"O 69 é que está a dar"

Como sabem, os ilustres leitores assíduos do respeitável mojorising, que eu sou um grande fã dos Magnetic Fields e em particular da sua obra prima que é o 69. Já me pronunciei sobre este triplo álbum várias vezes e parece-me que é sempre pouco o que se possa dizer do mesmo. Assim sendo, encontrei um artigo, em inglês, bastante interessante que aborda o 69, 10 anos depois.
Os que se dão bem com a língua de sua majestade de certeza que vão adorar.

Retirado na integra de um dos melhores blogues de música alternativa do mundo: http://obscuresound.com/?p=4017

What comes to mind when you think of the Magnetic Fields? Is it Stephin Merritt’s haunting vocals? Is it the band’s minimally powerful melodies? Perhaps you remember the digital-via-analog production that confounded and pleased you at the same time. Or maybe you just think about the utter emotion poured into every song without a hint of excessive effort. All of these sentiments are legitimate and worthy of one of the most under-appreciated independent rock bands of the modern era. Though the band’s beginnings extend to the early 90s, it was the release of 69 Love Songs in 1999 that truly showed the world what Merritt could achieve. Originally planned as a 100-song musical theater-esque project, Merritt himself conceded that 100 was a gargantuan number to undertake and partitioned the vision down to 69, obvious sexual connotations intact. On a personal note, 69 Love Songs was my first exposure to the Magnetic Fields. Being one of their best albums, I was given the best possible introduction. It has been just over ten years since 69 Love Songs was released in all of its 3-disc glory and it still stands as one of the best albums of the past 15 years.
Stephin Merritt has expressed on multiple occasions that 69 Love Songs is not an album of actual love songs, but songs about love songs. While this might sound a bit redundant, he makes (in a most existential way) meta-fictional societal observations that still prove relevant and inspiring to this day. One of the best examples of this phenomenon is seen with “The Book of Love”; it is a solemn, nearly distraught explanation of the human understanding of this emotion we call ‘love.’ “The book of love is long and boring” shows how uninspired these emotions can feel, while the actual expressed idea is surging with symbolism and underlying meaning. In fact, this song speaks such volumes that it was covered by Peter Gabriel on his album of indie covers in 2010 and prior was used as the closing track to Scrubs in the spring of 2009. One interesting subtlety to notice is the rather conservative use of electronic manipulation. While their earlier albums were somewhat characterized by synthesizers, 69 Love Songs only employs the technique on a handful of tracks. Perhaps Merritt preferred a more analogical approach to this opus of satire, or maybe he was just tired of the effect. When a synth is used, Merritt does so with swelling over-the-top jaunt. On the opposite side of this coin of relativistic meaning, we have “Fido, Your Leash Is Too Long”, the direct follow-up to “The Book of Love” and a song that epitomizes the modern-rock approach to a love song that isn’t a ballad; make it underwhelming and somewhat unintelligible. Of course, the satire of ‘underwhelming’ makes the song excellent in it’s own right whilst still expressing the crudeness of the soft rock appeal of the 90s. The meaning of “Fido” is, as aforementioned, somewhat unintelligible, as the traditional imagery of a leash in the romantic sense shows it being too short, as one partner keeps a tight hold on the other.

Disc two seems to revert to a simpler and more straightforward aesthetic. The short “Very Funny” is lifted by classical strings and piano to heights nearly reaching ballad levels. The presentation of a variety of genres is one of 69 Love Songs‘ most endearing elements. While each song is irrefutably a work of the Magnetic Fields, they are all executed in unique ways. Take the juxtaposition of “My Only Friend” and “Promises of Eternity”; the former a piano ensemble, the latter an electronic-assisted hyperbole about the time it takes to express one’s feelings. And how about “Washington D.C.”? This track alone proves how versatile this band can truly be. A cheerleader chant opens the ethereal effort and gives way to one of the more pop-oriented melodies on any of the albums. With lines like “It’s my baby’s kiss that keeps me coming back” allowing Claudia Gonson a freedom to just sing without pretense, instances like this are a pure delight. ”Papa Was a Rodeo” is another track that yanks at the listener’s conscience. It is a pivotal song that expresses the chaotic nature of life on the road (“never stuck around long enough for a one night stand”), how it is perceived through the eyes of a child, and why it affects that child’s life even into the fall of his life. Recovering from a flurry of down-tempo melodies, “The Sun Goes Down and the World Goes Dancing” is upbeat and fun. Like a gypsy jangle, Merritt sings at a higher octave to compliment the heightened mood. Of course, the lyrical nature is still characteristically pessimistic, though it is difficult to not move your head and raise your heel to the melody while singing along.
The “lo-fi” label has been applied to indie music since the early ’90s, but few songs have achieved a lo-fi/country feeling like “I’m Sorry I Love You”, one of Gonson’s ditties about a heart-worn lover who comes to grips with a broken relationship. Additionally, the radio-reverb friendliness of “Wi’ Nae Wee Bairn Ye’ll Me Beget” shines through as a powerfully under-produced track that still manages to convey intense meaning. My favorite song on all three albums from 69 Love Songs is “Yeah! Oh Yeah!”, a song that literally attacks any love song ever written. Without subtle imagery to act as a buffer, this track surges forth with the power of anti-love esteem. ”Are you out of love with me? Are you longing to be free? Do I drive you up a tree?/ Yeah! Oh Yeah!” is the opening line of this duet between Gonson and Merritt. From there, it continues its descent into the already-dead (and now festering) relationship between lovers who have been out of love for so long, they no longer censor their feelings. This track is meaningful in it’s disparity. The natural follow-up track is “Meaningless”, a 50s doo-wop style track that imposes the meaningless of words of love… how they are only words and nothing more.
I could spend three full-length features outlining the nature of 69 Love Songs, one for each disc, and I still feel as though it would not be enough. This career-defining album is full of metaphor, imagery, subtle meaning and stylistic progression more broadly than some bands achieve in their entire career (just look at Poison). If you have heard this album before, play it for yourself again and remember why the Magnetic Fields are one of the best bands from this generation. If you have not heard 69 Love Songs, I implore you to find time to really listen. Do not play it while you are working, exercising, or playing a game. Really listen to it and absorb the irony, the satire, and all the existential truths that exist below the surface.

