The best drummers of our time - Bryan Devendorf ( The National) Part II

Whereabouts in the world are you?

"We're in London, staying at this nice hotel. It's actually the opposite of the life-on-the-road grind at the moment: my wife is here, my sister-in-law is here, my parents are here. It's great."

Does it feel a bit like you've reached a new level, in terms of your clout?

"Personally, I find it too funny whenever people in the business talking of that mythical 'next level' to really contemplate it. No matter what level you're at, there's always a next level to go to. But, yeah, the venues are obviously larger, and we're aware there's definitely more exposure, more written than ever before about us."

Was that something that was in your mind when making High Violet?

"It certainly entered our minds, but we definitely didn't make a radio record. We had conversations about the fact that more was going to be written about this, more expected of this, than any of our other records. But it didn't really effect or change the process of recording at all. But, as we were mixing, our friend [and producer/engineer] Peter Katis was definitely needling us about it, saying: 'you know this record is going to be way bigger than Boxer.' We could only shrug: 'well, yeah, we know.' It just is what it is. And I guess it's a good thing."

Aaron [Dessner] from your rockband described the process to me as really slow and kind of painful. Is that how it is for you?

"I guess each of us has our own perceptions of it, but admittedly there is a certain amount of pain to it. Just by way of being a collective endeavour there are conflicts; there are things that you champion, that you grow attached to, that end up coming out the other side of the democratic process in the trash. Which only leads me to another Peter Katis observation: making art is supposed to be painful, it's supposed to be hard. Well, it's moreso a mixture of pain and pleasure; you work so hard on something for so long that you really live through so many feelings. Then you go spend a year on the road."

Was this an even more drawn-out process than before? Or just business-as-usual?

"That's always been the way we work. It's the result of being in a band that has no principle songwriter. And, even then, neither the twins nor Matt, the people responsible for creating the basis of the music, none of them can simply toss off a song when they're on their own, either. We're the opposite of The Kinks writing and recording 'Waterloo Sunset' in two-and-a-half hours. For us it takes days, weeks, months."

But, why does it do so? Why is that how you are, and who you are?

"I don't know. Maybe it has something to do with Matt's approach to lyric writing. It's quite literary. Here's quite literally always revising. He'll come up with the germ of an idea, then he'll revise it, and revise it, and revise it."

So do you start out with a total blank slate? And that adds to the length of the process?

"Oh, no. We actually have these very specific ideas in mind about production, these ways we were going to work, and this notion that we were going to do things quickly. But, then you just end up falling back into old patterns. Matt loaded us up with lots of abstract directions: he wanted the sonic qualities to be dark, tar-like, devoid of light. Lots of hard-to-follow art direction. He was also adamant that there be no fingerpicking, which is kind of a defining sound on Alligator and Boxer. For me, he wanted to get drum sounds that were more 'modern' or 'refined.'"

What does that actually mean?

"Sounds that were very elegantly-composed and clean, I think. Actually, I have no idea. I don’t know what he meant."

Are you still disproportionately larger in France than elsewhere?

"I don't know. I don't think so. That was definitely the case seven or eight years ago; that was where our first good press and audiences were."

Have those years in which you were rankly unpopular in your homeland made your success more surreal?

"Strangely, for us it's made sense. Not that we think we deserve to be some big success, but just that those years of unpopularity, as you put it, were, for us, a good thing. We weren't a good live-band, and, before Alligator, our records were really uneven. I think [2004's] Cherry Tree EP was the first thing we did that really seemed like it worked. We've always just tried to do what we do; to just put our heads down and be a 'working' band."

Do bands like The National —who slog away, touring hard, minus any hype, and slowly attract an audience— no longer exist in this blogospheric era?

"Obviously, it's now so much easier for bands to break. But, the flipside is that there's so many more bands now, and every single one of them is all over the internet, and it's so hard to be heard above that din. I guess things're... what's the wheat/chaff metaphor? I think these days these way more wheat and way more chaff. I guess it's a great equaliser. Even if a band has been not that good before, if they put out something good, someone somewhere is definitely going to notice. At the same time, the internet will also take you down. No matter how good anything you may've done before was, if you put out something that people don't like, it'll get taken down. You'll get a 4.0 on Pitchfork, and that'll be all she wrote."

The best drummers of our time - Matt Barrick ( The Walkmen) Part I

Walking To His Own Beat

All drummers should add seeing The Walkmen’s Matt Barrick playing “The Rat” live to their “bucket lists." Barrack’s effort on the tune (from the Philadelphia– and New York–based indie quintet’s 2004 album, Bows & Arrows) is a jaw-dropping exercise in precision and velocity. Whizzing by at around 200 bpm on especially spirited nights, Barrack propels the song with the hopped-up clatter of 16th notes on the hi-hat (which seem like 64th notes) and a manic succession of Keith Moon–styled fills.

