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Quenn of Denmark

JOHN GRANT, former singer / songwriter with The Czars, finally returns with extraordinary debut solo album made with MIDLAKE…

Everyone has a favorite band or singer they reckon is subject to criminal neglect. That John Grant’s effortlessly rich, expansive baritone, couched in typically heartbreaking, lush melody, hasn’t found a wider audience indeed drives his fans to consider a crime. But no longer. Because Grant’s first solo album, following three undervalued studio albums (and one similar covers compilation) fronting The Czars, is so undeniably great that the world will surely listen.

It’s a record of gravitas and grace, of FM melody magic laced with raw emotional bleeding. It asks why relationships are roulette and love is hell in a last-ditch attempt at self-improvement and atonement after a decade of alcohol and cocaine dependency. It’s not overstating the case to say – as John has himself in a recent issue of MOJO - that he’s contemplated suicide. And yet there is redemption in its exquisite grooves.

And on top, to further the album’s brilliance, Grant’s backing band on the album are Denton, Texas’ mightiest – MIDLAKE - contributing their most empathic ‘70s-style soft-rock know-how. Put simply, Queen Of Denmark is the record Grant’s been waiting his whole life to make.

Not that the Czars didn’t hit their own heights. After emerging from mile-high Denver, Colorado, rave reviews were the norm, especially from the UK. “Long distinguished by John Grant’s superlative baritone… ‘Goodbye’ reeks of wistful, melancholic class… as meticulous and complete-sounding as the best works by Mercury Rev or The Flaming Lips” said Uncut about The Czars’ final album.

After The Czars, he says, “I basically gave up.” On music that is. Instead, Grant moved to New York, studied for his certificate in Russian medical interpreting (he’s a gifted linguist, speaking German and Spanish as well as Russian) while waiting tables - and rarely performing live, though supports to Midlake were among them. And that was how he began to contemplate another record.

“We first heard The Czars on our first trip to London,” recalls Midlake bassist Paul Alexander. “His voice was the first thing I noticed - John has such this incredible baritone. But we didn’t go crazy over him until we saw him live, and we then got him to support us on the Van Occupanther tour in the US. At the end, we said he had to come to Denton and make an album.”

These were songs that tapped the residue of growing up gay in a religious household in a suffocating small town near Kalamazoo in Michigan. Of meeting men and losing men, of coping with intimacy by numbing the senses. This non-coping mechanism was in place even by his teens. Already alienated by his circumstances, the Grant family’s shift to Denver, Colorado - all fresh air, mountains and social superiority – when he was 11 doubled the load. But help was at hand. Grant had imbibed his elder brothers and parents’ classic ‘70s records (“Kiss, Nazareth, Led Zep, Floyd, Judas Priest”) and learning classical piano, but Abba’s Greatest Hits (check The Czars’ ultra-forlorn version of ‘Angel Eyes’ on the covers album) was his eureka! moment. “When I first heard ‘SOS’,” he grins, “I just about came unglued for joy.” Supertramp’s Breakfast in America and The Carpenters’ Horizon were also joys, and later came New Wave, from Visage to Skinny Puppy, which kickstarted his massive love for electronica.

Yet it was Patsy Cline’s influence, and John’s own effortlessly controlled delivery, that shaped The Czars. “I was unafraid to love country, even at high school. For years, I did nothing but sing along to her songs.”

But for a new album signaling a new start, Grant needed change, namely a more ‘70s-centric sound – the double-tracked vocals, the chorus effects, the shifting arrangements and instrumentation. “People haven’t been able to stop going on about the ‘70s so I thought I should dabble deeper myself and see why. But really what I’ve done is return to my roots.”

Queen Of Denmark was recorded in Denton in two four-month stints – July-October 2008 and May-July 2009 - in the studio downtime while Midlake were painstakingly recording their own album (The Courage Of Others). Every Midlake member chipped in but Paul Alexander and guitarist Eric Pulido, who co-produced the album with John, are on every track alongside drummer McKenzie Smith. John reserves special mention for Paul’s basslines. “They were outrageous, off the fuckin’ hook. Some evenings, we couldn’t stop smiling and laughing because I was so excited about his work.” The whole Denton experience, he adds, “was really uplifting. It was emotional and painful too but Midlake believed in me and told me, ‘people need to hear you, and we’re going to make it happen.”

With such support, Grant wasn’t going for any half-measures. “For me, there isn’t a word of filler on the album. I’ve made a very clear statement about where I’m at and who I am as a person, and that’s one reason I’m so proud of it, that I was able to articulate it. At least I’m being given a chance to embrace the pain instead of being afraid to move through it.”