Ainda o Actividade Paranormal

Retirado na integra do site:http://www.omelete.com.br/cine/100023817/Critica__Atividade_Paranormal.aspx
Não há muito o que falar de Atividade Paranormal (Paranormal Activity) como cinema. Realizado supostamente com ínfimos 15 mil dólares, o longa-metragem mais se assemelha a um vídeo caseiro de Youtube e incorpora a câmera de baixa qualidade, a iluminação tosca e os diálogos cotidianos em sua narrativa.
Diferente de um Distrito 9 ou Cloverfield, porém, que pegam esprestado a estética home made e a incham com efeitos especiais de primeira - usando a técnica em prol do realismo -, o paupérrimo Atividade Paranormal precisou se virar como pode, basicamente com insinuações e truques de câmera e áudio. É exatamente o que outro fenômeno de público, A Bruxa de Blair, já havia feito igualzinho dez anos atrás, em 1999.
O filme de Daniel Myrick e Eduardo Sánchez funcionou por ser totalmente inesperado. A criação do estreante Oren Peli funciona porque ninguém se lembra mais direito de Bruxa de Blair (ou nem viu - os adolescentes de hoje eram crianças na época). As semelhanças entre os dois filmes, afinal, são gritantes demais para que Atividade Paranormal seja alardeado como o "terror da década", como exageram alguns. Para que a novidade perca força é só perceber, lá pela metade, que toda a tensão, toda a insinuação, não chegarão a lugar algum.
De qualquer maneira, o longa tem seus méritos. Quando surge, lá pela metade, um átomo de dramaturgia, com a chegada do estudioso de fenômenos paranormais (Mark Fredrichs), a história do casal assombrado por uma entidade fica mais interessante. O sujeito, afinal, é melhor ator que Katie Featherston e Micah Sloat, que vivem as estressadas vítimas do maligno gasparzinho.
As insinuações e o formato de vídeo amador, que o diretor emprega para justificar seu parco orçamento, são interessantes também aproximar o espectador do casal e Peli é feliz ao substituir cada pirotecnia ausente com ideias razoáveis - emplacando dois ou três bons sustos no meio. Afinal, fisicamente, seu monstro, se resume a pegadas em uma camada de talco e isso fez 120 milhões de dólares só nos Estados Unidos. A Johnson & Johnson deve estar orgulhosa.
Mas o cineasta estreante não merece créditos sozinho. Quando a Paramount Pictures comprou os direitos de distribuição nos Estados Unidos reeditou o filme, adicionou cenas novas, inverteu sequências e criou um novo final, devidamente aprovado em inúmeras sessões com audiências-teste. E contou com o apadrinhamento de ninguém menos que Steven Spielberg, que encontrou tempo até para viralizar o filme, dizendo que a porta de seu quarto foi inexplicavemente trancada pela "cópia assombrada" de Atividade Paranormal.
Esse orçamento todo, obviamente, deve ter superado os miseráveis 15 mil do longa original, 10 minutos maior, exibido apenas em festivais de cinema de gênero. O filme, aliás, já circulava esses eventos desde 2007 e apesar de ter agradado os fãs, ficou muito, muito longe do alarde que recebeu depois, com o apoio da máquina hollywoodiana.
É como na própria trama: quanto mais atenção você gera para o invisível incômodo, mais poderoso ele se torna. O demônio de Atividade Paranormal não é outro senão o do marketing.

Let's look at the trailer...

'Actividade Paranormal' provoca ataques da pânico na Itália

Sucesso internacional, o filme de terror estreou no país na sexta (5).112 teve que ser chamado para pessoas com palpitações e ansiedade.