Simply put, it’s an awesome experience.

As striking a centerpiece as “The Rat” has become during The Walkmen’s live shows–and as great a showcase as it is for Barrick–he says the band has probably outgrown such frantic tendencies. “There’s certainly nothing as fast as ‘The Rat,’” the drummer says about the material the band is working on for their next album. “I would be surprised if the band were to come out with something in that vein right now. That’s the kind of thing we were doing when we were younger and more energetic.” [laughs]

“The Rat” is a thrill ride, to be sure. But it only offers a partial glimpse into Barrick’s m.o. behind the kit, one that usually eschews pro forma timekeeping. His approach, like his setup–a four-piece WFL kit with one crash-ride and a hi-hat featuring two old tambourines fastened above the clutch–is sparse yet unique. A “beat” sometimes consists of nothing more than Barrick thumping out a Morse Code-like rhythm on the floor tom, interrupted by the odd accent on the rack tom or cymbal crash.

Even Barrick’s straight beats usually feature a twist. An extended, drum-less pause mid-song adds tension to “The Rat,” while a new track called “The Blue Route” finds the drummer alternating between a steady groove and peculiarly placed punctuations on the floor tom and hi-hat.

“We’re split between Philly and New York,” Barrick shares, “so [keyboardist-bassist] Walt Martin is the de facto drummer up there, and he comes up with some off-the-wall ideas that sometimes creep into my parts. He’ll come up with drum parts when the songs are in their infancy. And we’ll build and find our way to the dynamics from there–sometimes it takes an afternoon, sometimes a few weeks.

The Walkmen ~ Lisbon

Quase ignorados anos a fio, só em 2008, com a edição do seu quarto álbum, a que deram o título You & Me, os The Walkmen viram a atenção de uma multidão a bater-lhes à porta. Uma multidão que neles reconhecia, um pouco como acontecera aos The National (que também só mereceram aclamação generalizada com Boxer), importantes herdeiros de um cânone central à identidade indie rock (que remonta aos Velvet Underground como genética primordial no campo da revolução das formas e às importantes contribuições dos Joy Division como novos horizontes de um certo desencanto urbano). Dois anos depois, e com um álbum que mostra na capa o nome de Lisboa (cidade que desde You & Me os acolhe com entusiasmo), os The Walkmen mantém seguro o seu caminho, a eventual tensão que os alimentava noutros tempos tendo entretanto cedido lugar à assimilação de uma melancolia que agora se expressa na forma de canções. Melancolia é talvez a palavra chave ao encontrar as canções que constituem o alinhamento de Lisbon. Musicalmente não há necessariamente “Lisboa” (pelo menos nas suas marcas de identdade para guia turístico) por estas canções, a melancolia que domina o alinhamento sendo expressa através não apenas das palavras que se cantam, mas também por canções onde as guitarras e voz desenham baladas de vistas largas, a reverberação da electricidade dialogando com trompetes (e outros metais) e cordas. Não é daqueles discos que mudam uma vida ou fazem os acontecimentos maiores do seu tempo. Lisbon é mais um competente álbum por uma banda que parece definitivamente ter encontrado o seu caminho e, num ano em que as melhores ideias indie têm morado longe da música feita com guitarras, um bálsmo para os seguidores do género.

WENDY AND LUCY

WENDY AND LUCY

um filme de Kelly Reichardt

com

MICHELLE WILLIAMS

WILL OLDHAM

Wendy Carroll (Michelle Williams) viaja de carro em direcção à cidade de Ketchikan, no Alasca, em busca de trabalho e de um novo início de vida. Com ela leva a sua cadela Lucy, a sua única amiga e o seu único apoio emocional.

Porém, a meio da viagem, o destino parece conspirar contra si: o seu velho Accord avaria-se sem que ela tenha dinheiro para resolver a situação e, pior, perde Lucy.

Sem saber o que fazer, Wendy vai ser obrigada a sobreviver à custa de pequenos gestos de bondade, ao mesmo tempo que envereda numa busca incessante por Lucy. E, neste percurso, vai-se transformando numa outra pessoa.

Um drama, realizado por Kelly Reichardt, sobre o dever da amizade e da generosidade de cada ser humano para com todos os outros.

