Março, dos álbuns Agaetys Byrjun (1999) e ( ) (2000) dos Sigur Rós. Da mesma editora, a Fat Cat, esperam-se para breve as reedições em vinil de Sung Tongs, dos Animal Collective e The Blue Notebook, de Max Richter, ambos originalmente editados em 2004.
Publicada por Nuno Galopim em Terça-feira, Fevereiro 17, 2009 in http://sound--vision.blogspot.com/"

Festival de Berlim

"Apesar de devidamente representada, a música não teve este ano o mesmo peso que em 2008 levou aos ecrãs da Berlinale. Um ano depois de Shine a Light, de Martin Scorsese, de Patti Smith: Dream of Life, de Stephen Sebring, de Wild Combination: A Portrait Of Arthur Russell, de Matt Wolf ou do menos nutritivo Bananaz, de Ceri Levy, a 59ª Berlinale teve como protagonistas de documentários no espectro pop/rock nomes como os The Doors, James Brown, os Einstuerzende Neubaten e um trio de guitarristas: Jimmy Page, The Edge e Jack White.
Do desapontante filme sobre os The Doors, When You’re Strange, de Tom DiCillo, já aqui demos conta. Era o mais mediático dos filmes, mas de longe o menos revelador de qualquer novo ponto de vista. Assinado por Davis Guggenheim, It Might Get Loud (na foto) é um documentário dedicado aos amantes da guitarra eléctrica, e escuta histótrias e músicas em vários sentidos, abarcando vários horizontes (na estética e nos tempos). As imagens passam pela Headley Garage, onde nasceu Stairway To Heaven, dos Led Zeppelin; pela quinta no Tennesee onde White compõe ou pelos estúdios dos U2 em Dublin, onde The Edge apresenta a garvação original, em quatro pistas, de Where The Streets Have No Name.
Em Von Wegen, de Uli M Schuppel, rumamos à Berlim de 1989. Já havia brechas no muro, mas a separação entre as duas metades da cidade eram ainda evidentes. Estamos a 21 de Dezembro (mês e meio após a queda do muro) e acompanhamos os Einstuerzende Neubaten a uma actuação, a sua primeira em Berlim Leste, concerto apresentado em placo por Heiner Muller, amigo de Blixa Bargeld. Von Wegen não é apenas o filme de um concerto, mas de quem nele esteve e do tempo em que aconteceu, numa viagem aos dias finais de uma Alemanha dividida.
Pelas muitas salas de cinema que acolheram a Berlinale passou ainda Soul Power, filme de Jeffrey Levy Hinte que evoca um concerto de James Brown em 1974. "
Publicada por Nuno Galopim em Segunda-feira, Fevereiro 16, 2009 ~in http://sound--vision.blogspot.com/