O governo italiano estuda a possibilidade de impor restrições ao thriller de terror "Actividade paranormal", depois de algumas pessoas que assistiram ao filme nos cinemas terem sofrido ataques de pânico, suscitando protestos por grupos de defesa da infância e dos consumidores.
Os serviços de emergência foram chamados em Nápoles no fim de semana por pessoas que se queixaram de palpitações e ansiedade depois de assistirem ao filme, a história de um casal jovem que tenta captar provas em vídeo de uma presença sobrenatural em sua casa.

De acordo com o jornal "Corriere della Sera", uma garota de 14 anos ficou em estado de choque e precisou receber oxigénio ao sair do cinema.
O ministro da Cultura, Sandro Bondi, observou que o filme recebeu luz verde de um comité que decide sobre a classificação etária, mas acrescentou que estuda possíveis medidas a adoptar para proteger o público infanto-juvenil.
Feito com orçamento pequeno, "Actividade paranormal" tornou-se sucesso internacional especialmente entre o público jovem e foi lançado na Itália na sexta-feira (5), sendo exibido em 385 cinemas sem qualquer restrição etária.
O grupo de defesa do consumidor Codacons ameaçou ir aos tribunais em nome de menores de idade que podem achar o filme assustador demais, e o ministro da Defesa, Ignazio La Russa, disse que o trailer do filme não deveria ser exibido pela televisão, onde pode ser visto por crianças.
"Trata-se de um filme que gera ansiedade, que vem provocando ataques de pânico e problemas psicológicos entre crianças e adolescentes", disse Alessandra Mussolini, política de direita que chefia um comité parlamentar sobre os direitos das crianças.
"Se já é tarde demais para impor uma classificação etária, deveríamos impor algum tipo de aviso, especialmente aos pais, para que tenham consciência do risco", disse ela.

De referir que este filme "assustou" Steven Spielberg e este o apadrinhou imediatamente.

A gestão Vs Rock

Desde o desastroso contrato de merchandising dos Beatles (na foto) em 1963 aos gastos acima da média do Hacienda Club em Manchester, estas são algumas das piores decisões de gestão da história do rock, segundo a revista Mojo.

De acordo com a publicação, a pior decisão de sempre foi a venda de toda a imagem dos Beatles por uma verdadeira bagatela ao socialite britânico Nicky Byrne em 1963, levada a cabo pelo manager Brian Epstein. Quando percebeu que o negócio tinha sido infeliz para o lado da banda, Epstein quis renegociar os termos do contrato, mas acabou por ser processado. A disputa teve como consequência o cancelamento de várias encomendas de merchandising por parte dos investidores, com prejuízos na ordem dos milhares de libras. A contenda só ficou resolvida quatro anos depois, quando os quatro Beatles já tinham mudado de imagem e inclusivé deixado crescer bigode, tornando todo o merchandising pré-disputa obsoleto.

A lista da Mojo destaca também a 'entrada' de Bernie Rhodes, manager dos Clash, na banda, depois de Mick Jones ser dispensado. Rhodes co-assinou vários temas de "Cut the Crap", o último disco dos Clash, tido como o pior de sempre do mítico grupo.

Rob Gretton, o manager dos New Order e um dos gerentes, juntamente com os membros da banda, da discoteca Hacienda, em Manchester, também é destacado pela Mojo. Em causa estão os milhões de libras perdidos para colocar a Hacienda como a discoteca da moda para as celebridades da época. Tantos que Peter Hook, baixista dos Joy Division e New Order, foi obrigado a fazer de DJ e a escrever livros de anedotas durante anos para repor o investimento .

Johnny Depp vai dirigir documentário sobre Keith Richards

Longa metragem deve incluir imagens de arquivo do guitarrista dos Rolling Stones. Actor declarou que começa a trabalhar no projecto já na próxima semana.

O actor Johnny Depp vai dirigir um documentário sobre Keith Richards, lendário guitarrista dos Rolling Stones, informou nesta quarta-feira (3) o site do semanário musical britânico “New Musical Express”.
De acordo com a publicação, Depp, que está na cidade sérvia de Drvengrad, revelou a um jornal local que vai começar a trabalhar no projecto já na próxima semana. “Enquanto estou aqui, meu editor tem trabalhado em quilómetros de arquivos com imagens de shows de Keith. Fiquei sensibilizado pelo facto dele ter concordado em se mostrar diante das minhas cameras”, declarou Depp à publicação. Os dois já haviam trabalhado juntos no terceiro longa duração da franquia cinematográfica “Piratas das Caraibas”. O guitarrista interpretou o pai de Jack Sparrow, personagem principal da trama, vivido por Depp.Também não será a primeira vez que o actor vai dirigir um filme. Depp já passou pela experiência no longa-metragem “O bravo”, de 1993, estrelado por Marlon Brando e por ele próprio. “Agora que estou mais sábio, e passado tempo suficiente, já posso encarar esse desafio novamente”, disse o actor.

Stephin Merritt o Documentário

O documentário sobre Stephin Merritt que tem estreia marcada para esta Primavera, já tem trailer. Aqui ficam então as primeiras imagens que resultam de um trabalho de dez anos de vida próxima com o músico (Magnetic Fields, The 6ths, Gothic Archies e outros), captadas por Kerthy Fix e Gail O’Hara.