«Um triunfo certeiro no tom e no estilo» Manolha Dargis, New York Times

«Aquela que pode emergir como a melhor actuação do ano» Amy Taubin, Film Comment

«Soberbo.» Scott Foundas, Variety

4 estrelas - Público | Jorge Mourinha

Behind Dexter

Daniel Licht and his music for Dexter.

Restless de Gus Van Sant

Uma adolescente atingida por uma doença terminal e um rapaz que gosta de frequentar funerais — ela é Mia Wasikowska (a Alice de Tim Burton), ele Henry Hopper. E há ainda o fantasma de um piloto japonês da Segunda Guerra Mundial... Estão todos emRestless, o novíssimo filme de Gus Van Sant, a estrear em Janeiro nos EUA — o cartaz pergunta "para quem vivemos?"; o trailer faz esperar ansiosamente os resultados.

Neil Hannon Plays Somerset

Picture this scene: a dimly-lit bar with a wide variety of liquor lined up alongside its oak walls, the multitude of bottles casting a refraction on the dozen or so guests in the room. A grand piano sits on a small, elevated stage, several feet from your comfortable red silk-laden table. Those around you are subdued but attentive, their eyes peeled on the stage. Given the choice, which living artist would you like to see sit on that piano stool and begin to play tracks from their entire catalog? Paul McCartney is a pretty obvious choice, as are Neil Young and Bruce Springsteen. Such artists are skilled enough improvisers and pianists to replicate their intricate, emotionally expansive works into a bare-bones rendition on piano. But no emotion or vigor would be lost, as musicians of their caliber are increasingly rare. They have all participated collaboratively in reputable bands, yet have shown their presence as solo artists just as powerfully. Beside the fact that shows flaunting any of these individuals’ mere name are routinely sold out, their music has the rare effect of playing as resoundingly in an arena as it would in a cabaret lounge with an audience of one dozen.

Artists like these are somewhat non-existent these days. There are exceptions, even in popular music with individual personas like John Legend and John Mayer, but they are usually short-lived and have limited artistic capacity beyond their featured skill sets. Their tendencies to remain constrained to what has previously brought them success limits their growth, and eventually fans (apart from the lunatic die-hards) get tired of their shtick. With that in mind, it is hard to think of an up-and-coming artist that will have the same relevancy as a McCartney or Springsteen thirty years from now. There is simply too much commercialization, and I am simply repeating sentiments that have been written countless times before. The Divine Comedy, AKA Neil Hannon, has been executing the rare modernity of one-man acoustical performances for over twenty years, with not an ounce of publicized nonsense. This intimacy is not superficially found within his albums, which bustle with flourish orchestral arrangements, but those familiar with them find a singular personality in Hannon’s songwriting.

Hannon’s theatrical narratives, witty analogies, and nonchalant humor represents a prototypical ‘90s British singer/songwriter, like contemporaries Jarvis Cocker and Morrissey. Despite prevailing with this common archetype, Hannon does not contain an ounce of manufactured savvy. It is all him. The multi-instrumentalist practiced furiously in his parents’ attic throughout his youth, refining his gifted songwriting as he furthered his instrumental dexterity. His style has not been altered significantly since his 1990 debut, Fanfare for the Comic Muse, even if the thematic prevalence of releases like the self-explanatory A Short Album About Love added some topical spice. No need to change what is working, especially when there is no pressure to do so. He could have attempted different stylistic fixtures until he hit the commercial jackpot, but Hannon is satisfied with his fanbase and material for a damn good reason. His new live release, Live at Somerset House, shows that clearly.

Hannon’s catalog is consistently remarkable, his composure and personality – like Jarvis Cocker – is bursting with genuine attachment and wit, and his skills on the piano have always been notable. So easily, if I were to pick an artist from the past thirty years to sit on that intimate stage with a piano, Hannon would be at the top of the list. The closest this desire could come to being a reality is Live at Somerset House, which is a high-quality recording of his performance this past July 17th. Included are many fan favorites – like “If”, “Becoming More Like Alfie”, “A Lady of a Certain Age”, and “Tonight We Fly” – along with more obscure efforts. One of the highlights from the latter is “Your Daddy’s Car”, which appeared on their best-of compilation, A Secret History…

The live version here is even better than the somewhat stale studio version. What begins as a typical romantic fare, with two lovers taking her daddy’s car out for a ride, turns into morbid despair. When too much champagne and the pouring rain makes them wrap the car ‘round a tree, the sprightly workings of the piano halt their continuous bristle and give way to a succession of whole notes. The busier progression resumes resumes after Hannon reveals the lovers’ demise, but now his vocals take a more ferocious turn that concludes the song as a somber triumph.