The Leisure Society

When the time occurs in which technology overtakes many basic human functions and automation becomes a habit, many futurists claim that we will revert into something of a “leisure society”. John Maynard Keynes, one of the forefathers of macroeconomics, projected that most modernized countries would see a decrease in work time and an increase in leisure time, so much that in 2030 we would have more days off than at work. “We shall do more things for ourselves than is usual with the rich to-day,” he wrote in an essay from 1930, “only too glad to have small duties and tasks and routines.” As glorious as a four or five-day weekend sounds though, the chances of this arising within 25 years are quite marginal. Critics claim that Keynes failed to account for people’s relative needs, which are things that people want but are not required to have. Someone could likely live a similar lifestyle from working only three or four days per week now, but it would be very doubtful that they would have the extra expenses to buy things like iPods, stereos, and other products that are nice but not necessary. Also, in our current economic situation, there are people that would gladly take up a well-paying occupation that requires five or six days per week. This “leisure society” seems farther away than when Keynes first envisioned it, but that does not mean that some people cannot yearn for it through artistic means.
This background information can certainly be useful for discovering the origins of The Leisure Society’s name, but what it does more importantly is assist in identifying their desired sound and how they achieve it so successfully. Perhaps the group says it best in their own words, clarifying that “they strive for a time of relaxation through automation, for a moment when they can hold their table tennis bats aloft and salute modernity”. Much like Keynes, their desire for a world in which people are judged by their qualitative actions and not by how long they sit in a cubicle is prevalent. Whether one is best judged by what they do in their free time or how well they perform in a menial occupational task is an argument that cannot be won due to subjectivity. It is also an argument that everyone from economists to philosophers can jump into. As for the boys of The Leisure Society, they present their ideology quite clearly. Through glimpses of luxurious chamber-pop and melodic folk music, they present listeners with a ceaselessly soothing style that is made memorable by lead vocalist Nick Hemming’s delicate voice and naturally infectious songwriting. Simplicity is a concept that The Leisure Society proclaim throughout the album, both in their charming songwriting and lyrical content. Whether they sing of yearning for the days when “life was so much simpler” in “Love’s Enormous Wings” or the overemphasis on assigned tasks in “A Short Weekend Begins With Longing”, it is evident that this British collective value enjoyment through the simple things in life, those in which people often overlook because of demanding schedules and occupational conformity.
“Turned into stone, all the people they had known,” Hemming sings on the effervescent, string-led “A Short Weekend Begins With Longing”. “Lost on their way through a world of blank expression,” he continues. “No one made the time, everybody had their reasons.” The lines seems conventional enough under the caressing strings and gently plucked acoustic guitars, but for Hemming it is a summation of the album’s thematic approach. As they attempt to define the separation between work and leisure time (weekdays and weekends), it is impossible to avoid the sheer charm of The Leisure Society’s songwriting and general stylistic approach. What they have done so effectively is mix stellar orchestration with compatible lyrical sentiments to create an album that reaps from cohesion, resulting in a perfect mood piece. Abrasiveness is not found on one note throughout the 11 tracks on their debuting The Sleeper, showcasing the meticulous craftwork of Hemming’s songwriting. Chamber-pop may be the most readily available genre to clump this one into, but an additional emphasis on folk, country, and pop makes attempting to singularly classifying The Sleeper a futile effort. Though the lyrical focus, structural tendencies, and choice of instrumentation is consistent, longtime fans of Hemming should be hardly surprised that he has offered up enough variety to excite listeners. After all, The Leisure Society’s frontman has been around for quite awhile, and this looks to be just the thing that will lead to his recognition beyond the island of Great Britain.

Even though his best days are still ahead of him, the story of Hemming’s career is quite an interesting one. His first project was an indie-rock group by the name of She Talks to Angels, a short-lived outfit that lasted from 1990 to 1993. The interesting thing is that it featured actor/director Paddy Considine and director Shane Meadows before they became stars in the UK. Considine has starred in a few great movies like In America while being featured prominently in films like Hot Fuzz and The Bourne Ultimatum, while Meadows is considered one of the most promising directors in the UK after directing the already cult-classic Dead Man’s Shoes and the universally acclaimed This Is England. The demise of She Talks to Angels was rooted in both of their desires to pursue film, a belief that proved to benefit both of them and Hemming in the process. Since they were former bandmates, Meadows let Hemming write the music for two of his films, A Room for Romeo Brass and Dead Man’s Shoes. After spending some time in the ’90s with bands like The Telescopes and Unisex, he began constructing the initial stages of The Leisure Society. The group’s debut single, “The Last of the Melting Snow”, was released this past December to a warm reception among British radio shows. The second single, “A Matter of Time”, will be released on March 16th, precisely one week before the release of the album itself, The Sleeper.
While The Sleeper offers plenty of memorable songs, the one that most immediately captivated me was “Love’s Enormous Wings”. The bare effort of a ukulele eventually finds itself complemented by an upright bass, woodwinds, and sparkling keys, paving the way for the song’s excellent development. The melody tends to repeat itself throughout the entire track, with the instrumental additions of a new string arrangement or woodwind accompaniment establishing the subtle melodic alterations. Considering that it is so beautiful though, it is hard to complain. Hemming’s vocals carry this one with extravagance and bliss. “Oh, once life was so much simpler,” he sings. “I had a heart, she owns it now. I’ll get it back some day.” The lyrical tone is melancholic and reflective, but the arrangement suggests otherwise in its briskly infectious delivery. If anything, the track perfectly summarizes how The Leisure Society are able to craft beautiful gems using little more than conventional structures and highly melodic instrumentation. Well, let us not forget Hemming’s stellar songwriting as well. On The Sleeper, all of these forms are showcased in an accessible and memorable manner that should have listeners coming back for more, whether they are in the middle of a workday or just beginning a weekend. The Leisure Society fit nicely on both occasions, even if they tend to be partial to the latter.