Imagens do trailer de 'Strange Powers: Stephin Merritt and The Magnetic Fields'
fonte: http://sound--vision.blogspot.com/

Ok Go outra vez os telediscos malucos

Foi deles o teledisco com as passadeiras de ginásio que fez história há quase quatro anos.
aqui De regresso aos discos, os OK GO mostram novamente uma rara capacidade em compreender o poder da imagem, em mais um daqueles telediscos que sabem cativar atenções. Ao som de WTF, um trabalho notável de tratamento de imagem, com uma valente colecção de cores ao serviço de uma canção.

O 69 em vinil

Lá vou eu ter que voltar ao Vinil...

É certamente uma edição de luxo, destinada aos cultores do vinil. Em Abril a Merge Records vai editar uma caixa com o clássico 69 Love Songs, dos Magnetic Fields. O disco, originalmente um CD triplo, vai surgir na forma de seis álbuns na dimensão de dez polegadas (usada já pelos Radiohead nas reedições em vinil de Kid A e Amnesiac). A caixa inclui ainda um booklet e um cupão que permite fazer o donwload da versão remasterizada do álbum.

O top ten dos óscares

A Academia de Artes e Ciências Cinematográficas de Hollywood anunciou as nomeações para a 82ª edição dos Oscars. Recuperando um modelo que vigorou até 1943 (ano em que ganhou Casablanca), o número de candidatos a melhor filme volta a ser uma dezena — são estes os nomeados:* AVATAR, de James Cameron* THE BLIND SIDE, de John Lee Hancock* ESTADO DE GUERRA, de Kathryn Bigelow* AN EDUCATION, de Lone Scherfig* DISTRITO 9, de Neill Blomkamp* NAS NUVENS, de Jason Reitman* PRECIOUS, de Lee Daniels* SACANAS SEM LEI, de Quentin Tarantino* A SERIOUS MAN, de Joel e Ethan Coen* UP, de Pete DocterA cerimónia realiza-se a 7 de Março, no Kodak Theater, com apresentação a cargo de Steven Martin e Alec Baldwin.

fonte: http://sound--vision.blogspot.com/

Shirley Manson hints at new Garbage album

Manson hints that band have Manson hints that band have been in the studio recently been in the studio recently

Shirley Manson has hinted that her band Garbage are to release new material soon, with the singer implying that the band have been in the studio together recently.Manson dropped the hint in a message to fans posted on her Facebook page after the Grammy awards yesterday (February 1).Although she didn't explicitly say they band were recording together again, she did allude to bandmates Duke Erikson, Steve Marker and Butch Vig, the last of whom was celebrating Green Day's '21st Century Breakdown' (which he co-produced) picking up the Grammy for Best Rock Album."Guess who I just spent a week in the studio with?" Manson wrote, before adding, "Would you be pleased if I said one of them was called Steve and one of them was called Duke and another was a Grammy-winning producer?"Garbage's last studio album, 'Bleed Like Me', was released in 2005.