The next song, “The Pop Singer’s Fear of the Pollen Count”, aligns with Hannon’s interest point of that specific night: hay fever (AKA, allergies). This lighthearted effort is certainly more uplifting for a participating audience, who sing along with Hannon at the end of each verse in the chorus. “How can you talk that way, on such a lovely day?” he sings, “when sunshine comes your way, it’s time to make some hay.” The participation from the audience is delightfully intertwined in songs like these, never too distracting and actually melodically complementary. The quality of the recording, which was distributed to the lucky concert-goers directly after the show, is exceptional in this case.

It is easy to access the personable demeanor of the performance and atmosphere, even if you are sitting listening at home. Of course, for those who have never heard The Divine Comedy (which is alarming to me in itself), I would recommend a studio album first like Casanova, A Short Album About Love, or Absent Friends. But for current fans, Live at Somerset House is an irresistible treat. Renditions of “Our Mutual Friend”, “Assume the Perpendicular”, and “National Express” are particularly stirring, with some oddities that even the most die-hard of fans may have forgotten about. I envy all those that were in attendance, but am grateful the rest of us got to experience this in some fashion.

For more Hannon material (both live and in studio), check out my previous post on his covers of classic artists (from Bowie and Roxy Music to Jacques Brel and Randy Newman).

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'The Town' por José Pedro Lopes

Ben Affleck é um nome de Hollywood com uma carreira no mínimo inconstante. Apareceu nos anos 90 como actor secundário e argumentista do oscarzidado "Good Will Hunting" de Gus Van Sant. Mas o que começara como uma jovem promessa do cinema indie anos mais tarde era o mediático marido da cantora Jennifer Lopez e protagonista de filmes tão absurdos e mal escolhidos como "Daredevil". Alvo de chacota nos anos 00, ele surpreendeu ao apresentar em 2007 a sua estreia na realização, "Gone Baby Gone": a crítica aplaudiu o filme e mais, notou que o forte era mesmo a realização de Ben.

Agora chega-nos "The Town", um filme que combina os três eixos fortes de Affleck. Ele volta a interpretar um simpático e pobre habitante dos subúrbios ,volta a escrever o guião (como em "Good Will Hunting") e continua a sua aventura na realização que tantos elogios lhe trouxe em "Gone Baby Gone". O resulto é mais que satisfatório: "The Town" pode nunca dar o salto para ser uma referência do drama de crime, mas é um filme feito não só com grande profissionalismo, mas com muito gosto.

Existem mais de 300 assaltos a bancos por ano, em Boston. E um bairro chamado Charlestown tem produzido mais assaltantes do que qualquer outro sítio nos EUA. Doug MacRay (Ben Affleck) e o seu melhor amigo Jem (Jeremy Renner) lideram um destes gangues que, no seu trabalho mais recente, fez uma refém durante algumas horas. Quando eles descobrem que a refém, de nome Claire, vive no seu bairro, eles decidem seguí-la de perto para saber o que ela sabe ou não. Mas Doug acaba por se apaixonar por ela...

Ben Affleck e Jeremy Renner dominam as atenções nas suas cenas juntos, bem escritas e muito bem actuadas. Affleck não é aqui um realizador de excessos (já não o era em "Gone Baby Gone"), mas dirige o filme com suavidade e com diversos pormenores de charme. "The Town" consegue manter-nos entretidos e envolvidos no drama das personagens, e oferece um bom par de momentos dramáticos que nunca puxam pela lágrima fácil. De notar a suave realização de um momento tão climático e intenso como o confronto entre Renner e Jon Hamm na recta final do filme.

No entanto, falta ao filme alguma audácia. Isto nota-se na personagem de Hamm (o Donald Drapper de "Mad Men") que fica muito aquém do potencial do actor. "The Town" tem um contexto promissor mas nunca é político como o clássico do crime "Chinatown". E constrói personagens, mas nunca é poético como "Heat" de Michael Mann ou dramaticamente denso como "Godfellas" de Martin Scorcese. Nem tem o arrojo de filmes indie como "Lock Stock and Two Smocking Barrells".

É, no final de contas, um filme competente e satisfatório... mas não tem a magia de um clássico. Uma pena, pois o Ben estava quase lá.

O melhor: Ben Affleck e Jeremy Renner fazem uma dupla divertida e cativante.

O pior: A recta final do filme não dá o salto para algo mais intenso.

A base: "The Town" é bem actuado e realizado, mas não nunca nos surpreende com a audácia de um clássico. Affleck é um grande realizador, mas ainda está a aquecer. 8/10

Edward Norton e Robert De Niro em Stone

Um pirómano aprisionado (Edward Norton) tenta manipular a sua saída da prisão através da mulher (Milla Jovovich), que seduz o responsável pela sua liberdade condicional (Robert De Niro) e começa a efectuar perigosos jogos psicológicos com ele.