Queen Of Denmark moves through simple piano settings (the lovestruck ballad ‘Caramel’ and the intriguing Scott Joplin-meets-Beatles ragtime of ‘Silver Platter’), via an infusion of period-perfect synths (the rockier ‘Sigourney’, a sultry ‘It’s Easier’) that epitomise the lonely mood. There’s flute from Midlake frontman Tim Smith on the dreamiest cut (and there is stiff competition) ‘I Wanna Go To Marz’, and velvet strings (‘Dreams’, which imagines Scott Walker influenced by Patsy Cline, and the darker drama ‘Leopard’). There are allusions to higher beings (‘Outer Space’) and to human weaknesses (‘JC’). There is pure longing regret in the opening ‘TC And Honeybear’ and bitterly sarcastic, amped-up anger in the magnificent title track finale. Pain, hope, fear, regret, anger, self-flagellation and self-discovery - Queen of Denmark has it all.

But what, you might well wonder, has the Queen of Denmark got to do with all this? Check the man’s track-by-track comments for the full breakdown…

‘TC And Honeybear’

“I wrote this for a very special man by the name of Charlie who changed my life. It’s about how the relationship wasn’t possible because of what is going on in both of our lives. It’s my favourite song. It’s beyond sad, but there is nothing sad about what has transpired between us. I met someone beyond special and he changed my life and that’s all there is to it and that cannot be taken away from me.”

‘I Wanna Go To Marz’

“Marz was a sweet shop from my childhood. It’s now empty and for sale. But I got to visit before hand, and the woman who served me as a child was still there. They still made all their own candies and ice cream. After it changed owners, I went back again and was given of the original menus. In the song, I list all the names of the sundaes, and drinks like Green River. The song is about the gateway back to childhood and innocence, when things haven’t become complicated.”

 John Grant - I Wanna Go To Marz by musicmule 

‘Where Dreams Go To Die’

“The object of my affection, like Charlie, is “where dreams go to die” because I’m not actually seeing that person; I’m seeing the fantasy of who I think he is - the hero who’ll save me rather than the flawed human. The song was written on tour years ago with The Czars, which is painful because I see that this feeling is nothing new to me; it’s been happening since my late teens.”

 John Grant - Where Dreams Go To Die by Cosmos Music Group 

‘Sigourney Weaver’

“The kids at school in Colorado got Porsches for their 16th birthday, and I was from this little town in Michigan. I was totally out of my element. They’d call me a faggot - they had no idea they were right, of course, but I was still terrified by it. I felt like Sigourney Weaver battling those aliens, like I was on a different planet. It struck me as a funny way to talk about something horrible, to turn the experience into something else. I love sci-fi, especially movies like The Fly and Aliens where people metamorphosise. I think I gravitate toward them because of the possibility of becoming something completely different.”

‘Chicken Bones’

“In New York, I lived in Crown Heights, Brooklyn, a neighbourhood I grew to love but at first, the junkies and prostitutes horrified me. The day I moved in, a woman across the street shouted, ‘you better lock your doors, white boy!’ There were these chicken bones all over the sidewalk, and trash everywhere. One day, a little girl on the stoop saw my bicycle and said to me, ‘you need a Mongoose, baby!’ meaning this other brand of bike. Another time, one of the elderly prostitutes shouted out, ‘Calgon, take me away!’ which was the slogan for this ‘70s bubble bath. The comment wasn’t lost on me.”

‘Silver Platter Club’

“Ryan was this friend I used to work with in Denver. He belonged to that club of young men that had everything on a silver platter - the looks, athleticism and natural effortless masculinity, everything I desperately wanted when I was growing up so I could fit in. I’d always respond to him with, ‘I’m sorry, I haven’t had everything handed to me on a silver platter’. I always meant it to be absurd, but it was exactly the way I felt. Yet I know it’s not something to strive for and to be jealous of.”

‘It’s Easier’

“This is about Charlie too. I couldn’t believe he loved me and was in love with me because of the boundaries he was setting. Because he wouldn’t just rush into it like I wanted to. I found it easier to simply believe that he was lying to me when he told me he loved me, to deal with whatever I couldn’t understand.”

‘Outer Space’

“This is for my best friend Kristin. We met in 1987, on New Wave night in Denver. She looked like Debbie Harry in her heyday but she’s never ever picked a boyfriend on her ability to get what she wanted based on looks. She’s always interested in people in the realest sense of the word, which is completely foreign to me. It’s like she’s from another planet when it comes to the stuff I deal with in my world.”

 John Grant - Outer Space by Influences_Only 

‘JC Hates Faggots’

This comes from growing up in a strictly religious family. I’ve found people use religion to hate whatever it is they hate personally. The song progresses from benign stuff like the things you hate on a personal level, like food, to postal clerks who waste your time. The “mastermind of lies” is the devil.”

‘Caramel’

“That song is about Charlie, and still holds true, which is why it will be hard for me to sing live. Nothing there is hidden.”

‘Leopard and Lamb’

“This is an old lyric that I match to the right music for years. It’s about my old boyfriend Chris, who had severe acne scarring on his back that looked like leopard spots, which was an aspect of him I liked. I mention The Simpsons because we watched it together constantly, so when things fell apart, it was hard for me to watch the show afterwards.”

‘Queen of Denmark’

“It’s about addiction - I guess the whole album is too. I don’t know why I didn’t write “King” - maybe ‘Queen’ is a gay reference. But I wanted to incorporate Denmark into a song because I’d met a bunch of Danish people and fallen in love with the language. It was me saying the most random thing I could think of: “who knows, maybe you’ll get to be the next Queen of Denmark” because at this point, I have absolutely no idea who I’m going to become when I’ve worked through everything.”