in:http://www.nme.com/news/garbage/49540

Arctic Monkeys em Lisboa

Depois de uma noite vitoriosa a Norte, os Arctic Monkeys desceram ontem a Lisboa para um concerto que desde cedo se adivinhava eufórico. Mesmo antes de a banda da primeira parte, os Mystery Jets, se despedirem de um público já acelerado, era praticamente impossível encontrar lugar sentado nas bancadas. Privilegiando a visibilidade para o palco, em detrimento do conforto, muitos foram os que acabaram por sentar-se nos degraus dessas mesmas bancadas, aguardando de forma ordeira mas visivelmente excitada a chegada dos Arctic Monkeys. Poucos minutos depois da hora marcada, as luzes apagaram-se e um inacreditável coro de agudos fez-se ouvir, capaz de levar qualquer incauto a julgar que a plateia era bem mais juvenil do que na realidade se viu. Ainda com a pesada cortina vermelha a tapar o palco, o riff serpenteante de "Dance Little Liar" começa a ouvir-se e é saudado com uma daquelas ovações que se reservam para os heróis. Afinal, nos escassos anos que levam desta vida, os Arctic Monkeys almejaram proeza rara: a construção de um cancioneiro, personalizado e reconhecível, ao qual, não obstante o carimbo muito "brit" da pena de Alex Turner, certa juventude portuguesa aderiu em força. Humbug , o novo disco dos ingleses, veio pôr alguma água na fervura neste romance: gravado com Josh Homme no deserto da Califórnia, é um álbum menos directo e mais forte em ambientes e subtilezas do que os seus antecessores, o que desapontou todos aqueles que, nos Arctic Monkeys, viam sobretudo uns companheiros de festa. A avaliar pelo que se viu ontem à noite, todavia, quem se manteve fiel à causa encontra tantos motivos de satisfação em canções como as mais recentes "My Propeller" e "Crying Lightning", apresentadas de rajada e acompanhadas ao segundo pelas gargantas dos presentes, como nas já velhinhas "When The Sun Goes Down", "Still Take You Home" ou "I Bet You Look Good On The Dancefloor", o primeiro cartão de visita dos Arctic Monkeys mas até hoje uma das suas criações mais pujantes e irresistíveis: que o diga a multidão que, na plateia obviamente sem cadeiras, fez deste momento um dos mais impressionantes da noite, entoando toda a letra em coro e, acima de tudo, desenhando redemoinhos com recurso a corpos, fluidos e um ou outro sapato pelo ar. Todo este entusiasmo por vezes caótico - sobretudo nas canções do primeiro álbum, mas extensível à relampejante "Brianstorm" ou à adorável "Fluorescent Adolescent", ambas do segundo - era observado, do palco ladeado por ecrãs gigantes, por uma banda que soube mostrar gratidão de forma discreta e elegante. As poucas palavras que Alex Turner dirigiu aos acólitos foram tão apreciadas como as palmas que, no final das músicas mais participadas, lhes bateu, e as erupções populares de patriotismo foram, felizmente, substituídas pelo coro bem mais adequado de "Arctic Monkeys!", que o fantástico baterista Matt Helders ("agile beast", lê-se no seu bombo) acompanhou a preceito. A terceira visita dos Arctic Monkeys a Portugal - uma por disco, sem paragens por festivais - apanha os ingleses mais dotados da sua geração a meio caminho entre duas peles: a de pós-adolescentes perspicazes mas algo ingénuos, e a de roqueiros com Queens of the Stone Age, Black Sabbath ou Nick Cave (de quem tocaram uma versão, marcial e hipnótica, de "Red Right Hand") no altar dos santinhos. Olhando para a esguia figura de Alex Turner, de melena perpetuamente a tapar a face ainda fresca, quase se podia dizer que nenhuma das "personas" é exactamente a sua. Mas assistir ao vivo à metamorfose - e sentir o que separa a vociferada "The View From The Afternoon" (foi só há quatro anos!) da psicadélica "Potion Approaching" não deixa de ser um privilégio. Até porque, do livro dos Arctic Monkeys, consta uma terceira via: a que nasce da veia mais crooner e clássica de Alex Turner, passa pelo seu outro grupo, os óptimos Last Shadow Puppets, e desagua nas lindíssimas "Cornerstone" e "505", guardadas para acicatar paixões no encore pedido com histerismo. Foi a despedida perfeita para um concerto de quase 20 músicas, intensa partilha e até uma chuva de confetis brancos, que no final de "Secret Door" terá apanhado muito boa gente de surpresa, por cair como que accionada por mais mais uma valente "baquetada" de Matt "agile beast" Helders. "See you again!", despediu-se Alex Turner. Seria complicado pedir mais. Na primeira parte, os Mystery Jets beneficiaram da energia que já electrizava a plateia e foram recebidos como verdadeiros campeões; do pastiche "synth pop" "Two Doors Down" à pop com laivos de folk, a fazer lembrar os novatos Mumford & Sons, de "Behind the Bunhouse", a banda liderada por Blaine Harrison (que sofre de espinha bífida, actuando por isso sentado) mostrou-se, no adeus, verdadeiramente agradecida pelo carinho do público.

A cama estava feita para os Arctic Monkeys. Arctic Monkeys no Campo Pequeno, 3 de Fevereiro de 2010 - alinhamento: Dance Little Liar

Brianstorm This House Is A Circus

Still Take You Home

Potion Approaching

Red Right Hand

My Propeller

Crying Lightning

Catapult

The View From The Afternoon

I Bet You Look Good On The Dancefloor

Fluorescent Adolescent

If You Were There, Beware

All The Pretty Visitors

When The Sun Goes Down

Do Me A Favour

Secret Door

Cornerstone

505

Texto de: Lia Pereira Fotos de: Rita Carmo/Espanta Espíritos
tags: arctic monkeys, arctic monkeys lisboa, arctic monkeys porto, arctic monkeys fotos concerto 2010

fonte: http://blitz.aeiou.pt/?p=stories&op=view&fokey=bz.stories/56832

The National - revisão da matéria dada

Os National lançam um novo álbum no próximo mês de Maio. Este será o sucessor do disco de 2007,"Boxer". O título e o alinhamento ainda não estão definidos.O lançamento está previsto para o dia 6 de Maio. A edição é assinalada com um concerto nessa mesma noite no Royal Albert Hall, em Londres.

Vamos rever um pouco a história da banda.