Edward Norton e Robert De Niro, por muitos considerados os melhores actores da respectiva geração, já tinham contracenado em «The Score - Sem Saída» (em que surgia ainda Marlon Brando) mas não têm merecido os elogios da crítica que conquistaram outrora. Em «Stone», ambos parecem querer voltar à sua melhor forma, num filme realizado por John Curran, que deu nas vistas em «Desencontros»e trabalhou a seguir com Norton em «O Véu Pintado».

AQUÁRIO de Andrea Arnold

CANNES 2009 -- Prémio do Júri

BAFTA 2010 -- Melhor Filme Britânico

PRÉMIOS DE CINEMA INDEPENDENTE BRITÂNICO 2009 -- Melhor Realizador, Actriz Revelação (Katie Jarvis)

FANTASPORTO 2010 -- Melhor Filme, Melhor Argumento

Mia (Katie Jarvis) é uma adolescente rebelde de 15 anos, desadequada e pouco popular, cujo único interesse na vida se resume à dança hip-hop. Um dia, a sua mãe (Kierston Wareing) apresenta-lhe Connor (Michael Fassbender), o namorado mais jovem com quem decidiu partilhar casa e recomeçar a sua vida. Mas à medida que o tempo vai passando, a relação entre Mia e Conner torna-se mais íntima e entre eles nascerá algo que mudará, para sempre, a vida desta família.

O filme, protagonizado por uma promissora estreante, Katie Jarvis, e pelo magnífico Michael Fassbender (que vimos em «Fome» e «Inglourious Basterds»), realizado por Andrea Arnold («Sinal de Alerta» e «Wasp», vencedora do Óscar para Melhor Curta-Metragem), foi vencedor de vários prémios internacionais. Já em território nacional, estreou no Fantasporto, onde causou enorme sensação junto da crítica e do público.

«

Mia, criação assombrosa da estreante Katie Jarvis (...)

(...) a realizadora é perita em deixar as coisas fluidas, incertas, a pairar. Arnold não explica tintim por tintim, prefere transferir as coisas para o sensorial, para o visceral - não é por acaso que a dança é o escape de Mia e que acaba por levar à reconciliação familiar. Nem é por acaso que a cineasta filme à flor da pele, sempre colada a uma personagem que está ainda a encontrar o seu caminho, sem a julgar nem a guiar.

É essa sensação de vida que transparece de "Aquário" que ganha o filme de Andrea Arnold - a maior parte do realismo social britânico tem tendência a ceder a uma série de regras mais ou menos rígidas que a realizadora ejecta sem problemas. E, ao deixar entrar o ar (e é curioso ver como as portas do prédio estão sempre abertas...), Arnold propõe uma saída possível, não só para Mia, mas para esse realismo social. E uma belíssima saída.

»

Jorge Mourinha, Público

«(...) ela, Kate Harvis, é a primeira candidata óbvia ao prémio de melhor interpretação feminina; ele é o magnífico Michael Fassbender que vimos em «Fome», de Steve McQueen, o Câmara de Ouro de 2008.»

João Lopes, Diário de Notícias

Transformer :1972

Após abandonar a sua banda de sempre, os Velvet Underground, Lou Reed estava numa situação desconfortável que o arrastava para um abismo criativo e pessoal.

O seu primeiro álbum a solo, composto por canções rejeitadas pela sua antiga banda foi um fracasso comercial. Ainda para mais, o disco contava com a colaboração despropositada de Steve Howe e Rick Wakeman dos Yes. O "Prog" nunca seria a praia de "Mr. New York City". O "Glam" tavez...

Chegou então a ajuda do próprio "Deus do Glam-Rock", David Bowie, que no auge da "era Ziggy" se propôs produzir o segundo disco a solo (a gravar em Londres) de um artista esgotado e torturado, mas que ainda assim era uma das principais referências musicais do "Sr. Camaleão".

Bowie trouxe com ele o seu (genial) guitarrista Mick Ronson que teve um papel primordial na instrumentalização e nos arranjos das canções. Esta química não poderia falhar, sobretudo porque desta vez Reed trouxe maioritariamente canções novas (e não meras sobras do tempo dos Velvet, excepção apenas para "Satellitte of Love"). Temas que transpiravam à Nova Iorque de Lou: a decadência, a boémia, as ruas perigosas, as drogas, as prostitutas, os travestis, etc. Toda uma série de personagens que bem poderiam ter sido fabricadas num filme de Warhol.