 Queen Of Denmark - John Grant by FollyOfYouth 

This post will be updated with new songs!

Paul White and the purple brain

01. Crazy Science Intro
02. Gentle Freak
03. Pride
04. Fire Soul
05. Ancient Treasure
06. Marshen Signals
07. Bom Bom
08. Come Back

09. Dance Scene
10. Music Trip Interlude
11. Fly With Me
12. Body Spirals Pt. II

13. Alone Again
14. Promises
15. Mushroom Forest
16. My Guitar Whales
17. Organ Therapy
18. Comedy Hour
19. Mind The World

20. Purple Brain Interlude
21. Let It Out
22. Bingo
23. Ride With Me
24. Every Breath
25. Professional Criminals


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Porquê?

Um aparte: O Ghost Writter e Shutter Island foram para mim os filmes do ano!

Entre os filmes que não chegaram às nomeações para os Oscars incluem-se Shutter Island, de Martin Scorsese, e The Next Three Days, magnífico thriller de Paul Haggis, com Russell Crowe e Elizabeth Banks, que irá estrear entre nós, a 27 de Janeiro, com o título (muito infeliz) de 72 Horas. Não há, evidentemente, nenhuma razão "científica" para que um filme esteja (ou não esteja) nas nomeações. Em todo o caso, uma coisa é certa: cada vez mais os prémios que antecipam os Oscars parecem funcionar como um oficiosa pré-selecção... A previsibilidade que assim se instala tende a banalizar os Oscars, questionando, em última instância, o seu apelo popular.

Por curiosidade, vale a pena espreitar a lista oficial dos nomeáveis e citar oito filmes que saíram a zero do processo das nomeações.

* O ESCRITOR FANTASMA, de Roman Polanski

* GREEN ZONE, de Paul Greengrass

* GREENBERG, de Noah Baumbach 

* EU AMO-TE PHILLIP MORRIS, de Glenn Ficarra e John Requa 

* THE NEXT THREE DAYS, de Paul Haggis 

* NOWHERE BOY, de Sam Taylor-Wood 

* SHUTTER ISLAND, de Martin Scorsese 

* TAMARA DREWE, de Stephen Frears

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O 3d não funciona

Roger Ebert, veterano da crítica americana que escreve no Chicago Sun-Times, foi um dos primeiros a chamar a atenção para os problemas e equívocos da nova vaga de filmes a três dimensões. Agora, Ebert apresenta um testemunho laboriosamente fundamentado para sustentar a ideia de que "o 3D não funciona nem nunca funcionará". É um testemunho de peso, já que traz a assinatura de Walter Murch [foto], notável criador nas áreas de montagem e design de som, colaborador frequente de Francis Ford Coppola, vencedor de três Oscars — melhor som para Apocalypse Now (1979), melhor montagem e melhor som para O Paciente Inglês (1996), de Anthony Minghella.

Com grande concisão, e profundo cepticismo, Murch sublinha o facto de o 3D violentar o dispositivo de visão dos seres humanos, contrariando "600 milhões de anos de evolução", para além de simplificar as verdadeiras questões narrativas e dramáticas de "imersão" numa história; isto sem esquecer que se está a obrigar o espectador a pagar bilhetes mais caros para assitir a algo que "não funciona" — está tudo no blog do crítico, escrito em forma de carta de Murch para Ebert.

>>> Site oficial de Roger Ebert.

Beirut

O projecto Beirut, de Zach Condon, é a mais recente confirmação do cartaz do Super Bock Super Rock, no Meco.

Condon e companhia regressam a Portugal no dia 14 de Julho, depois de actuarem no Sudoeste TMN no ano passado.

O mais recente longo de Beirut é o disco "The Flying Club Cup". Em 2009, Condon editou o duplo EP "March of the Zapotec/Holland EP". O autor de 'Sunday Smile' tem prevista a edição de um novo disco em 2011.

Os bilhetes para o Super Bock Super Rock já estão à venda por preços que variam entre os 45 euros (diário) e 80 euros (3 dias + campismo).

O festival volta a invadir a Herdade do Cabeço da Flauta nos dias 14, 15 e 16 de Julho. Strokes (16) e Portishead (15) são os nomes já confirmados para o SBSR 2011, além dos Beirut.

Acerca da banda:

Beirut é o nome da banda de Zach Condon, nativo de Santa Fe, Novo México. O primeiro lançamento oficial com o nome de Beirut contou com a colaboração de Jeremy Barnes(Neutral Milk Hotel, A Hawk and a Hacksaw) e Heather Trost (A Hawk and a Hacksaw); ele combina elementos do Leste Europeu e do folk. Zach Condon tem o trompete e o ukelelecomo seus principais instrumentos, tendo sido impedido de tocar guitarra por conta de um machucado no pulso.