available at : http://obscuresound.com/?p=2745

The Leisure Society - Last of the Melting Snow

Materese

Queremos ver este filme!
Será a nova aventura de espionagem de Tom Cruise. Chama-se The Materese Circle e baseia-se num romance de Robert Ludlum (autor da série "Bourne") sobre dois espiões que, depois de duas décadas de rivalidade, unem esforços para desmantelar uma conspiração do grupo "Materese". Contracenando com Cruise estará Denzel Washington. Last but by no means least, a realização pertencerá a David Cronenberg!
Desta vez, Cruise não envolverá a "sua" United Artists, embora a produção pertença à Metro Goldwyn Mayer, a casa-mãe da UA. Com argumento da dupla Michael Brandt/Derek Haas (os mesmos na origem da história de Wanted), The Materese Circle é uma das primeiras grandes apostas da nova MGM sob a direcção de Mary Parent (que, aliás, garantiu também os direitos da continuação, The Materese Countdown). O livro foi publicado em 1979 e remete para o contexto da Guerra Fria; a versão cinematográfica deverá actualizar a acção — a estreia está prevista para 2010.

Cenas No WC

Alfred Hitchcock divertia-se quando lhe diziam que a cena do assassinato no duche de "Psycho" (1960) tinha provocado pesadelos a muitos espectadores. E que, inclusive, um pai se queixou que a sua filha nunca mais quis tomar banho sozinha depois de ter visto o filme. A verdade é que esse filme de Hitchcock foi dos primeiros cineastas a utilizar a casa de banho como cenário importante de um filme. Aliás, conta-se, igualmente, que nesse filme com Anthony Perkins, mostra-se pela primeira vez, alguém a fazer a descarga do autoclismo (a actriz Janet Leigh, momentos antes de entrar no chuveiro).

A verdade é que só depois do filme icónico de Hitchcock é que a casa de banho revelou ser, para os realizadores, um local onde muita coisa se passa (das situações mais cómicas às mais trágicas). Em virtude deste facto, lembrei-me de enumerar as sequências mais interessantes que ocorrem no WC no mundo do cinema:

"Trainspotting" (1996) de Danny Boyle - Uma cena surreal e grotesca de um drogado que se afunda numa retrete assustadoramente imunda.


"Nascido Para Matar" (1987) de Stanley Kubrick - uma das mais tensas e alucinantes sequências de todo o cinema de Kubrick.



"BZ, Viagem Alucinante" (1990) de Adrian Lyne - Tim Robbins é um homem que balança perigosamente entre a realidade e o delírio. A sequência da alucinação na banheira é arrepiante.



"Shining" de Stanley Kubrick - Jack Nicholson à volta com os seus fantasmas numa alucinada casa de banho quase incandescente de tão vermelha.



"Psycho" de Alfred Hitchcock - a memorável cena do terror com sons estridentes de violino de Herrmann e a faca de Norman bates.


"The Party" (1968) de Blake Edwards - a louca incursão de Peter Sellers numa festa indiana onde a casa de banho se torna num obstáculo hilariante.

Outras cenas: o suicídio na banheira em "As Regras da Atracção" (2002) de Roger Avery; o suicídio falhado de Luke Wilson em "The Royal Tenenbaums" (2001) de Wes Anderson; a morte de Vincent em "Pulp Fiction" (1994) de Tarantino; os olhares aterrados no espelho do WC de Christian Bale no filme "O Maquinista" (2004) de Brad Anderson, etc...

disponível em : ohomemquesabiademasiado.blogspot.com

Walter Dwayne Midkiff (aka Dewey Martin) (1942-2009)

Faleceu Dewey Martin (o segundo a contar da direita na foto da capa do último disco, "Last Time Around" da carreira do grupo), baterista dos Buffalo Springfield, uma das bandas mais importantes, senão a mais importante, nos anos sessenta, do folk-rock norte-americano, apesar da sua existência ter sido apenas entre 1966 e 1968 e terem editado somente três discos, todos eles brilhantes graças ao trio de compositores: Stephen Stills, Neil Young e Richard Furay.