Nascidos originalmente no final dos anos 1990, em Ohio, nos Estados Unidos, os The National mudaram-se para Nova Iorque e, depois do habitual período de apresentações ao vivo em pequenos espaços, gravaram o seu primeiro disco.Se, durante alguns anos, tudo foi relativamente discreto – os álbuns “The National (2001)”, “Sad Songs For Dirty Lovers” (2003) e o EP “Cherry Tree” (2004) circularam num universo mais ou menos fechado de admiradores do género “indie-rock” –, em 2005, com o lançamento de “Alligator”, o terceiro álbum, tudo mudou. De grupo de culto só para uma mão-cheia de pessoas passaram a grupo de culto de uma imensa minoria. Já o mais recente “Boxer”, que prossegue a linha dos discos anteriores, onde a voz de Matt Berninger sobressai e a melancolia é sempre doce, consolidou o grupo como um dos nomes pop-rock mais apetecidos do momento. À semelhança do que aconteceu com o registo anterior, a banda recebeu grandes críticas por parte da imprensa que não se cansou de elogiar o talento de Matt Berninger enquanto letrista e frontman da banda.
O primeiro registo dos The National surgiu em 2001 através de uma edição de autor. Dois anos mais tarde chegou ao mercado “Sad Songs for Dirty Lovers” que preparou a banda para o grande sucesso alcançado em 2005 com “Alligator” – um registo que foi considerado pela crítica especializada como o álbum do ano e que catapultou os The National para o estrelato. Depois da grande exposição mediática alcançada com “Alligator”, a banda entrou em digressão com os Arcade Fire, mostrando ser uma das bandas norte-americanas em maior ascensão na Europa. fonte: http://barcoancorado.blogspot.com/

Lost ~primeiras impressões dos primeiros dois episódios

Difícil resumir todas as ideias que passam pela cabeça enquanto se assiste a um episódio duplo como este que abre a sexta temporada de LOST. Vagamos entre lembranças, criamos novas teorias a cada minuto, recordamos histórias e acalmamos a ansiedade com uma hora e meia de cenas inéditas. Embalados por um recap perfeito, no qual vários links passam a fazer mais sentido, os episódios iniciais desta última temporada têm um gosto diferente. É despedida, sim, mas não deixa de ser uma jornada divertida e uma curiosidade incrível de descobrir o que prepararam para a festinha. Mantendo em mente as declarações de que “nem tudo será respondido”, assistir à estreia de Lost fugindo de spoilers e já pensando que no dia 23 de maio a tortura/o prazer termina é um turbilhão coletivo de emoções.

Vamos lá aclicar na(s) tua(s) série (s) favorita(s).

Não dói nada...

Sigur Rós on indefinite hiatus after scrapping new album

The Icelandic band have abandoned their 'nearly completed' sixth LP, taking a break to have babies and pursue solo projects

Sigur Rós have scrapped their new album, binning recordings described last year as "near completion". Frontman Jonsí Birgisson has revealed that the Icelandic band are on indefinite hiatus, as they are busy "having babies" and releasing solo albums.
In May 2009, Sigur Rós wrote on their website about sessions at the Sundlaugin studio in Álafoss, Iceland. Drummer Orri Páll Dyrason told a local newspaper that the band were almost finished work on their sixth LP, a record that was "slower and more ambient" than their last two. The "out there" release would likely be released in 2010, he said.
Speaking to Spinner this week, Birgisson has dashed such hopes. "We haven't got another album ready," he said. "It was just a rumour. We started to record something, but then we chucked it all away. So I think we are going to have to start it all again."
"We are on a break at the moment. Everybody in the band is having babies." For Birgisson, this baby seems to be a musical one: the singer will deliver his first solo album, Go, on 22 March. Under the name Riceboy Sleeps, Birgisson and boyfriend Alex Somers also released an instrumental debut last year.
Sigur Rós's most recent album was 2008's Med Sud I Eyrum Vid Spilum Endalaust.

Lost ... Hoje!!!

Última Ceia... enigmática esta foto

Após cinco anos de muitos mistérios e acontecimentos sinistros em uma estranha ilha no Oceano Pacífico, milhões de espectadores em todo o mundo finalmente terão suas respostas definitivas. Estreia hoje, nos Estados Unidos, a última temporada de Lost.

A data 2 de fevereiro ganhou tanta importância para os norte-americanos que o presidente Barack Obama, pressionado por uma legião de fãs, adiantou para a última quarta-feira um de seus discursos. Só para não atrapalhar o primeiro episódio.

Criada em 2004 pelo trio J.J. Abrams, Damon Lindelof e Jeffrey Lieber, a série apresenta a aventura de sobreviventes de voo entre Sidney, na Austrália, e Los Angeles, nos Estados Unidos. Eles caem em uma paradisíaca ilha tropical e se veem em meio a estranhos acontecimentos que envolvem uma sociedade secreta, a suspeita Iniciativa Dharma. Viagens no tempo e diversas idas e vindas dos personagens para o local confundem ainda mais o espectador.

Curiosidades

* O projeto da série foi vendido sem nem mesmo ter um roteiro

* US$ 11,5 milhões foram gastos no episódio-piloto de duas horas*

18,6 milhões de pessoas assistiram ao primeiro episódio da série nos Estados Unidos

* Entre as diversas premiações, ‘Lost'' ganhou nove Emmys e um Globo de Ouro

* Toda a saga, em suas seis temporadas, possui um total de 117 episódios

* Especula-se sobre a possibilidade de transformar a história em filme

Tindersticks em Estarreja

Dia 7 de Fevereiro, domingo, os Tindersticks vêm a Estarreja. Carnaval/ Tindersticks, não percebo... estava à espera de uma cena daquela de Pagode ou lá o que é...