Quando mais novo, Zach Condon já havia lançado alguns álbuns. Ele gravou com o nome The Real People quando tinha 15 anos um albúm de lo-fi chamado The Joys of Losing Wight. Estudou na escola Santa Fe High School até os 16 anos de idade, quando foi viajar pela Europa, continente no qual teve contato com a música balcânica, incluindo Boban MarkovićOrchestra e Goran Bregović.

Em 2006, o Beirut lançou dois álbuns inspirados pelos Balcãs pela Ba Da Bing, Gulag Orkestar e Lon Gisland. Também lançaram outras músicas separadas, três disponíveis noPompeii EP, outra num split-CD junto a Calexico, e outra numa coletânea para a revista The Believer. Enquanto morava no Brooklyn, Zach Condon gravou também um video de "Scenic World" na fábrica da Sweet'N Low, e tocou em vários lugares em Nova Iorque e Europa.

O segundo álbum, The Flying Club Cup, vazou na internet em 25 de Agosto de 2007 e lançado em 9 de outubro de 2007.

A música Elephant Gun foi tema dos protagonistas da microssérie Capitu, exibida pela Rede Globo no ano de 2008. Com essa recente aparição em rede de televisão aberta, a música conquistou notável lugar (2º) como TopMúsica (as mais procuradas) em vários sites brasileiros de letras de músicas.

Melodias fantásticas muito na onda os Fanfarlo que também gosto muito. Banda a conhecer melhor!

 Beirut - Nantes by severinodigiovanni 

 Beirut - A Sunday Smile by Petru Leonte 

REM em colapso

Os R.E.M. preparam-se para lançar em inícios de Março Collapse Into Now, um novo álbum de originais. Aqui fica um cartão de visita, ao som de Überlin, canção que se faz acompanhar por um teledisco gráfico que evoca (como a canção o faz) o metro berlinense.

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Óscares : Nomeações

E chegaram as nomeações para os 83ºs Oscars da Academia de Artes e Ciências Cinematográficas de Hollywood. Como se esperava, O Discurso do Rei surgiu com especial evidência (doze nomeações), confirmando a vitória "anunciada" de Colin Firth na categoria de melhor actor. São os seguintes os dez títulos candidatos a melhor filme de 2010:

* BLACK SWAN / Cisne Negro

* THE FIGHTER / Último Round

* INCEPTION / A Origem

* THE KIDS ARE ALL RIGHT / Os Miúdos Estão Bem

* THE KING'S SPEECH / O Discurso do Rei

* 127 HOURS / 127 Horas

* THE SOCIAL NETWORK / A Rede Social

* TOY STORY 3 / Toy Story 3

* TRUE GRIT / Indomável

* WINTER'S BONE / Despojos de Inverno

As nomeações suscitam, desde já, algumas notas e curiosidades:

— para além de O Discurso do Rei, candidato em doze categorias, os filmes com maior número de nomeações são Indomável (dez), A Origem e A Rede Social (oito cada);

— todos os cinco nomeados para melhor realizador têm os seus filmes candidatos a melhor do ano: Darren Aronofsky (Cisne Negro), David O. Russell (Último Round), Tom Hooper (O Discurso do Rei), David Fincher (A Rede Social), Joel e Ethan Coen (Indomável).

— Jeff Bridges (Indomável) e Colin Firth (O Discurso do Rei) são nomeados em dois anos consecutivos para a categoria de melhor actor (o primeiro ganhou o ano passado, com Crazy Heart); os outros nomeados são Javier Bardem (Biutiful), Jesse Eisenberg (A Rede Social) e James Franco (127 Horas);

— na categoria de melhor actriz, há uma estreante (de 20 anos) nas nomeações: Jennifer Lawrence (Winter's Bone); as outras quatro são repetentes: Annette Bening (Os Miúdos Estão Bem — 4ª nomeação, nunca ganhou), Nicole Kidman (Rabbit Hole— 3ª nomeação, ganhou em 2003 com As Horas), Natalie Portman (Cisne Negro — tinha uma nomeação anterior para actriz secundária) e Michelle Williams (Blue Valentine — também já nomeada para actriz secundária);

— Despojos de Inverno, produção independente de pequena escala, consegue quatro nomeações importantes: para além das já citadas (filme e actriz), surge ainda nas categorias de actro secundário e argumento adaptado;

— tendo em conta as nomeações, nenhum filme está em condições de ganhar o chamado "quinteto mágico" (filme + realizador + actor + actriz + uma das categorias de argumento); o último a consegui-lo foi O Silêncio dos Inocentes (1991);

— o anúncio das nomeações [foto em baixo] foi feito por Mo'Nique, melhor actriz secundário do ano passado, e Tom Sherak, presidente da Academia; a cerimónia dos Oscars está marcada para o Kodak Theater, a 27 de Fevereiro.