O autor de "Heroine" fez questão de prestar aqui as devidas honras ao seu "guru" com dois temas "Andy´s Chest" e uma das melhores canções de rock de sempre: "Vicious"! Conta a lenda que foi o próprio Wharhol que inspirou Reed na frase "vicious, like I hit you with a flower".

Outro momento de particular inspiração acontece na balada "Perfect Day". Canção escrita para a sua ex-mulher Betty, mas que também serve de exorcismo da má fase passada na companhia da heroína. O piano que serve de base e que foi providenciado por Ronson é simplesmente: comovente e mágico.

Mais controverso foi o quase jazzístico, "Walk on the Wild Side", que quando foi lançado como single foi banido por uma série de estações de rádio. Para furar o bloqueio de uma canção tão imediata houve quem nos Estados Unidos chegasse a passar versões de 30 segundos contendo as partes do "to toro toro toro". Porém estas canções traziam consigo um "pedaço de realidade" do qual era impossível escapar. Escute-se também "New York Telephone Conversation", "Goodnight Ladies" ou "Hanging Around" para termos o quadro completo.

Mas é talvez "Satellite of Love", a canção mais magistral do disco. Com Bowie nos coros, esta é talvez a canção mais pop que Lou Reed escreveu, mas também das mais eficazes que o elevaria a uma outra categoria ou patamar de sucesso.

"Transformer" é um clássico não só por conter algumas das mais inspiradas canções de Reed. Como funcionou também como "o veículo" perfeito para o renascer de um dos melhores trovadores de sempre.

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Quando os Simpsons conhecem Banksy

Misterioso artista britânico fez uma versão polémica do genérico de abertura da série de animação norte-americana.

Banksy, artista e criador de graffiti britânico, está a dar que falar com a sua mais recente criação: o misterioso artista, cuja identidade permanece no segredo dos deuses, deu o seu cunho pessoal ao genérico de abertura da série de animação norte-americana Os Simpsons .

Conhecido pela sua veia crítica, Banksy resolveu manifestar a sua revolta contra os métodos de trabalho do grupo televisivo FOX, mostrando imagens animadas de trabalhadores asiáticos que trabalham duro no merchandising da família Simpson.

Esta foi a primeira vez que os criadores da série deixaram alguém que não pertence à equipa desenhar uma sequência completa. O produtor executivo d' Os Simpsons já reagiu, em declarações ao jornal The Independent: "Estaria a mentir se dissesse que não pensei no assunto durante um tempo. Ainda não fui despedido, o que é um bom sinal", disse Al Jean.

Veja o vídeo da polémica:

Banksy does the Simpsons from Transfer.TV on Vimeo.

Lennon, o rockeiro

Esta é uma imagem que congrega algumas memórias preciosas e também delicados simbolismos.

Em primeiro lugar, porque serve de capa a Rock'n'Roll, álbum de John Lennon lançado há 35 anos (em Abril de 1975) e que encerra um período agitado da sua vida, envolvendo atribuladas gravações com Phil Spector, a separação/reconciliação com Yoko Ono e, enfim, o nascimento do seu filho Sean — Lennon só lançaria mais um disco, Double Fantasy, poucas semanas antes de ser assassinado (a 8 de Dezembro de 1980).

Depois, porque deparamos aqui com uma espantosa revisitação de canções de finais dos anos 50, começo dos 60, essenciais na formação e sensibilidade musical de todos os Beatles — o álbum abre com Be-Bop-A-Lula, clássico de Gene Vincent, e inclui, entre outros temas, Stand By Me (Ben E. King), You Can't Catch Me (Chuck Berry) ePeggy Sue (Buddy Holly).

Finalmente, a fotografia da capa, com Lennon agora encimado por um "Rock'n'Roll" em néon vermelho, remete para um passado original, sendo assinada por Jürgen Vollmer, fotógrafo que conviveu com os Beatles no seu período de Hamburgo — as três figuras em movimento são Stu Sutcliffe (o lendário "quinto Beatle", baixista da formação inicial da banda), Paul McCartney e George Harrison.

>>> Site oficial de John Lennon.

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MEU FILHO, OLHA O QUE FIZESTE!