Dewey Martin, depois da morte dos Buffalo Springfield, fez parte de diversas formações algumas das quais fazendo alusão ao nome Springfield (New Springfield, Buffalo Springfield Revisited, Buffalo Springfield Again) o que resultou em batalhas judiciais com os membros originais da banda, nomeadamente Stills, Young e Furay.

Dig !!! Lazarous Dig !!!

Nick Cave and The Bad Seeds
Dig Lazarus Dig

At 50 years old, Nick Cave should be aging gracefully, trying his best not to tarnish his legacy, and getting the band back together only to play county fairs, air shows, and rib cook offs whenever the boys in the band need some extra coin. He shouldn't be this relevant. He shouldn't be releasing career defining albums this late in his career, year after year, first with Grinderman, and now with The Bad Seeds.

To be fair, Cave's late career renaissance really began on the 2004 double album, Abbatoir Blues/Lyre of Orpheus, with the raw, primal guitar attack of Grinderman, serving to howl and scowl that point home. On that album, Cave became the masculine, mega man, driven by emotion, and empowered by instinct. Yet, as lead single, "No Pussy Bluess," showed, behind that hairy beast of a manly man, was someone surprisingly vulnerable, frustrated in his attempts to bed the object of his desire. On Dig Lazarus Dig, with a full compliment of Bad Seeds behind him, the volume and bravado may be toned down a bit, but Cave's lyrics remain razor sharp, as he takes on the role of urban poet, popularized by Lou Reed and Jim Carroll, chronicling the travails of a cast of undesirables drugging, struggling, and stumbling their way through life in these great United States.

There's the modern day Lazarus, or Larry, as Cave prefers to call him on the title track, unable to cope with being alive, who "Ended up like so many of them do, back on the streets of New York City/In a soup queue, a dopefiend, a slave, then prison, then the madhouse, then the grave/Ah poor Larry." Then, in "Today's Lesson," we meet the damaged and disillusioned Janie, troubled by the sex hungry, nemesis of her dreams, when Cave relays "Janie says we're all such a crush of want half-mad with loss /We are violated in our sleep and we weep and we toss and we turn and we burn/We are hypnotised we are cross-eyed we are pimped we are bitched /We are told such monstrous lies."

With all the heavy living going on, one might expect the music to carry a similar weight. Yet, both "Dig Lazarus Dig," and "Today's Lesson," practically bounce with optimism. It's enough to almost forget all that f*cked up sh*t. Specifically, "Dig Lazarus Dig," featuring the same simple, buoyant melody shared across bass, organs, and vocals, has this way of burrowing deep inside your head. Sick shrieking guitars, and Cave's incisive lyrics add some bite, but it's that chorus, "Dig yourself, Lazarus, dig yourself, Lazarus, dig yourself, Lazarus dig," that'll play long after the record stops.

In other places, Dig Lazarus Dig, isn't quite so chipper. "Moonland," and its slow seductive groove, is Cave at his mysterious, brooding best. While "Night of the Lotus Eaters" hypnotizes and gyrates its way through a smokey, slinky landscape, and "Jesus on the Moon," accented by a sadly dripping string section, can pull a tear from the manliest of men. Then, on "We Call Upon the Author," Cave's mood is down right bitter. As the tension builds, guitars send static shocks across an increasingly sinister psychedelic sound scape, Cave gets increasingly anxious, and you know he has a zinger in him, and how, "Bukowski was a jerk! Berryman was best!/He wrote like wet papier mache, went the Heming-way weirdly on wings and with maximum pain/We call upon the author to explain." Damn. That man can write some feisty lines.