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Iron and Wine - Kiss Each Other Clean

Nem todos os caminhos partem sempre do simples rumo ao complexo, a progressão resultando necessariamente numa conquista compensadora. Mas essa parece ser a história de Iron and Wine, na verdade o rosto público da música de Samuel Beam, um cantautor norte-americano com berço na Carolina do Sul e educação concluída na Flórida e que hoje reside em Austin, no Texas. Com discografia que remonta a inícios da década dos zeros, tinha já ensaiado no seu álbum anterior (The Shepard’s Dog, editado em 2007) uma mudança de rumo face às razies mais simples e directas das referências folk em que dera passos anteriores. Contudo, no novo Kiss Each Other Clean, vai longe como poucos poderiam imaginar, a sua música revelando uma erupção de tons, experiências e desafios que a enriquece sem em nada comprometer as verdades da alma de quem a assina e lhe dá voz. A faixa de abertura, Walking far From Home, indicia desde logo essa ideia de partida para lá de uma zona de conforto anterior, o álbum garantindo contudo que apesar do olhar adiante da linha que outrora definira os seus horizontes, as marcas de identidade de Samuel Bean continuam firmes no tutano da sua personalidade. As canções saboreiam flirts vários, do piscar de olho a heranças do psicadelismo a suaves incursões por sensações funk, de tonalidades jazzy a uma ideia de paisagismo textural, enriquecendo pelos arranjos uma escrita que aceita afinal a presença de mais móveis numa sala outrora minimalista. Um pouco como sucedeu a dada altura no percurso de Devendra Banhart, Sam Bean (via Iron & Wine) aceitou o desafio colocado a si mesmo, conquistando um outro patamar de possibilidades que acrescenta pontos de vista à sua escrita, amplificando as suas potencialidades cénicas, alargando, mais que nunca a multidão de caminhos que agora pode tomar.

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 Walking Far From Home-Iron and Wine-Kiss Each other Clean by HSUGreen 

Ondine

um filme de Neil Jordan


com


COLIN FARRELL


ALICJA BACHLEDA


STEPHEN REA

Syracuse (Colin Farrell) é um pescador irlandês a travar uma luta diária contra o alcoolismo e cuja vida é inteiramente dedicada a Annie (Allison Barry), a sua única filha, gravemente doente. Um dia encontra, presa à sua rede de pesca, uma mulher nua e assustada de nome Ondine (Alicja Bachleda). Quando Annie a conhece, entre elas nasce um entendimento profundo e a menina percebe que existe algo de mágico na sua história que a liga às míticas "selkies", as ninfas irlandesas da água com poderes mágicos, cujo amor pelos humanos está destinado à tragédia. Syracuse apaixona-se irremediavelmente por ela, sentindo-se cada vez mais completo e feliz. Mas, assim como toda a magia tem o seu lado negro, algo de tenebroso está para acontecer...

O mais recente filme do aclamado realizador e argumentista irlandês Neil Jordan, autor de "A Companhia dos Lobos", "Entrevista com o Vampiro", "Jogo de Lágrimas", "Breakfast on Pluto" ou "A Estranha em Mim".










«[Ondine] é um caso peculiar, com dinâmicas maravilhosamente cómicas entre Farrell e o pároco da vila (o já habitual, nos filmes de Jordan, Stephen Rea), e imagens pelo ás Christopher Doyle, na direcção de fotografia, que combina um realista embate de um jacto frio e salgado com a sedução de sonhar acordado»


Philip French, The Observer | Guardian


Título original: Ondine


Ano: 2009


Realização: Neil Jordan


Interpretação: Colin Farrell, Alicja Bachleda, Tony Curran, Stephen Rea


Origem: EUA, Irlanda


Duração: 111 min


Classificação: M/12

Slash proíbe série de TV Glee de usar temas dos Guns N' Roses

Ex-guitarrista da banda não gosta mesmo nada da série televisiva: considera-a pior que o filme Grease . Audições para novo vocalista dos Velvet Revolver continuam. 

Slash impediu os produtores da série de televisão Glee de usar música dos Guns N' Roses num dos episódios. Foi o próprio músico quem confirmou à Entertainment Weekly, explicando as suas razões da seguinte forma: "O Glee é pior que o Grease e o Grease já é mau o suficiente", disse, referindo-se ao filme musical de 1978 ( Brilhantina , na versão portuguesa) com John Travolta e Olivia Newton-John.

O ex-guitarrista, antes de falar sobre o possível novo vocalista dos seus Velvet Revolver, acrescentou ainda: "Olho para o Grease hoje e penso: entre o High School Musical e o Glee , o Grease era uma obra de arte".

Sobre os Velvet Revolver, Slash não adiantou muito, explicando apenas que a banda continua a fazer audições para o novo vocalista. O guitarrista disse que entre os possíveis candidatos está "um gajo que é bastante conhecido".

Guns N' Roses - Get in the Ring by php-0

Mara + Fincher + Mondino

Primeiras imagens da versão americana de The Girl with the Dragon Tattoo, dirigida por David Fincher a partir do best-seller de Stieg Larsson. Foram registadas durante a rodagem, em Estocolmo, com Rooney Mara (que já trabalhou sob a direcção de Fincher, em A Rede Social) a assumir a personagem de Lisbeth Salander. Last but not least, as fotografias têm assinatura de Jean-Baptiste Mondino — está tudo, imagens e reportagem de Lynn Hirschberg, no site da revista W.

