Nights at the Whisky: The Sunset Strip in the Sixties

On a night in 1963, Lou Adler introduced Johnny Rivers to Elmer Valentine, an ex-Chicago vice cop in his mid thirties, who had just opened the Whisky A Go-Go at 8901 Sunset Blvd. Adler had discovered Rivers playing one night at Gazzari’s, noticing a phenomena he’d never seen before - adults dancing to Rock ‘n’ Roll. He thought Rivers’ cleaned up version of authentic Memphis-style country-blues rock ‘n’ roll was a perfect match for Valentine’s new club, which was America's first real “discotheque," modeled after the original Whisky A Go-Go in Paris. (Ironically enough, the Paris club the Rock and Roll Circus, which is thought by many to be the actual location of Jim Morrison's death, is now named the Whisky A Go-Go. Whether or not this is the location of the original Whisky A Go-Go in Paris is unclear; if it is, it’s an interesting synchronicity indeed.)



By the summer of 1964, Johnny Rivers was creating “the” Sunset Strip sound at the Whisky every night. In July, his LP Johnny Rivers at the Whisky A Go-Go became a smash. Add to that the birth of the Go-Go girl when the club’s female disc jockey, who was suspended in a cage above the dancefloor, began dancing to the records she was spinning between sets, and a new pop culture phenomenon was born. The Whisky’s place in history had been assured in less than a year.

By the end of 1965 the Byrds, The Turtles and the Lovin’ Spoonful were in residence at the Whisky, and the whole strip was buzzing. Gazzari’s had relocated from La Cienega to Sunset, and the Coffeehouses had been taken over by teens. The newest hot venture was Valentine’s new club "The Trip” and across the street, Ben Franks was becoming “the eaterie." It was here that the band which would later become Love was formed by Arther Lee and Byrds’ roadie Bryan MacLean. By this time, it could take 4 hours to travel the mile and a half from the Beverly Hills city line to Schwab’s on a Friday or Saturday night, but the truly “hip” crowd was out and about every night. The sidewalks teemed with girls in boots and bellbottoms. All the folk groups went electric that summer, and mind-expansion was de rigueur. In February 1966, Ken Kesey staged the first L. A. acid test.


The scene on the Strip was in full swing in the spring, summer and fall of 1966 - the time of the Doors’ residence at the Whisky. They backed-up week-long stints by headliners such as Love, The Byrds, Captain Beefheart, The Lovin’ Spoonful and Motown acts, such as Marvin Gaye.

It was about this time that the scene’s major players were beginning a quiet exodus to Laurel Canyon. Soon a community of musicians developed, sharing music and highs among the neighborhood. Love, Three Dog Night, The Mamas and the Papas, The Mothers of Invention, The Byrds, the Doors of course, The Turtles and many other bands were all represented in homes previously owned by such notables as Natalie Wood and Mary Astor. Also in residence were other music notables, such as Elektra producer Paul Rothchild. Laurel Canyon pioneer Billy James, former A&R man for Columbia Records, who had done his best to add the Doors to that label's roster, was interviewed by Jerry Hopkins for the new in-crowd rag World Countdown News. In the interview, he told Jerry that the only one who had been in residence in the Canyon before him was Love’s Arthur Lee. “It’s all happened within the last year or so,” James was quoted as saying. “If creative artists need to live apart from the community at large, they also have a desire to live among their own kind, and so an artistic community develops.” The Canyon Country Store was the hub of this burgeoning scene. “If there were more mobility in this town,” Billy James said, “the Canyon Store would look like MacDougal Street on a Saturday night.”


Magic was definitely in the air, and synchronicity was at work when the then fresh-from-Canada Neil Young ran into old pals Stephen Stills and Richie Furay in a traffic jam on Sunset Boulevard just as the Byrds were falling apart. From this chance meeting, Buffalo Springfield was born.



The Strip's heyday wasn’t to last long, however. The weirdness of fame and drugs started to take their toll pretty quickly. Personnel changes and band break-ups were indicative of the gradual disintigration of the scene on the Strip. Smaller clubs were starting to close, as larger ballroom style venues began to take over. Originally built in the Thirties and recently refurbished with a state-of-the-art sound system and a revolving stage, the Kaleidoscope opened in 1968 with a capacity of nearly 1,500, while the new Cheetah club, modeled after it’s New York counterpart, held well over 2,000. After the advent of the Pop Festival, concerts were now being booked at Civic Auditoriums and other larger halls. The scale of rock was changing, and with it, the intimacy of the club scene was dying out. Derek Taylor held a “Farewell to LA” party at Ciro’s in March 1968, and the Strip was never the same. The Scene which started with the Whisky A-Go-Go was gone. Only the Whisky itself and Gazzari’s would remain.

Bon Iver ~ for Emma Forever ago

I am retorning again to this album because everytime I listen it I become more and more perplexed. It´s amazing!