Um filme de Werner Herzog

produzido por David Lynch

com

MICHAEL SHANNON

WILLEM DAFOE

CHLÖE SEVIGNY

GRACE ZABRISKIE

Após uma longa viagem ao Peru, Brad McCullum (Michael Shannon) sente uma espécie de chamamento divino que altera a sua forma de ver o mundo. Um ano após o regresso a casa, inspirado pela peça de Sófocles que andara a ensaiar com o seu grupo de teatro amador, mata a sua própria mãe com uma espada e barrica-se com dois reféns. Caberá ao detective Hank Havenhurst (Willem Dafoe), através de entrevistas à sua noiva (Chloë Sevigny), aos vizinhos e conhecidos, recriar o percurso lento e esquizofrénico deste homem e contextualizar o seu acto inesperado.

Um filme com o toque de David Lynch (produtor-executivo), a partir do drama real de Mark Yavorsky que, em 1979, matou a mãe, inspirando-se numa tragédia grega. Werner Herzog ("Grizzly Man", "Encounters at the End of the World", "Polícia Sem Lei") assina argumento e realização.

«[O filme] subverte todas as convenções (…), proporcionando-nos o deleite de ver Herzog cozinhar a fórmula policial do refém no misturador da sua imaginação.» Roger Ebert, Chicago Sun-Times

Na data em que faria 70 anos

No dia em que se assinala aquele que seria o 70º aniversário de John Lennon são muitos os motivos para, pelo mundo fora, fazer do músico a notícia. Yoko Ono inaugura uma torre pela paz na Islândia. Liverpool evoca-o também com um monumento, apresentando ainda concertos e várias outras iniciativas em honra de um dos mais destacados filhos da cidade. Nova Iorque lembra-o em noite de festa na City Winery. Por todo o mundo correm entretanto já as várias reedições remasterizadas da sua obra a solo assim como as novas antologias. Para evocar hoje a figura de John Lennon aqui fica o vídeo promocional que acompanhou #9 Dream, canção do álbum Walls and Bridges (de 1974).

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Deerhunter ~ Halycon Digest

2010 tem contado, quase pelos dedos, o número de discos verdadeiramente marcantes nascidos em terrenos indie rock. Mas tem agora em Halycon Diegest, o novo álbum dos Deerhunter, um argumento para contrariar a dieta de um ano que, discograficamente, tem de facto apontado os melhores momentos junto de outros caminhos… Dois anos depois de Microcastle é não apenas o mais “arrumado” dos álbuns do grupo como aquele que mostra uma mais apurada ideia de trabalho com a forma da canção (é, sublinhe-se, a sua melhor galeria de composições de sempre). O disco mostra contudo que Bradford Cox não é a única força criativa a ter em conta nos Deerhunter, cabendo ao guitarrista Lockett Pundt a partilha de atenções, do diálogo que assim se estabelece entre duas visões nascendo um disco que nos coloca perante um estimulante horizonte de possibilidades. Há uma ideia de assimilação de memórias na raiz da alma do disco, as recordações das pilhas de flyers que se amontoavam a anunciar concertos represenando um mote para a soma de experiências, dúvidas e sonhos que agora ganham forma em novas canções (uma vez mais a memória como motor de construção e não de nostalgia de cabeça apontada ao que já passou). Das genéticas new wave de um Desire Lives às filigranas de micro-electrónica deHelicopter, caminhando por frequentes incursões por heranças do psicadelismo,Halycon Digest é um disco menos assombrado e, de entre a discografia dos Deerhunter, o seu momento mais tranquilo. A produção não contraria em nada a personalidade de uma identidade criativa que, na verdade, se mostra aqui apenas mais clara e comunicativa. As canções exalam um sentido de familiaridade, ao mesmo tempo que nos confrontam com uma sede de descoberta. Tal como vimos nos Animal Collective depois de Sung Tongs, desde Microcastle os Deerhunter dão sinais de uma maior focagem nas suas ideias. Se este é, apanhando a boleia da comparação, o seuFeels, ficamos, com entusiasmo, à espera dos episódios seguintes… Um dos grandes discos do ano, sem dúvida!

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Janis Joplin. A primeira estrela rock feminina morreu há 40 anos - vídeos

A 4 de Outubro de 1970 Janis Joplin foi encontrada morta num motel com uma overdose. Depois de Jimi Hendrix, a década de 60 perdia mais um ídolo. A vida, os amores, os excessos e o legado da "tia branca dos blues"

Bastaram cinco anos e quatro álbuns para que Janis Joplin passasse de menina gozada no liceu a estrela rock. A voz rouca e quente fez dela a primeira mulher com estatudo equivalente a Jimi Hendrix ou Jim Morrison. Numa entrevista em 1969, o apresentador Dick Cavett perguntou-lhe: "Por que é que não há mais estrelas rock femininas?" "Não sei. Talvez não seja uma coisa muito feminina entrar na essência da música. Muitas cantoras ficam só pela superfície, em vez de sentirem a música", respondeu Janis. Nesse mesmo ano, a "Newsweek" pôs Janis Joplin na capa com o título "Rebirth of the Blues" (Renascimento dos Blues). Tudo parecia correr-lhe bem, mas um ano depois morreu.