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Money for nothing censurado

O clássico 'Money For Nothing', dos Dire Straits, foi banido das rádios canadianas devido ao teor homofóbico da letra. Em causa está o uso repetido da palavra «faggot» (termo depreciativo para os homossexuais). A decisão foi tomada pelo Canadian Broadcast Standards Council (CBSC), depois de uma queixa de um ouvinte. 

Com mais de 25 anos de airplay, a letra de 'Money For Nothing' foi considerada «inaceitável e anti-ética» pelas autoridades competentes no Canadá.

A banda já reagiu pela voz do teclista Guy Fletcher: «parece-me que o Canadá poderia banir 75 por cento das nossas gravações. Que desperdício de papel. Deves ter a possibilidade de escrever uma canção ou um poema com a linguagem que as pessoas usam no dia-a-dia. 'Money For Nothing' não celebra o insulto. O Mark Knopfler usou o inglês norte-americano do quotidiano para descrever um trabalhador sem nada no cérebro que trabalha num departamento de hardware. Ver a CBSC a decretar uma medida como esta, ignorando completamente o contexto da letra, diz muito sobre a sociedade em que estamos a viver», diz Flecther citado pelo The Guardian.

Os fãs também já se fizeram ouvir, mandando várias petições ao CBSC, a qual se mantém firme: «não nos importa o número de queixas. Toda a gente caiu em cima de nós por causa disto, mas nós achamos que é a melhor decisão. Esta é uma palavra que não tem qualquer lugar no nosso espaço radiofónico», comentou Ronald Cohen, o homem forte do CBSC.

Aqui ainda não chegou a censura ...you faggots!

Dire Straits Money For Nothing by TheSoundofB

Susannah York ( 1939 - 2011)

Embora mantendo sempre um trabalho regular nos palcos, ficou como um dos símbolos do cinema britânico dos anos 60/70 — Susannah York (nome verdadeiro: Susannah Yoland Fletcher) faleceu, vítima de cancro, a 15 de Janeiro, seis dias depois de ter completado 72 anos.

Formada na Royal Academy of Dramatic Art, de Londres, começou na rádio e na televisão em 1959, tendo-se estreado no cinema ao lado de Alec Guinness, no drama de guerra Uma Vez... Um Herói/Tunes of Glory (1960), dirigido por Ronald Neame. Sem nunca ter tido a projecção de outras figuras da mesma geração (como, por exemplo, Julie Christie), distinguia-se no ecrã por uma presença instável, como se fosse portadora de uma sensualidade assombrada pelo medo de um castigo mais ou menos indefinível. Os seus filmes mais importantes reflectem e exponenciam essa ambiguidade. Entre eles: Freud - Além da Alma (1962), de John Huston, Tom Jones(1963), de Tony Richardson, Um Homem para a Eternidade (1966), de Fred Zinnemann,Os Cavalos Também se Abatem (1969), de Sydney Pollack, A Sombra do Duplo Amante (1972), de Robert Altman, e The Shout (1978), de Jerzy Skolimowski. O filme de Pollack valeu-lhe três nomeações como actriz secundária para os Oscars, os Globos de Ouro e os BAFTA (venceu este último). Um dos maiores sucessos da sua carreira foi Superman (1978), de Richard Donner, onde interpretava o papel de Lara, mãe do Super-Homem no planeta Krypton.

>>> Obituário na BBC.

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Tennis - Cape Dory

Everyone loves a good “meet cute” story. Whole movies are built around them, in fact. The Colorado-based band Tennis have a good one. The duo of Patrick Riley and Alaina Moore met in college, fell in love, got married, and (here’s the cute part) spent seven months in a sailboat traveling the Eastern Seaboard. When they got back home they began recording songs about their journey, the results of which are on their debut album, Cape Dory. The time spent on the boat seemingly resulted in a desire to recapture the timeless appeal of 1950s pop but then give it a modern, reverby update. The songs are built around chord progressions that sound lifted from old Ricky Nelson ballads, filled out with ballpark organ, and presided over by Moore’s voice. Some may find her a little affected-sounding, since she’s a crooner of a dramatic nature more than a transparently emotional singer. This little bit of distance works well with the music, giving it the feel of a slightly creepy, dusty exhibit in a roadside attraction that doesn’t get many visitors. It also has the feel of a faded photograph from a long-ago summer vacation, full of nostalgia and warmth. The conflict between these two quite different feelings makes the record a little hard to cozy up to at first, but after a listen or two it really begins to sink in. The familiarity of the chords, the hum of the old keyboards, the tender romance of the lyrics, and, most of all, the gentle strength of Moore’s voice start to feel timeless and new at once, and you’ll have a hard time keeping Cape Dory out of regular rotation. The best songs on the album are the songs that were previously released on singles (“Marathon,” “South Carolina,” and “Baltimore”), but the rest aren't far behind. The story behind Tennis and Cape Dory are nice; the music is better.