Ainda bem que há quem traga música a Estarreja.

Sondagem na véspera da estreia da 6ª temporada do Lost

Estas séries foram escolhidas por mim, e por serem relativamente bem conhecidas do público em geral.

Eu como seguidor de algumas tenho, é claro, as minhas preferências... mas e as vossas quais são?

Prémios Grammy de 2010

Taylor Swift desbanca divas e leva maior prêmio do Grammy

Concorrendo com Black Eyed Peas, Lady Gaga, Dave Matthews Band e Beyoncé, que concorria em dez categorias, a cantora country Taylor Swift levou a melhor e venceu a categoria de Melhor Álbum do Ano com o disco Fearless em cerimónia realizada em Los Angeles, nos Estados Unidos.
Além do Grammy de Álbum do Ano, Taylor, que tinha oito indicações, também levou as categorias de Melhor Perfomance Vocal Country e Melhor Canção Country, ambas com a faixa White Horse, e o Melhor Álbum Country.

Emocionada, e dessa vez sem ser interrompida como aconteceu no VMA - quando o rapper Kanye West tomou seu microfone para mostrar sua indignação com o prêmio-, Taylor comemorou sua conquista e agradeceu sua família por "sempre acreditar em sua carreira". Em uma categoria anterior, a cantora chegou a

agradecer sua gravadora por "deixá-la escrever as canções que estão em Fearless".
Já Beyoncé, cantora que foi mais destacada por suas dez indicações, ficou com seis dos cobiçados gramofones. Single Ladies, um dos maiores hits já emplacados pela cantora, conseguiu três prêmios: Canção do Ano, Melhor Performance R&B e Melhor Música R&B. Completando sua lista, a cantora também recebeu os troféus de Cantora Pop e Melhor Álbum de R&B Contemporâneo e Melhor Performance de R&B Tradicional.
Outro páreo duro para Swift foi Lady Gaga, com cinco indicações. A cantora, famosa por suas roupas exuberantes, deixou o Grammy com os gramofones de Melhor Álbum Dance e Melhor Gravação Dance, este último por seu hit Poker Face.
Shows Em um ano que o Grammy teve muito mais shows do que premiações, a sempre polêmica, Lady Gaga ficou encarregada de abrir a cerimônia de entrega.
Depois de interpretar um trecho de Poker Face, um de seus maiores sucessos, a cantora surpreendeu todas e voltou sentada em um piano virado de frente para outro instrumento simplesmente com Elton John sentado.
A parceria entre os dois, que tocaram com óculos coloridos e uma maquiagem na cara simulando sujeira no rosto. A dupla interpretou Your Song, um dos maiores hits do compositor. Quem assumiu o palco depois do primeiro prêmio (Melhor Canção, vencida por Beyoncé) foi o Green Day e o elenco do musical American Idiot para cantar a canção 21 Guns, um dos novos hits do trio californiano liderado por Billie Joe Armstrong.

Em outra apresentação muito esperada, Beyoncé, que tem dez indicações no Grammy, cantou If I Were a Boy e ainda emendou um trecho de You Oughta Know, da cantora canadense Alanis Morissette. Já a cantora Pink reservou outro momento contagiante da apresentação. Assim como em sua turnê baseada no disco Funhouse, a americana fez uma apresentação circense com um traje sensual.
Homenagens O tradicional bloco de homenagens do Grammy também contou com momentos emocionantes, como a homenagem a Michael Jackson, morto em 25 junho de 2009. Prince e Paris, filhos do cantor, estiveram presentes na cerimônia e falaram sobre o pai.
Relembrando as perdas da música em 2009, um clipe foi exibido relembrando as mortes de Mercedes Sosa, DJ AM, Jay Bennett, Vic Chesnutt, Al Martino, Maurice Jarre, Bob Beagle, Koko Taylor, Teddy Pendergrass e Willie Mitchell, entre outros. Les Paul, o guitarrista e inventor que mudou o curso da música com a guitarra elétrica, ganhou ainda um tributo de Jeff Beck e Imelda May.
O produtor haitiano Wyclef Jean também aproveitou para relembrar da tragédia sofrida pelo seu país para pedir doações para as vítimas do terremoto.
Brasil no Grammy Claudio Roditi, único músico brasileiro indicado ao Grammy, perdeu o prêmio na categoria de Melhor Álbum Latino de Jazz. O instrumentista concorria com o álbum Brazilliance X 4, disco muito elogiado pela crítica especializada. Ao lado de Roditi disputavam Chembo Corniel (Thing I Wanted To Do), Geoffrey Keezer (Áurea), Miguel Zéno (Esta Plena) e Bebo Valdés and Chucho Valdés, este último que saiu triunfante por seu disco Juntos Para Siempre.
Grammy Uma das cerimônias mais tradicionais da música, o Grammy teve sua primeira edição realizada em 1958. A premiação recebeu este nome em função da estatueta que premia os vencedores, um gramofone dourado. A indicação e escolha dos vencedores, que é feita pela Naras (National Academy of Recording Arts and Sciences), já consagrou nomes como Ray Charles, Aretha Franklin, Bruce Springsteen, Stevie Wonder, Frank Sinatra, Michael Jackson, U2 e Coldplay. Os três maiores vencedores do Grammy são Georg Solti, Quincy Jones e Alison Krauss, que receberam, respectivamente, 31, 27 e 26 estatuetas.