On For Emma, Forever Ago, it is utterly amazing how Justin Vernon has done so much with so little. Like the aforementioned Kristian Matsson, he has crafted an album of pure splendor by using little more than his voice, an acoustic guitar, and some damn strong lyrics to accompany them. The album’s story is an old one by now: Vernon secluded himself in Wisconsin to a deserted cabin, placing himself in socially desolate circumstances for the eventual craftwork of For Emma, Forever Ago. I suppose you can see the parallel to Thoreau’s Cabin at Walden Pond, another artist of sorts who used social desolation to write his most renowned work, Walden. That For Emma, Forever Ago is Vernon’s solo debut makes it unpredictable as to whether it will be considered his definitive opus, but it certainly would not be an insult if it were to be. After all, the album has already been called a modern classic for several reasons, one of which relates to Vernon’s ability to relay such strong emotional commitments while using little to no technological edge. Listening to this album, it is apparent that it could have been written either in the early 20th century or the 21st century, already giving it that “timeless” tag that folk releases often strive for and then fall short of because of either restrictive tendencies or technologically expansive techniques. While the production of For Emma, Forever Ago is superb with its use of overlapping vocal harmonies and different guitar tones, it is the overall songwriting and vocal usage that stands out more than anything.

As far as Vernon’s vocals go, he possesses a range that any striving vocalist would envy. They are both soothing and warmly reverberating, allowing his slight falsetto to emerge without becoming too straining or overwhelming. This can be best seen on a track like “Skinny Love”, where even the opening moments prove indicative of his expansive vocal arsenal. When he chants “my, my, my” during the first verse, I can’t help but envision Vernon having some sort of soul influence. When he says, “Come on skinny love,” it sounds as if he is biting his teeth down in frustration, maintaining his utmost coherence in the process. When the highly ardent chorus enters, one can’t help but be impressed by Vernon’s melodic diversity as well. His soulful croon makes a slight transition to a bluesier demeanor as he concludes with a few free-spirited howls. “Lump Sum”, while more melodically linear than “Skinny Love”, packs a heavy emotional punch that can be attributed to both the spine-tingling touch of reverb in Vernon’s quivering vocals and his lyrical output. “Fit it all, fit it in the doldrums… or so the story goes,” he sings over a lightly strummed acoustical progression, alluding to a reluctance of looking toward the future rather than a current state of stringing onto the past and present. Like “Lump Sum”, his topics are often highly relatable in their tone and delivery, contributing to the impeccable craftsmanship of a folk release that already has “classic” written all over it.

Discos dos Sigur Rós no "Independent"

Os Sigur Rós vão editar um novo álbum. Na verdade, uma compilação. Sai amanhã, mas não chegará às prateleiras das lojas, uma vez que é uma edição exclusiva para o jornal britânico The Independent. Tem por título We Play Endlessly, e recolhe, num alinhamento de nove temas, faixas editadas desde 2004. O grupo está entretanto a preparar o lançamento de um novo DVD, com o filme de um concerto londrino na digressão do ano passado. O DVD será lançado ainda este ano.

Milk

Chega hoje às salas de cinema Milk, o biopic sobre Harvey Milk, assinado por Gus Van Sant que tem coleccionado prémios e nomeações (oito delas para os Óscares). Seguindo opções narrativas mais “convencionais” que nos mais recentes Gerry, Elephant ou Paranoid Park, o filme evoca a vida do primeiro homem abertamente gay eleito para um cargo político nos EUA, assassinado alguns meses depois de tomar posse por um antigo colega de trabalho. Van Sant toma como coluna vertebral da narrativa uma série de memórias que Milk (brilhantemente interpretado por Sean Penn) regista numa cassete. Palavras que grava temendo a morte, uma das sombras que sempre o perseguiu desde que ganhara visibilidade política. A história segue, depois, o percurso como o tempo o acompanhou. Começando em Nova Iorque, em inícios da década de 70, revelando um homem a chegar aos 40 anos, frustrado por de nada até então a sua vida ter servido. Mudando-se para São Francisco, transformado pelos ecos da contracultura de 60, descobrindo em si uma motivação activista, lutando pelos direitos dos homossexuais primeiro à volta de um espaço de bairro, acabando a falar para a cidade, com repercussões pelo país. Sean Penn tem sido frequentemente citado pela composição de uma personagem que incorporou com impressionante realismo. Protagonista, sem dúvida. E num dos melhores papéis da carreira de Penn. Milk não é, contudo, um filme de actor. Mas de actores. E a sua força resulta do relacionamento de Sean Penn com todo um elenco igualmente notável. Um corpo comum que envolve actores como James Franco, Josh Brolin, Emile Hirsh ou Diego Luna. Na realização mora outra das peças fulcrais no relatar de uma história real, mostrando Van Sant saber usar com conta, peso e medida pontuais citações de época, com imagens reais, evitando todavia as soluções mais lineares dos retratos biográficos que muitas vezes conhecemos nas recriações em registo docudrama.
Harvey Milk é uma figura com um certo peso na história da política americana. Em finais dos anos 70, depois de uma sucessão de derrotas eleitorais, foi eleito para um lugar na equipa de “supervisores”, cargo de relevância na estrutura autárquica de São Francisco. Longe de ser um ilustre desconhecido, Harvey Milk foi já biografado num livro de Randy Shilts (The Mayor Of Castro Street), assim como sobre ele Rob Epstein rodou, em 1984, o documentário The Times Of Harvey Milk (que este ano terá edição em DVD). Uma outra recente referência a Harvey Milk surgiu no documentário Follow My Voice: With The Music Of Hedwig, de Katherine Linton (2007), que acompanha o tributo que uma série de músicos (entre os quais as Breeders, Frank Black, os Yo la Tengo ou Rufus Wainwright) gravaram a partir canções da banda sonora de Hedwig & The Angry Inch, de John Cameron Mitchell, criando um disco que recolheu fundos para apoiar a Harvey Milk School, em Nova Iorque.
in sound+vision