in
 Tennis - Cape Dory by icoreee

  Tennis - Pigeon by icoreee

Cartaz dos Óscares

CELA 211

VENCEDOR 8 PRÉMIOS GOYA 2010 | 

incluindo MELHOR FILME, MELHOR REALIZADOR, MELHOR ARGUMENTO, MELHOR ACTOR, MELHOR ACTOR REVELAÇÃO E MELHOR ACTRIZ SECUNDÁRIA

Juan Oliver (Alberto Ammann) é o novo guarda de uma prisão de alta segurança. No seu primeiro dia de trabalho, dois dos seus colegas fazem-lhe a visita guiada pelos corredores do presídio. Durante a visita, um incidente faz Juan desmaiar e os seus companheiros levam-no para a cela 211 enquanto o tentam reanimar. Nesse preciso momento, rebenta um motim entre os prisioneiros e, no meio da confusão, ele é abandonado à sua sorte dentro da cela vazia. Quando volta a si, Juan está do lado errado da barricada e, de maneira a não ser visto como inimigo, muda rapidamente de roupa e finge ser um dos presidiários. Entretanto, à medida que vai assistindo ao que se passa lá dentro e percebendo as razões e intenções de Malamadre (Luis Tosar), o líder que amotinou os reclusos, ele compreende que naquele mundo nada é o que parece.

Um "thriller" psicológico, escrito e realizado por Daniel Monzón ("El Robo más Grande Jamás Contado ", "A Caixa Kovak"). O grande vencedor dos prémios Goya 2010.

Onde "Cela 211" atinge os seus momentos culminantes é no espectáculo exposto do imenso caos visual que a câmara capta com a urgência de uma reportagem, não poupando efeitos (vertiginosos picados e contrapicados, "travellings" inteligentemente concatenados com planos longos de conjunto, a darem conta da dinâmica do grupo), mas nunca fazendo deles um fim em si. (...) Sempre que estamos dentro do espaço claustrofóbico do motim, entre as paredes compactas do bloco prisional, sentimos uma fortíssima tensão dramática, um soco no estômago, uma irrespirável vibração de cinema em estado de choque. 

(...) A ver com muita atenção e sem preconceitos. 

» Mário Jorge Torres, Público

Globos de ouro 2010

Já houve distinções ao filme do último ano, mas a verdadeira temporada de atribuição de prémios que precedem a entrega dos Óscares começou oficialmente esta madrugada em Los Angeles, com o filme A Rede Social, de David Fincher e a série televisiva Glee a triunfar em mais uma edição dos Globos de Ouro. O filme The Kings Speech, que partia com sete nomeações, acabou apenas por triunfar na categoria de Melhor Actor (Drama), distinguindo assim a interpretação de Colin Firth.

Glee triunfou uma vez mais como melhor série de musical ou comédia, com prémios de interpretação atribuídos a Chris Colfer (que veste a pele de Kurt) e Jane Lynch (Sue Sylvester).

Na distribuição final dos números, A Rede Social somou quatro Globos de Ouro, Gleetrês e Boardwalk Empire, Os Miúdos Estão Bem e The Fighter triunfaram em duas categorias.

Aqui fica uma lista completa dos vencedores dos Globos de Ouro de 2010:

Cinema:

Melhor Filme (drama): ‘A Rede Social’

Melhor Filme (musical ou comédia): ‘Os Miúdos Estão Bem’

Melhor Realizador: David Fincher (‘A Rede Social’)

Melhor Actor (drama): Colin Firth (‘The King’s Speech’)

Melhor Actriz (drama): Natalie Portman (‘Cisne Negro’)

Melhor Actor (musical ou comédia): ‘Barney’s Version’)

Melhor Actriz (musical ou comédia): Anette Benning (‘Os Miúdos Estão Bem’)

Melhor Actor Secundário: Christian Bale (‘The Fighter’)

Melhor Actriz Secundária: Melissa Leo (‘The Fighter’)

Melhor Filme de Animação: ‘Toy Story 3’

Melhor Argumento: Aaron Sorkin (‘A Rede Social’)

Melhor Canção Original: ‘You Haven’t Seen The Last Of Me’ (‘Burlesque’)

Melhor Banda Sonora Original: Trent Reznor e Atticus Ross (‘A Rede Social’).

Televisão:

Melhor Série (drama): ‘Boardwalk Empire’

Melhor Série (musical ou comédia): ‘Glee’

Melhor mini-Série ou Telefilme: ‘Carlos’

Melhor Actor (drama): Steve Buscemi (‘Boardwalk Empire’)

Melhor Actor (musical ou comédia): Jim Parsons (‘The Big Bang Theory’)

Melhor Actor (mini-série ou telefilme): Al Pacino (‘You Don’t Know Jack’)

Melhor Actor Secundário: Chris Colfer (‘Glee’)

Melhor Actriz: Katey Sagal (‘Sons Of Anarchy’)

Melhor Actriz (musical ou comédia): Laura Linney (‘The Big C’)

Melhor Actriz (mini-série ou telefilme): Claire Danes (‘Temple Grandin’)

Melhor Actriz Secundária: Jane Lynch (‘Glee’)

fonte

British Sea Power: Well, they're superstars at B&Q

Tim Jonze meets Brighton-based eccentrics British Sea Power, who are marking a decade in pop with an album that looks to the future

British Sea Power: 'When we named ourselves, Britain seemed to be moving on to a bright future. Now it’s a bit embarrassing.' Photograph: Dan Dennison

It probably wasn't what the Observer's intern had in mind when she got to the office that morning: being dispatched to the canal to collect twigs, leaves and other scraps of decorative foliage for a live performance byBritish Sea Power. But this is a band whose career has revolved around putting people – often themselves – in unusual positions.