Confira os principais vencedores do 52º Grammy

Álbum do Ano - "Fearless" - Taylor Swift
Música do Ano - "Single Ladies (Put A Ring On It)" - Beyoncé
Gravação do Ano - "Use Somebody" - Kings Of Leon
Revelação - Zac Brown Band

CATEGORIA POP

Melhor Cantora (performances solos) - Beyoncé - "Halo"
Melhor Cantor (performances solos) - Jason Mraz - "Make It Mine"
Melhor Performance em dueto ou grupo - The Black Eyed Peas - "I Gotta Feeling"
Melhor Colaboração Pop com vocais - Jason Mraz e Colbie Caillat - "Lucky"
Melhor Performance Pop Instrumental Béla Felck - "Throw Down Your Heart"
Melhor Álbum Pop Instrumental - "Potato Hole" - Booker T. Jones
Melhor Álbum Pop Vocal - "The E.N.D." - The Black Eyed Peasnhouse" - Pink

CATEGORIA ROCK

Melhor Performance Solo - Bruce Springsteen - "Working On A Dream"
Melhor Performance em dueto ou grupo - Kings of Leon - "Use Somebody"
Melhor Hard Rock Performance - AC/DC - "War Machine"
Melhor Performance Metal - Judas Priest - "Dissident Aggressor"
Melhor Música Rock - "Use Somebody" - Kings Of Leon
Melhor Álbum Rock -"21st Century Breakdown" - Green Day

Win Butler no fogo das arcadas

Win Butler, o homem forte dos Arcade Fire, foi desafiado pela Rolling Stone a fazer uma revisão sobre a última década da banda.Na entrevista Butler reflecte sobre a recusa do grupo em assinar contrato com uma editora grande, mesmo depois de conquistar a fama global. «O que fazemos agora não é muito diferente do que fazíamos quando nos juntámos para tocar em Montreal, por isso quero que a banda continue o mais fiel possível a esse período. Escrever e fazer música segundo as nossas próprias leis», comenta Butler.
Win Butler confessa que encara a popularidade dos Arcade Fire alcançada com o primeiro longa-duração, "Funeral", com a mesma surpresa com que o grupo percebeu que havia filas de pessoas à espera para entrar no primeiro concerto em nome próprio da banda na Sala Rosa, uma das míticas salas de concertos de Montreal. «Tudo o que tem nos tem acontecido tem sido uma espécie de extensão do choque dessa noite», diz Butler. Na altura, o que estava na moda em Montreal era fazer shoegaze e pensámos que a atitude mais punk seria fazer pop. Sentíamos então que cada vez que tocávamos, tínhamos que provar qualquer coisa. Dar tudo em palco. (...) Li que o Krist Novoselic [baixista dos Nirvana], no funeral do Kurt Cobain, comentou que 'a grande lição que o Kurt deu ao mundo, foi a de que se fazes música ou arte, e se o mostras com tudo o que tens, isso é realmente tudo o que precisas de fazer'. Tudo isto tem imenso efeito em mim. Resume o que é a minha atitude em relação à música», acrescenta o mentor dos Arcade Fire.
Curiosamente, Win Butler, que cresceu num ambiente propício à composição musical devido ao facto do avô ser músico profissional, confessa que assistiu a poucos concertos na adolescência, embora cite Radiohead e Björk como os artistas mais influentes quando era mais novo. Quanto ao caminho percorrido pelos Arcade Fire logo a seguir à edição de "Funeral", confessa que de vez em quando parava para se perguntar como «é que tudo aquilo lhes estava a acontecer», sobretudo quando conheceu David Byrne e David Bowie, ambos na mesma semana. «Foram das primeiras pessoas que assistiram aos nossos concertos em Nova Iorque. E depois vieram falar connosco. Foi espectacular. Foi tal e qual como conhecer dois grandes professores», comenta Butler.
Quanto ao futuro, o líder dos Arcade Fire afasta a possibilidade de fazer edições a solo, reafirmando a sua paixão pela banda. De momento, o grupo está a preparar o terceiro longa-duração e sucessor de "Neon Bible", um disco onde não deverão faltar os temas controversos, já que o grupo é um fiel defensor da música como meio para a mudança social: «acho que a maior parte dos artistas balança entre pensamentos introspectivos e exteriores. Temos os Clash como hérois. E antes deles Bruce Springsteen e Bob Dylan. As pessoas que mais admiro e que mais me desafiaram criativamente fazem este tipo de arte... O George Orwell por exemplo - autor de livros como "1984" e "O Triunfo dos Porcos" - é um dos meus heróis particulares. E todas as suas criações eram políticas. Ele próprio diz que toda a arte é política, não há como fugir».

fonte: http://barcoancorado.blogspot.com/