The Walkman

“O” álbum capaz de assentar que nem uma luva ao mais central dos cânones maiores do chamado som pop/rock de alma indie? Ou seja, o disco herdeiro do altar Velvet Underground + Joy Division (mais referência, menos referência, mais tempero, menos tempero), que teve no ano passado visibilidade maior (e aclamação) no mais recente álbum dos The National. “O” disco chegou na forma de You & Me, quinto álbum dos The Walkmen, uma banda nascida em Nova Iorque da reunião de músicos crescidos, em grande parte, na área de Washington DC. Na verdade já todos tinham experiência na música feita na “grande maçã”, três deles a bordo dos Jonathan Fire Eater, dois nos The Recoys. Em 1998 a separação dos primeiros abriu portas para a criação da banda, que então conheceu primeira sede de trabalho num pequeno estúdio no Harlem. Até aqui relativamente longe do gume das atenções (um pouco como acontecera aos The National pré-Boxer, apesar do “despertar” de curiosidades com Alligator), os The Walkmen conceberam aqui um dos mais estimulantes dos discos que, nos últimos anos, aceitaram este “cânone” como ponto de partida. Porém, ao contrário das multidões que continuam a fazer vénias às figuras de referência que edificaram este mesmo filão central da identidade pop/rock alternativa sem mostrar vontade de fugir às regras (e veja-se como se esgotaram rapidamente as ideias dos Interpol, Editors ou tantos outros) os The Walkmen propõem aqui uma deliciosa montra de “heresias”. Heresias que, sem contrariar a alma solitária que assombra canções magoadas, pincela cenários com linhas e cores que cativam atenções e sugerem novos olhares sobre velhos princípios. Aqui se fala de praia, da areia que ficou na mala e do sal que ainda se sente nos dentes... Por aqui paira um desencanto teatral à la Tom Waits... Metais temperam com outra melancolia momentos como Red Moon ou Canadian Girl. E esta última quase parece piscar o ouvido às genéticas da canção soul... Depois de experiências menos “canónicas” em discos recentes, You & Me assinala o reencontro dos The Walkmen com a identidade primordial da sua obra. Fá-lo não apenas sob a já citada vontade em abordar de forma estimulante, sem contudo sentir a necessidade de transgredir, um espaço já “clássico” da cultura indie. Mas também com uma impressionante colecção de camções. Os fiéis do “cânone” podem dar-se por bem servidos!

Eu sou suspeito e quando há referências a Joy Division e a The Velvet Underground, tenho de ouvir. Fi-lo e adorei. Aconselho este album, ainda que um pouco tardiamente, é de 2008.

You and Me


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Animal Collective

Foi a primeira grande edição de 2009, e promete ser um dos acontecimentos musicais mais marcantes do ano. Trata-se de Merriweather Post Pavillion, o novo álbum dos Animal Collective, do qual chega finalmente um primeiro teledisco. É este My Girls, que conta com trabalho de animação assinado por Jon Vermilyea. Mais um exemplo de inteligente concepção gráfica ao serviço de uma grande ideia musical.

Animal Collective - My Girls

in sound+vision

Here We Go Magic

Like Sigur Ros in a language you can understand, or Broken Social Scene without 15 extraneous members, Here We Go Magic's "Tunnelvision" is a light, uplifting piece of pop recalling the finer moments of either band. At first slight, with its acoustic guitars and synchopated rhythms, then more pieces are delicately stitched together as airy samples and loops gradually build in volume and complexity over the course of four minutes. At its peak you have a head full floating sounds, and you're left wondering how you got here from there. May I suggest a repeat?