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British Sea Power 

Valhalla Dancehall 

Beggars 

2011 

In the course of the past decade, the Brighton-based outfit have found themselves bare-knuckle boxing with the singer of influential krautrock band Faust and – at some other extreme – have played a human fruit-machine game with Martin Clunes (involving cardboard, tin foil and three people holding lemons). Before interviewing them previously, I was once tasked with finding them first and supplied with a time and an Ordnance Survey grid reference (I ended up lost in the Sussex countryside); on another encounter, I found myself staggering around a stage in a bear costume, nearly knocking out their viola player.

Everything is more straightforward on this occasion, foliage notwithstanding, even though the band tell me they have embarked upon a new direction with their latest album, Valhalla Dancehall; it is their fifth if you include 2009's Man of Aran, a largely instrumental new soundtrack to a 1934 cult quasi-documentary about Irish fishermen.

"We get accused of always looking backwards," says softly spoken frontman Yan Scott Wilkinson, supping ale in a pub after their recording session. "But there's not so much about the past on this record really."

"One friend described it as being like the god Janus," says guitarist Martin Noble. "It looks into the past and the future at the same time."

Invoking Roman gods to describe your songs may be unusual, but the comparison is not unfounded. The track "Georgie Ray", for example, was inspired by a 1960s Playboy article in which a group of science fiction writers comes together to discuss a vision of the future, while "Who's in Control?" could be one of the first anti-coalition pop songs, with its talk of loving local libraries and wishing "protesting was sexy on a Saturday night".

This combination of old and new is summed up in the title itself, Valhalla Dancehall. "We wanted an international flavour in there," grins Yan. "Vikings are pretty good but they're a bit… serious. A bit violent. So we mixed it with some, er, Jamaican vibes."

Valhalla Dancehall was recorded in an old farmhouse on the edge of the Sussex Downs, where Yan lived for 18 months. It was an experience that involved an infestation of mice, transforming the garden into a nine-hole crazy-golf course and learning to brave the elements. "I didn't realise you had to order your oil three months in advance," he recalls. "And how fast it runs out. The band would turn up and be unhappy because it was so cold you could see your breath."

When they formed in 2000 – the lineup comprising Yan and his brother Neil (known as "Hamilton") on bass, Noble and drummer Matthew Wood – few people would have expected such an oddball band ever to make it so far. Signed to Rough Trade around the same time as the Strokes and the Libertines, their love of heights, hiking and herons (Noble is an avid birdwatcher) didn't exactly help them blend in.

Luckily, Rough Trade boss Geoff Travis was so smitten with the band he reportedly told them they could sell zero copies of their debut album, The Decline of British Sea Power, and still make another record with him. His faith paid off and the band have steadily accrued a small but loyal fanbase – the kind of fans who will pay to watch their favourite group play down a Cornish slate mine, atop the Great Wall of China or among dinosaur skeletons at the Natural History Museum. And those weren't even the weirdest shows...

"That was when we played in a Russian town called Mosquito," winces Noble. "It was after we'd been voted Time Out live band of the year, so we played this party that seemed to be for Russian gangsters, Time Outmagazine and a bed shop! There were beds everywhere. Nobody cared about us. They had their backs turned. And in the middle of where the audience should be there was a swimming pool."

Given that the band are currently celebrating a decade in pop, it seems fitting to ask for a few of their highlights. So, who's suffered the worst injury? They rifle through some gruesome memories. There was the incident when Hamilton climbed a tree to collect decorative foliage and proceeded to remove the branch he was sitting on with a saw. And there was the occasion when new member Abi, the viola player, nearly got shoved off stage by a marauding journalist dressed in a costume (for which, apologies). But it's keyboard player Phil Sumner, another recent recruit, who has the worst grimace: "Twelve stitches, three smashed teeth… all clean off. It was a swan dive at Leeds Irish Centre."

Ouch. What's been their worst financial decision? Sumner recalls a tour of Germany that ended up costing the band £3,000.

"But the worst financial decision," muses Yan, "was calling ourselves British Sea Power, so everyone thought we were imperialist twats. When we named ourselves, Britain seemed to be moving on to a bright future. Now it's just gone back to the 1980s and it's a bit embarrassing."

So, after 10 years of trying to turn songs about celebrity clay-pigeon shooting contests into hit records, what's the closest you've come to feeling like famous, rich, successful pop stars?

This time there's no debate. It was when Sumner got a discount in B&Q after being recognised by a member of staff. He smiles: "Essentially, that's all we've ever wanted… a good discount on power tools."