Fittingly, Cave's turn as the urban American poet draws to a close with his very own "Walk on the Wild Side." Backed by a sly and stylish shuffle, "More News From Nowhere" has Cave working a happening drug party with secretive women hiding out of the light in every corner of his manly pad. Being the man he is, he takes down a cyclops (it is a drug party, after all), before finding satisfaction. Again, those words he spins are outta this world, "Then a black girl with no clothes on danced across the room/We charted the progress of the planets around that boogie-wongie moon/I called her my nubian princess, I gave her some sweet-back bad-ass jive/I spent the next seven years between her legs pining for my wife." Damn.

With a band who have been around as long as Nick Cave and The Bad Seeds, there can be some trepidation with diving into such a massive catalog this late in their career, but fear not, this isn't some old band riding out the days to pay their bills. This is a modern rock master at his finest, once again showing all the young ones out there how to do this thing called Rock 'N' Roll.

Guilty Pleasure #1

Adoro música e depois?!

Fool's Garden ~ Lemon Tree

Poster Boy ~ New York

Será que ainda existe uma arte de rua? O fenómeno Poster Boy é um excelente pretexto para recolocarmos a questão — este texto foi publicado no Diário de Notícias (8 de Fevereiro), com o título 'Os salteadores da arte perdida'.

O fenómeno Poster Boy tornou-se uma assinatura indissociável do quotidiano de Nova Iorque. Artista de rua que tem como actividade principal as intervenções (ilegais) sobre os placards publicitários da rede do metro, Poster Boy foi recentemente preso. Tendo circulado a informação de que estaria presente num evento em Manhattan, para promoção do trabalho videográfico do grupo Friends We Love, a polícia apareceu e deteve-o, divulgando o seu nome: Henry Matyjewicz. Pouco depois, Matyjewicz era libertado sob fiança, aguardando-se a sua apresentação em tribunal. Mais tarde, um e-mail dirigido à polícia proclamava que “Henry Matyjewicz está inocente”, ao mesmo tempo que esclarecia que o seu trabalho (legal) como artista tem como objectivo divulgar as ideias que sustentam a acção de Poster Boy, não um indivíduo, mas um “movimento”.
Os trabalhos de Poster Boy poderão ser inscritos numa tradição cujas raízes estão, como é óbvio, no conceito de colagem aplicado, na primeira metade do século XX, por cubistas e surrealistas. As suas singularidades começam no facto de se tratar de uma arte de rua indissociável dos materiais usados em muitos anúncios contemporâneos. Assim, no metro de Nova Iorque, a maioria desses anúncios já não são impressos em cartão, mas sim num material auto-colante que permite recortar fragmentos e aplicá-los noutras superfícies (outros anúncios, paredes de azulejos, portas das carruagens, etc.).
Esta é uma arte de guerrilha estética que se afirma através da sua vulnerabilidade material e do carácter precário da sua existência. Num video produzido pelo grupo Friends We Love, alguém que é figurado como Poster Boy, filmado de costas ou com a imagem do rosto alterada por processos digitais, explica os fundamentos da sua intervenção: “Gosto da ideia de que se trata de uma coisa que não vai durar, excepto, talvez, online ou nas páginas do Flickr”. Quer isto dizer que esta é uma prática que, em última instância, não pode ser dissociada da sua “resistência” às formas clássicas de exposição pública: Poster Boy sobrevive, não na rua, muito menos no espaço de um museu, mas tão só nas paisagens virtuais da Internet, em particular na citada galeria do Flickr.
No video de Friends We Love, Poster Boy acrescenta que se trata de gerar qualquer coisa que não precisa de ser legitimada por qualquer “instituição”, seja o “mundo da arte”, seja o “sistema educacional”. Daí a sua asserção, afinal clássica: “Só vale a pena ser artista quando se tentam coisas novas e se forçam as convenções”.
Podemos supor que a arte de Poster Boy encontrará, um dia, os seus próprios limites, quanto mais não seja porque não será impossível imaginarmos que a indústria publicitária passe a utilizar novos materiais, impossíveis de manipular com a mesma simplicidade técnica (Poster Boy usa apenas um objecto cortante para resgatar os fragmentos escolhidos). Seja como for, aqui e agora, a sua estranha sedução envolve um peculiar desafio político-simbólico: o de olharmos de forma irónica para as leis correntes do mundo de imagens em que vivemos. Por um lado, Poster Boy contraria a sacralização automática do espaço publicitário; por outro lado, reinventa o quotidiano como espaço artístico. O museu pode esperar. in sound+vision