TUNNELVISION

Che ~ de Steven Soderbergh

Este ano abre-se com sinais de uma mobilização sem precedentes — e não só o ano cinematográfico. Seria difícil encontrar num passado, mesmo relativamente distante, uma tal vaga de inquietudes e revoltas face a um conjunto de fenómenos heterogéneos, mas em que as decisões de política pública desempenham um papel central, por agora terrivelmente destruidor. Trata-se aqui do ensino, do audiovisual público, da liberdade de imprensa, do conjunto de dispositivos de solidariedade colectiva e de apoio à cultura.


São as palavras de abertura de Jean-Michel Frodon no editorial ('Action!') do número de Janeiro dos Cahiers du Cinéma — em discussão estão as questões específicas da acção cultural, em geral, e da valorização da cultura cinematográfica, em particular. Che, de Steven Soderbergh, é o principal tema da capa, numa edição que oferece, entre outros temas, uma reportagem sobre a rodagem de Shutter Island, de Martin Scorsese (pela realizadora argentina Celina Murga), e ainda os tops de 2008. Vale a pena citar os três melhores do ano para os Cahiers:

1- Redacted, de Brian De Palma
2 - Juventude em Marcha, de Pedro Costa
3 - Cloverfield, de Matt Reeves

E para os leitores dos Cahiers:

1 - O Silêncio de Lorna, de Luc e Jean-Pierre Dardenne
2 - Este País Não É para Velhos, de Jole e Ethan Coen
3 - Valsa com Bachir, de Ari Folman

in Sound+Vision

Holocausto: 64 anos

Foi a 27 de Janeiro de 1945 que as tropas soviéticas libertaram o campo de concentração de Auschwitz-Birkenau, o maior montado pelo regime nazi para a aniquilação do povo judeu — faz hoje 64 anos. De acordo com uma resolução das Nações Unidas, tomada em 2005, 27 de Janeiro é o Dia Internacional da Memória do Holocausto. Este símbolo, ligando a memória e o trabalho efectuado sobre a sua herança resume a força simbólica do dia: não esquecer, pensar o futuro a partir do passado, de todos os passados.

INSIDE THE GOLDEN DAYS OF MISSING (THE SILVER JEWS)

This is a special post because I am extremely bummed out by David Berman's announcement that he is more or less wrapping up the Silver Jews. Berman wants to turn to writing - books? poetry? screenplays? - and is haunted by the fact that his band are "too small of a force to ever come close to undoing a millionth of all the harm" that his father, a right-wing lobbyist, has "caused". I want to wish David well in all his undertakings - and I'm as excited as anyone about a possible follow-up to his poetry book, Actual Air. But like Carl, I hope he is making his own glad choice - and is not directed by his father's sour one.

In any case, the Silver Jews are one of our favourite bands, and Berman one of our favourite lyricists. He is one of my favourite poets too, but as Berman has often insisted, these are two separate things. He is among the most beloved artists to Said the Gramophone, and in honour of him - in honour & celebration, not a memorial, as Berman has centuries left in his heart, - we have re-uploaded every Silver Jews song we have ever written about. The first was almost four years ago, the most recent just six weeks.

May the wind be at your back, David.

Iggy Pop ~ last fucking rock nude and rude star

Iggy pop is the last fucking rock nude and rude star. He remembers me Jim on stage. Sometimes I think that it's a miracle that he's still alive.
on wiki:
James Newell Osterberg, Jr. (born April 21, 1947), better known by his stage name Iggy Pop, is an American rock singer, songwriter, and occasional actor.[1] Although he has had only limited mainstream success, Iggy Pop is considered an innovator of punk rock, garage rock, and other related styles.[1] He is sometimes referred to by the nicknames "the Godfather of Punk" and "the Rock Iguana", and is widely acknowledged as one of the most dynamic stage performers of all time.[1] Pop began calling himself Iggy after his first band in high school, The Iguanas.[2]
Iggy Pop was the lead singer of The Stooges, a late 1960s/early 1970s garage rock band who were influential in the development of the nascent heavy metal and punk rock genres. The Stooges became infamous for their live performances, during which it was not uncommon for Pop (who traditionally performs bare-chested) to consume narcotics, self-mutilate, verbally abuse the audience, expose himself and leap off the stage (thus being the first or among the first to "stage dive"). Countless subsequent performers have imitated Pop's antics.
Pop's popularity has ebbed and flowed throughout the course of his subsequent solo career. His best-known solo songs include "Lust for Life", "I'm Bored", "Real Wild Child", the Top 40 hit "Candy" (with vocalist Kate Pierson of The B-52's)[2] and "The Passenger". A film about Iggy Pop's life and career titled The Passenger is currently in development. Pop recently gave his credibility as an artist a heavy blow when he accepted an offer from an insurance company to front their "quirky" insurance advertisements.

Some favourite performances.

I wanna be your dog ~1979 ( my favourite song of him)

Search and Destroy

Some relaxed song ( he's also a poet...)