A 3 de Outubro de 1970, a cantora que nasceu em Porth Arthur, Texas, trabalhou até tarde no novo álbum. A seguir, foi beber uns copos com os amigos e quando chegou ao quarto do motel em Hollywood, encheu a seringa com heroína e espetou a agulha no braço esquerdo. Ainda teve tempo para ir ao lobby pedir troco de uma nota para comprar tabaco. Entrou no quarto e caiu. No dia seguinte, foi encontrada morta pelo road manager, John Cooke, que estranhou o atraso para as gravações. Uma overdose acabou com a vida da primeira branca a ser senhora do blues.

Mas deixou legado. "PJ Harvey é uma das cantoras que já confirmou essa influência. Janis foi provavelmente a cantora branca com o coração e a voz mais negra da história do rock. Ela gravou poucos álbuns, mas tem uma força tão grande que deixou marcas. Não é a mãe dos blues, mas pode ser a tia branca", explica o jornalista e crítico de música, António Pires. Pedro Boucherie Mendes, júri do "Ídolos", não aprecia artistas que se autodestroem, mas reconhece a importância de Janis. "Tinha uma voz potente e capacidade de interpretar. Com Janis tinhámos a certeza de que só ela pessoa poderia cantar daquela forma. É uma qualidade rara."

Do Texas à Califórnia Filha de um engenheiro e de professora, Janis Lyn Joplin era a mais velha de três e parecia destinada a uma vida pacata de secretária. Mas cedo se sentiu deslocada. Era gozada na escola por ter uns quilos a mais e pela forma como se vestia - chamavam-lhe "porca" e "freak". "Achavam que era louca. Não gostavam de mim. Era suposto casar-me, ter filhos e ficar de boca calada. Não fiz nada disso", contou aos jornalistas. "Não encaixava naquele sítio. Lia, pintava e não odiava negros."

Em 1962, entrou para Belas Artes, na Universidade do Texas, em Austin. Mas não foi muito bem recebida. Quando lhe deram o prémio de "Homem mais feio no Campus", desistiu e rumou à tolerante California. É lá que conhece os "Big Brother and the Holding Company", que gostaram da voz incomum de Janis e contrataram-na. O sucesso da cantora cresce à medida que os seus vícios aumentam. Por dia gastava cerca de 200 euros em heroína, fora o álcool. Tenta várias desintoxicações, com a ajuda de namorados e namoradas. No ano da sua morte, viaja para o Brasil e apaixona-se por David Niehaus, um professor primário. Por ele, deixa a droga, mas nos Estados Unidos volta a consumir heroína.

A cantora, que chegou a estar noiva quando vivia no Texas, lançou o primeiro álbum a solo em 1969, no mesmo ano em que participa no Festival Woodstock. Defendia que temos de ser verdadeiros e garantia que nunca se deslumbrou com a fama. No auge da carreira, perguntaram-lhe se nunca se cansava dos concertos: "Tocar é a melhor coisa que já me aconteceu." Não o disse na mesma entrevista, mas é uma das citações mais referidas de Janis: "No palco, faço amor com 25 mil pessoas diferentes, depois vou para casa sozinha".

fonte

The Social Network

Realizado por David Fincher ( não é preciso dizer mais nada...)

Com Jesse Eisenberg, Justin Timberlake, Andrew Garfield

Género - Drama

Estreia Mundial - 1 de Outubro de 2010

Sinopse - O filme irá abordar a história da criação da rede social Facebook e também irá contar a história dos seus criadores desde 2004 até à actualidade.O filme “The social network”, baseado na criação da rede social Facebook, só estreia no primeiro dia de outubro nos Estados Unidos, mas já é um dos mais elogiados. Para Peters Trevers, critico de cinema da revista Rolling Stone, o filme merece 4 estrelas: “Este é o primeiro filme que eu vi até agora em 2010 que merece a minha mais alta classificação, com 4 estrelas. É melhor do que o filme do ano. A Rede Social define também a década …”, escreveu. O filme também recebeu a nota máxima de Lou Lumenick , critico do New York Post : “Muito possivelmente, o primeiro grande filme realmente baseado em factos do século 21.” Dentre as avaliações feitas até agora, a nota mais baixa foi dada por Manohla Dargis, critica do New York Times, que atribuiu ao filme nota 9.

A Rede Social.