When You're Strange

Antes do visionamento de When You're Strange, um novo documentário sobre os The Doors (recentemente estreado em Sundance), o realizador Tom DiCillo falou, frente à plateia, considerando que estava chegada a hora de criar uma nova mitologia para a banda de Jim Morrisson. E que era isso o que íamos ver naquela noite... Bom, ou a nova mitologia é tão subliminar que não se deu por ela, ou acabou fora da montagem final do filme. Na verdade, When You're Strange é uma monumental desilusão e, à excepção de imagens, até aqui ainda inéditas, de HWY - An American Pastoral, um filme de 1969 do próprio Jim Morrisson, no qual o vemos em viagem meditativa pelo deserto, o novo documentário não mostra nada que não se conhecesse já.
Sem ponto de vista verdadeiramente pessoal, uma vez que se limita (salvo a recorrente passagem pelas já referidas imagens), a uma ordenação cronológica dos acontecimentos, desde a formação da banda até à morte de Morrisson em Paris. Tenta contexualizar a música no ambiente social, cultural e político da época, mas nem aí DiCillo mostra um ângulo interessante no relatar dos acontecimentos, parecendo fazer mais uma amálgama "pronto-a-servir" do ABC dos últimos dias dos anos 60... É certo que usa interessantes imagens de arquivo de concertos e bastidores, mas sujeita-as a uma narração off cansativa, na voz do próprio realizador, com um texto digno de banal documentário biográfico televisivo. Soube-se entretanto em Berlim que uma nova narração de When You're Strange será brevemente gravada por Johnny Depp... Não mudará muito o filme, convenhamos...

Badly Drown Boy

Badly Drown Boy is one of my favourite performers. Some songs are simply beautiful.And others are simply great. By the way.. Have you feed the fish today?

Promisses

">

Desillusion
Excellent comic video ou simply a trur vision of life


Born In The U.K. (Acoustic)



Year of the Rat



Born Again

"The Time Of Times"

It's time for you to start listening to Badly Drown Boy

Nickel Eye

Ninguém duvida que, entre a multidão de bandas nascidas na presente década, os Strokes são das poucas que já têm o seu lugar assegurado na grande história da música popular. Contudo, na hora de trabalhar em nome próprio, ou seja, quando se apresentam nos seus projectos a solo, os elementos da banda raramente ultrapassam a barreira da discreta mediania... Albert Hammon Jr teve um bom álbum de estreia, mas o segundo foi uma das maiores desilusões dos últimos tempos. Casablancas lançou um single com Santogold e Pharell Williams. O baterista Fabrizio Moretti acaba de editar a estreia de Little Joy... E agora surge o projecto Nickel Eye, aventura paralela do baixista Nikolai Fraiture, que se apresenta no álbum de estreia The Time Of The Assassins. O disco, como de resto já vimos em anteriores experiências de “Strokes” a solo, afasta-se substancialmente da linguagem habitual nas canções da banda. É um disco essencialmente entregue a um desejo de assimilar as heranças de cantaurores de referência na canção norte-americana de 70, nomeadamente as figuras de Neil Young e Bruce Springsteen. Apesar das contribuições de Regina Spektor e Nick Zinner (dos Yeah Yeah Yeahs), o álbum é um acontecimento morno a dar para o frio. A escrita tenta a construção de histórias, mas a composição não lhes dá cenário, tal como a voz não encanta na narração. Ocasionalmente aproxima-se de terreno “Strokes” e então ganha luz e viço (como em You and Everyone Else, uma das melhores canções do disco). Mas na essência Nikolai Fraiture e os seus Nickel Eye parecem perdidos numa existência parda, à qual estas canções não dão outra forma nem mais cor.