The Passenger ~ 1977

China Girl

Candy

Radiohead ~ Just

One of the great mysteries in video music history - “What does the guy say at the end?” I guess we will never know why he did it.

Jamie Thraves directed this video in 1995 as one of his very first music videos. He directed a dozen videos from 200-2006 including two videos for Coldplay and one for Death Cab for Cutie.

Previsão dos Óscares

Bem em altura de óscares não faltas as previsões e esta até tem graça.
De João Lopes
"Sempre que surgem as nomeações para os Oscars, prevalecem várias "tentações". A primeira é a infantil: defender os "meus" filmes contra os que... estão a mais. A segunda é a "científica": tudo se explica por estratégias mais ou menos conspirativas e, portanto, tudo acontece... antes de ter acontecido. Enfim, a terceira é a "contestatária": isto é tudo uma treta e os grandes filmes são sempre... os que ficam de fora.
Escusado será dizer que, aqui, ninguém pretende ir por nenhum desses caminhos. É certo que a Academia de Hollywood quase deixou de nomear filmes lançados no primeiro semestre de cada ano (Shine a Light não está presente, nem sequer pela fotografia de Robert Richardson...), por assim dizer "colando-se" à estratégia dos próprios estúdios que guardam os seus maiores trunfos para os últimos três meses. Seja como for, não simplifiquemos: desde a contundência humanista de Milk até à sofisticação romanesca de O Estranho Caso de Benjamin Button, o ano não é propriamente banal.
Vale a pena propor um breve e inofensivo exercício de (anti-)previsão. Assim, é certo que os Oscars resultam das escolhas, das ideias e das paixões dos cerca de 6 mil membros da Academia — há neles tanto de cerebral como de afectivo. Mas vamos supor que tudo resultava de uma reflexão mais "didáctica", no sentido de valorizar algumas das tendências marcantes da produção actual. Que aconteceria?
Mais exactamente, como seria as escolhas principais se se tratasse de sublinhar estas componentes fundamentais:
1 - retorno a um romanesco clássico, de raiz literária;
2 - revalorização dos efeitos especiais, não apenas nas áreas da aventura, mas em tudo o que tenha a ver com esse romanesco;
3 - reabertura crítica dos dossiers mais amargos da vida política dos EUA;
4 - revalorização dos actores/actrizes como elementos viscerais do espectáculo cinematográfico;
5 - defesa de uma política de alianças de produção de Hollywood com outras cinematografias, em particular com a Índia.
Tendo em conta as nomeações anunciadas, os resultados poderiam ser qualquer coisa como:
* "Melhor filme": O Estranho Caso de Benjamin Button [1 + 2 + 4]
* "Melhor realização": Danny Boyle, Slamdog Millionaire [4 + 5]
* "Melhor actor": Sean Penn, Milk [3 + 4]
* "Melhor actriz": Angelina Jolie, A Troca [1 + 3 + 4]
* "Melhor actor secundário": Heath Ledger, O Cavaleiro das Trevas [4]
* "Melhor actriz secundária": Penélope Cruz, Vicky Cristina Barcelona [4 + 5]
Em qualquer caso, sem especulações a atrapalhar, os Oscars serão atribuídos no Kodak Theater, em Los Angeles, no dia 22 de Fevereiro. "

Da Suécia ~ The Dear Tracks

Novamente na Suécia, hoje com uma dupla que cria uma pop delicada, feita de filigranas de electrónicas, seguindo uma linha próxima da que em temos escutámos nuns Múm ou Lali Puna. Chamam-se The Deer Tracks e acabam de editar pelas terras do Norte o álbum de estreia Aurora. O aperitivo chega a estes lados na forma deste Slow Collision.

Slow Collision

A vida ao contrário

E se, contra a lógica dos ponteiros do relógio, que rodam ao ritmo de 60 segundos por minuto, em sentido directo, uma vida acontecesse ao contrário? Começaria na velhice e cresceria, ano após ano, revelando cada vez mais evidentes sinais de juventude, como se o relógio que a comanda tivesse os ponteiros irremediavelmente em sentido inverso? Este é o ponto de partida de O Estranho Caso de Benjamin Button, um conto de F. Scott Fitzgerald publicado em 1921 que agora conhece adaptação ao cinema por David Fincher.
Com acção transferida de Baltimore para Nova Orleães, o filme acompanha a história de Benjamin Button (interpretado por Brad Pitt), que nasce na noite em que a cidade celebra o fim da Primeira Guerra Mundial. Com pele enrugada, é um velho em corpo de bebé. E contra o diagnóstico do médico, sobrevive. Educado num lar de idosos, não sente na pele o peso da diferença, mas ao mesmo tempo que vê os companheiros a piorar e morrer, rejuvenesce. É nesses dias que conhece Caroline (Cate Blanchett). Entre os dois nasce uma ligação, depois um amor, que, por vivido com ciclos de vida opostos, nasce devagar, encontra equilíbrio na meia-idade, mas acaba condenado a um desfecho que se imagina trágico. História de um amor desencontrado, o filme cruza com as personagens o tempo através do qual evoluem as duas vidas. Da Nova Orleães dos anos 20 à Rússia em tempos da Segunda Guerra Mundial, mais tarde descobrindo a Nova Iorque dos anos 50 ou escutando rock'n'roll nos dias de 60. A viagem no tempo não é ostensiva. Faz-se antes entre guarda roupa, temas das conversas, cenários, música de fundo, mas revela-se determinante suporte de espaço para a história que evolui no tempo. Nota final ainda para uma curta, mas magnífica participação de Tilda Swinton, uma das figuras pelas quais se cruza a vida ao contrário de Benjamin Button. in sound+vision

E os nomeados são...

O filme O Estranho Caso de Benjamin Button, de David Fincher, lidera a lista de nomeações aos Oscares, somando um total de 13, entre as quais Melhor Filme, Melhor Realizador, Melhor Argumento Adaptado, Melhor Actor e Melhor Actriz Secundária. Slumdog Millionaire, de Danny Boyle, segue-se em número de nomeações, com dez. Com oito nomeações surgem Milk, de Gus Van Sant e O Cavaleiro das Trevas, de Christopher Nolan, o mais recente Batman. Maryl Streep conquistou a sua 15ª nomeação, pelo filme Doubt, de John Patrick Shanley (na categoria de Melhor Actriz). Os vencedores serão conhecidos a 22 de Fevereiro.

Lista completa dos nomeados aqui in sound+vision

Sid e Nancy: o regresso do mistério

O ícone da cultura punk, Sid Vicious, ex-Sex Pistols, volta a dar que falar. Desta vez, não tanto pela movimento punk em si e tudo o que significou em termos de ruptura estética, mas mais pela suspeita (nunca resolvida) da morte da namorada, Nancy Spungen, com quem viveu um romance alucinado. Ambos formaram o casal típico de rebeldes sem causa, dinamitando convenções sociais e envolvendo-se num submundo de drogas, álcool e violência. Nancy era uma toxicodependente (viciada em heroína) e uma prostituta a tempo parcial, mas nem por isso Sid Vicious deixou de se apaixonar por ela. Os amigos de Sid tentaram afastá-la dele, sobretudo os outros elementos dos Sex Pistols. Em vão.
Após o fim da banda que iniciou o tumultuoso movimento punk em Londres, Sid foi morar com Nancy para Nova Iorque, no mítico hotel Chelsea, em 1978. Num casal com temperamentos explosivos, havia discussões sérias e, um certo dia (Outubro de 1978), Sid Vicious encontrou a namorada morta na banheira do quarto nº100 do hotel, com uma fatal facada no abdómen. Versões contraditórias alimentaram a imprensa: Sid estaria drogado e matou Nancy; um traficante que vivia no hotel teria assassinado a jovem; uma terceira versão refere que Nancy se suicidou ou que ambos tinham um pacto suicida. Sid Vicious foi preso e acusado de homicídio. Tentou suicidar-se várias vezes na prisão e consta-se que escreveu poesias e músicas em homenagem à namorada.
Sem provas conclusivas, a justiça liberta o músico e, em Fevereiro de 1979, com apenas 21 anos, Sid Vicious injecta uma dose letal de heroína, morrendo de overdose. "Vive rápido e deixa um cadáver bonito", a máxima da cultura hedonista herdada do primeiro mártir da cultura pop, James Dean. 30 anos depois, a dúvida subsiste: quais as verdadeiras causas de morte de Nancy Spungen? Quem a matou e porquê? Sid teve alguma responsabilidade na morte da namorada? Para tentar responder a estas e outras perguntas, o realizador Allan G. Parker (não confundir com o outro cineasta Alan Parker), realizou o documentário "Who Killed Nancy?", que vai estrear dentro de dias em Inglaterra.
Parker já tinha feito há dois anos um documentário sobre a carreira de outra decisiva banda do punk, os Clash, e agora explora os contornos misteriosos da morte da namorada do baixista dos Sex Pistols. O trailer é suficientemente interessante para suscitar o reavivar da memória histórica do movimento de contracultura punk e de procurar pistas concretas sobre o envolvimento (ou não) de Vicious na morte de Nancy. Mais de 100 entrevistas a personalidades, directa e indirectamente ligadas ao caso, montagem de imagens de arquivo com animação 3D, fazem deste "Who Killed Nancy?", um documentário audaz em termos formais, e provavelmente conclusivo, em termos de informação histórica.