Em Valquíria, de Bryan Singer, Tom Cruise interpreta a personagem do coronel Claus von Stauffenberg, um dos líderes de uma conspiração para matar Adold Hitler, em 1944: é um filme comandado pela vontade de não rasurar a complexidade histórica e, ao mesmo tempo, uma das primeiras grandes apostas da "nova" United Artists — este texto foi publicado no Diário de Notícias (5 de Fevereiro), com o título 'Para não esquecer o nazismo'.

Os filmes falam sempre para o seu tempo. Valquíria surge-nos no momento em que o Vaticano acaba de ordenar ao bispo Richard Williamson que retire as suas afirmações segundo as quais os nazis não mataram judeus em câmaras de gaz. A própria chanceler alemã, Angela Merkel, veio a público exigir uma clarificação “sem ambiguidades”. Claro que o filme de Bryan Singer não é sobre esta situação. Mas é sobre um valor que com ela se envolve. A saber: o continuado trabalho da memória, recusando a sua cristalização em clichés redutores.
O cliché que Valquíria combate é o da imagem unívoca dos nazis como um colectivo absolutamente uniforme (imagem frequente, importa reconhecê-lo, nos clássicos filmes de guerra dos anos 40/50). A história da conspiração para matar Adolf Hitler abre para a necessidade de compreensão de uma Alemanha em conflito consigo própria, com todos os traumas simbólicos que isso envolve (e que continuam a ecoar no presente).
Além do mais, o facto de este ser um dos primeiros projectos da United Artists com gestão de Tom Cruise (um ano depois do fabuloso Peões em Jogo, de Robert Redford) ajuda-nos a perceber que a sua imagem de vedeta “juvenil” é outro cliché que importa repensar.

in sound+vision

Andrew Bird

The Mysterious Production of Eggs and Weather Systems are two of my favourite albums in the world, so what do you do when someone who is such a favourite becomes very good instead of pupil-dilatingly inspired? Well, inevitably you end up feeling slightly disappointed, even by excellent albums like this one.

Since Eggs, Bird seems to have pushed towards a more thickly layered sound, rich with instrumentation and somewhat at the expense of some of the clarity of his earlier recordings. Where previously every violin pluck or guitar strum was audible to the listener, now there is so much rich, textured swooning going on that I find myself missing the sparser early records.

There is, of course, a lot to love in this album. He lilts and sways his way through songs that tease the borders of sadness and whimsy, rarely entirely abandoning one for the other. And his musical virtuosity means that the actual listening experience is very rewarding, well beyond the casual ‘Can I hum this?’ reaction to a standard pop song.

Nevertheless, I do find myself thinking that the last two albums don’t quite match up to the genius of the two which preceded them, and although you can never expect a musician to simply repeat a successful formula ad nauseum, I am not sure I am a hundred percent in tune with the direction in which this Bird is currently flying.

RecordStoreDay.Com

Mais uma boa ideia para quem acredita no futuro do disco enquanto peça-chave na relação do ouvinte com a música. Chama-se Record Store Day e prepara a segunda edição, para o dia 18 de Abril. A ideia é simples: ao longo de um dia, uma série de lojas (de afinidade indie), ligadas em rede através de um site comum pensado para esta acção, vão promover acontecimentos nos seus espaços. Entre eles, lançamentos de discos especiais, edições limitadas e autografadas… A ideia congrega essencialmente lojas nos EUA e Canadá, às quais se junta uma em Itália e uma outra na Irlanda. Entre as acções especiais para a segunda edição do Record Store Day conta-se uma edição de um single (apenas em vinil)no qual Beck apresenta uma versão de Green Light, dos Sonic Youth e estes respondem com uma de Pay No Mind, de Beck… Apenas 2500 cópias estarão disponíveis, lançadas para a rede de lojas associadas a este dia, a 18 de Abril.

Mais informação aqui

in sound + vision

Good Winter

The miraculous, resplendent hush that is Bon Iver turns heads inside out, makes men cry, and reminds us that winter is as hopelessly tragic as it's supposed to be. Wonderful music, as you all probably know.