Nota: A relação tumultuosa e alucinada entre Sid e Nancy foi levada ao cinema em 1986, por Alex Cox, com um estreante Gary Oldman na pele de Sid Vicious e Chole Webb como Nancy Spungen. O filme chama-se "Sid & Nancy: O Amor Mata". in o homemquesabiademais

João Aguardela ( 1969 - 2009 )

Foi com saudade e tristeza que ontem soube da notícia da sua morte. Desde 1992, tempo em que chegámos a beber uns copos no Morbidus Bar na Rua do Crime que segui a carreira do João. Sempre gostei muito do projecto A Naifa, mas a Vida de Marinheiro será sempre um ícone dos anos 90. Deixou um legado rico, poético e musical. O Cancro levou-o cedo...

"Death makes angels of us all & gives us wings where we had shoulders smooth as raven's claws ... " Jim Morrison

Aqui fica a notícia retirada do site da Blitz:
Morreu João Aguardela, fundador dos Sitiados e membro d' A Naifa. O músico português desapareceu aos 39 anos, vítima de cancro.
"Foi uma força muito positiva", disse Zé Pedro, dos Xutos & Pontapés, do homem detrás de numerosos projectos nas últimas duas décadas."Era uma força muito positiva no meio musical". Foi com estas palavras que Zé Pedro, o guitarrista dos Xutos & Pontapés, homenageou hoje João Aguardela. O músico faleceu ontem, Domingo, no Hospital da Luz, em Lisboa.O fundador em 1987 dos Sitiados e mentor durante as últimas duas décadas de projectos como Megafone, Linha da Frente e mais recentemente A Naifa, desapareceu aos 39 anos, vítima de cancro. Além de Zé Pedro, Viviane dos Entre Aspas e Carlos Moisés dos Quinta do Bill recordaram à Lusa o músico e amigo."Era um músico singular que teve uma profunda paixão pelas raízes da cultura e da música portuguesa e isso reflectia-se na música que fazia", lembrou Viviane."Era um criativo à procura de novos roupagens para as nossas raízes da música tradicional", acrescentou Carlos Moisés, a voz de "Filhos da Nação".A cerimónia fúnebre terá lugar amanhã, Terça-feira, pelas 16h00, no cemitério do Alto de São João, em Lisboa."Firme nas convicções, determinado nos objectivos, invulgar na forma de ser e estar na vida, desde sempre grangeou respeito e admiração no meio musical, ainda que nunca tivesse procurado o estrelato", escreveram família e amigos em comunicado no site d'A Naifa.Em 1994, João Aguardela foi distinguido com o Prémio Revelação da Sociedade Portuguesa de Autores.

CD + CD + DVD = Radiohead

A agenda de reedições dos Radiohead parece ser intensa para este ano. Depois de há dias ter sido anunciado o lançamento de 12 dos seus singles em vinil, agora é revelada a reedição dos seus três álbuns, todos eles em versões expandidas, com um CD adicional com raridades e um DVD. Pablo’s Honey (1993), The Bends (1995) e OK Computer (1997) são os álbuns a reeditar, incluindo os extras áudio temas gravados em estúdio e maquetes, assim como sessões na BBC. Entre os DVDs surgem actuações televisivas (no Top Of The Pops ou no programa de Jools Holland), os telediscos correspondentes a cada álbum e concertos ao vivo, um deles registado no londrino Astoria, em 1994.

Animal Collective Makes Music For People On Drugs

Animal Collective’s ninth album has been ecstatically anticipated by many, and on paper I can understand why. They proved their soundscapes prowess with Here Comes The Indian, and the depth of harmonic texture and melodic hooks made Sung Tongs a magnet for new fans. Merriweather Post Pavillion blends the two, but dilutes the potency of each strength by doing so. Put simply, this album is only as good as the drugs you’re on while listening to it.

Pavillion opens as if rising from some murky, churning depth, a tiny organ glow building and radiating a hazy ambience until Avey Tare’s voice rises in a warbly, waterlogged depth, providing the only rudder for the song for a full two and a half minutes, until the line if I could just leave my body for the night, at which point the whole thing bursts into a galloping burst of harmonic weirdness and divinity, pounding away in some undetermined direction. This leads into the high 80s synths and failed attempts at soaring melody that is My Girls. In the span of nearly six minutes I’m reminded of almost every reason I’m so very thankful that we’re out of the 80s.

U2 ~New influences

U2 fans might be in for a surprise when the rockers release their next album, the follow-up to 2004's How to Dismantle an Atomic Bomb. Frontman Bono says people will "feel the difference," revealing that the songs will have trance, metal and Moroccan influences. Bono told The Independent, "Normally when you play a U2 tune, it clears the dance floor. And that may not be true of this. There's some trance influences." Bono also said there's some "very hardcore guitar" and "real molten metal coming from guitarist The Edge. He added, "It's not like anything we've ever done before, and we don't think it sounds like anything anyone else has done either."

U2 started the album in Morocco last year and are now working through the demos. Bono said, "We have enough material for two albums but it has to be extraordinary. And I think we've got that."