WOODS

Slumdog (parte II)

O realizador Danny Boyle e o produtor Christian Colson são acusados de ter explorado as crianças que participaram como actores na rodagem do filme “Quem quer ser Bilionário?”. Os dois negam, e anunciam a doação de parte dos lucros do filme para a cidade de Bombaim, local das filmagens e onde decorre a história.As acusações de exploração surgiram em jornais como o “Daily Telegraph”, que revelaram, em reportagem, as queixas dos pais dos jovens actores, denunciando o facto de a produção ter pago às crianças que representaram os papéis de Salim e Lakita menos do que o salário típico de um “empregado de limpezas indiano”. Cerca de 560 euros para Rubiana Ali, a jovem Latika, e 1900 euros para Azharuddin Ismail, o jovem Salim, por um ano de trabalho, são os números revelados pelos pais das crianças. “Quem quer ser Bilionário?” conta a história de Jamal Malik, jovem habitante dos bairros de lata de Bombaim, que ganha a versão indiana do concurso “Quem quer ser Milionário?”. Parte da acção conta as aventuras da sua infância com os amigos Salim e Latika. O “Daily Telegraph” expõe também as condições de vida das duas crianças, muito semelhantes às vividas pelas personagens. A situação de Azharuddin Ismail (Salim) estará pior do que no início das filmagens. O pai, Mohammed Ismail, sofre de pneumonia e a casa, uma barraca ilegal, foi demolida pelas autoridades locais. “Já não há mais dinheiro”, depois de terem gasto tudo o que tinham para comprar medicamentos, conta Mohammed ao “Daily Telegraph”. A situação de Rubina não é melhor: vive com os pais, um irmão e uma irmã numa barraca por onde passa riacho criado por um esgoto aberto. O pai, Rafiq Ali Kureshi, está desempregado e revelou ao “Daily Telegraph” que, apesar de estar feliz com o sucesso do filme, acha que deveria ter sido melhor pago.Num comunicado emitido hoje, Boyle e Colson dizem ter garantido o futuro das crianças. Depois do filme, explicam, os jovens foram inscritos numa escola pela primeira vez e foi criado um fundo para pagar os custos de educação, alimentação, saúde, transporte e emergências que possam surgir. Para além disso, vão receber uma quantia “substancial” (que não foi relevada) se estudarem até aos 18 anos, forma de incentivarem as crianças a irem à escola, revela o “Guardian”. A produção não quis “despejar” dinheiro sobre os miúdos; eles não seriam capazes de lidar com a situação. E hoje mesmo, realizador e produtor anunciaram que parte “significativa” dos lucros do filme será enviada para Bombaim, numa acção que, segundo o realizador, nada tem que ver com uma resposta às acusações de exploração, disse Boyle ao “Times”. “Esta é a nossa oportunidade de devolver algo a quem nos ajudou a produzir um filme extraordinário. Decidimos isso quando percebemos o sucesso que o filme se estava a tornar depois dos Globos de Ouro.” Desde a cerimónia dos Globos, quando “Quem quer ser Bilionário?” recebeu quatro prémios que o filme tem suscitado polémicas. Um dos pontos altos da controvérsia foi atingido quando estreou, há duas semanas, em Bombaim. Várias críticas e personalidades acusaram “Quem quer ser Bilionário?” de fazer “pornografia da pobreza” ao retratar Bombaim. Seguiram-se manifestações dos habitantes dos bairros pobres, com cartazes a dizer “Eu não sou cão” (referência ao título original, “Slumdog”) e até um ícone do cinema indiano, o actor Amitab Bachchan (o Grande B, como é conhecida a maior vedeta do cinema indiano), protestou no seu blogue contra este olhar de um ocidental, Boyle, sobre a Índia.Já se pergunta, por isso, se as polémicas podem afectar as hipóteses do filme de ganhar um Óscar. É o que diz a revista norte-americana “Variety”. “Quem quer ser Bilionário?” é considerado um dos favoritos para os prémios da Academia, depois de ter conseguido 10 nomeações (à frente só tem “O Caso Curioso de Benjamin Button”, com 13). Boyle e Colson aproveitaram para esclarecer ao “Times” o título do filme. “Slumdog” parte da ideia de “underdog”, aquele que luta de uma posição desfavorecida, e não da ideia literal de “cão”.
in Público de 30.01.2009