The band members said they were influenced by a music festival they went to in Fez, Morocco. Bono said, "It was a real humbling thing for a punk rock shouter, listening to these people who just close their eyes for 40 minutes and sing the most sophisticated melodies."

David Bowie

Figura gigante e controversa da música popular, David Bowie dita modas desde os anos 70, mas percorreu um caminho acidentado até adquirir o estatuto de mega star. Teve uma infância difícil, onde a música funcionou como um género de escape. Aprendeu a tocar guitarra, mais tarde saxofone, e acabou por se juntar à banda de R&B, David Jones and the King Bees.
David Jones é o nome de família de David Bowie, que acabou por deixar para trás, em 1966, com o intuito de não ser confundido com o vocalista da banda norte-americana The Monkees, Davy Jones, que então se tornara internacionalmente conhecido.
Descontente com a falta de sucesso da banda onde estava inserido, Bowie largou o projecto e aventurou-se na edição do seu primeiro álbum a solo, "The World Of David Bowie", em 1967, com o qual o músico não viu melhor sorte. Desiludido, deixou a música, mas acabou por regressar, dois anos mais tarde, com o single "Space Oddity", que deu título ao álbum editado no mesmo ano. Na base desse regresso está Angela Barnet, com quem viria a casar anos mais tarde. A senhora tinha um amigo na Mercury Records, a quem pediu para ouvir a música do cantor e o resto é previsível.
David Bowie é destaque no Barco Ancorado desta sexta-feira, a propósito do seu 62º aniversário.

O sucesso alcançado com “Space Oddity” provocou em Bowie uma motivação tal, que o músico começou a editar discos todos os anos, às vezes até mais do que um por ano, sem dar ao público tempo suficiente para digerir o grande conteúdo dos álbuns.
Em 1970, surgia "The Man Who Sold the World", que levou Bowie aos EUA com o objectivo de promover o disco. No ano seguinte, era a vez de "Hunky Dory", uma espécie de disco homenagem a Bob Dylan e Andy Warhol, ao qual sucedeu o emblemático "The Rise and Fall of Ziggy Stardust".
A edição regular do "Camaleão" e as suas personagens prosseguiram com "Aladdin Sane" e "Pin-Ups", ambos de 1973; depois, foi a vez de "Diamond Dogs", "Young Americans" e a trilogia berlinense, "Station to Station", "Low" e "Heroes".
Ainda nesse ano, Bowie enveredou pela arte cinematográfica, tendo participado em "The Man Who Fell To Earth", e em 1979 retomava as edições discográficas com "Lodger", disco que ganhou forma sob a direcção do mestre da electrónica Brian Eno.

Chegava a década de 80, e Bowie conquistava uma nova legião de fãs com o álbum «Let's Dance», mas a popularidade que conquistara ao longo de vários anos decresceu quando os álbuns seguintes, "Tonight" e "Never Let Me Down", não foram muito bem acolhidos pelo público. No entanto, o cantor remediou a situação com grandiosas apresentações ao vivo dos discos incluídas na digressão "Glass Spider" que, de acordo com alguns boatos, custou cerca de vinte milhões de dólares.
Com o aproximar da década de 90, Bowie abandonou a carreira a solo e formou o quarteto Tin Machine que, após o lançamento de dois álbuns homónimos em 1989 e 1991, interrompeu a actividade, tendo o músico retomado o projecto a solo. Editou em 1993«Black Tie White Noise» e, dois anos depois, voltava a contar com a colaboração de Brian Eno, desta vez para o álbum «Outside». Nenhum dos trabalhos conseguiu grande volume de vendas, no entanto, o talento de Bowie não era posto em causa, como confirmavam os seus espectáculos. Na digressão de apresentação de «Outside», o músico contou com a participação dos Nine Inch Nails, incluídos no concerto com o objectivo de atrair a atenção do público mais jovem. O que Bowie não esperava era que o público em questão abandonasse o recinto após a actuação dos Inch Nails...

«Earthling» (1997), dominado por sonoridades drum n' bass e tecno, recebeu grandes elogios por parte da crítica, mas voltou a não convencer o público, suscitando até apreciações negativas por parte dos fãs da música tecno.
Em 1999, surgiu «Hours...», um álbum despido de artifícios, no qual o músico parece ter absorvido todas as influências que marcaram a sua carreira. Três anos depois, no mês de Junho, Bowie regressa aos escaparates com novo trabalho de originais, intitulado "Heathen".
Em Outubro de 2002 foi editado um álbum de revisão de carreira, "Best of Bowie", com 38 temas, sucedido por uma edição em DVD, onde foram incluídos todos os telediscos da carreira de Bowie.
Depois do aclamado álbum "Reality" (de 2003), David Bowie vive um invulgar hiato que dura há mais de 5 anos.

Pavement

Os Pavement podem vir a reunir-se este ano. De acordo com declarações do guitarrista Scott Kannberg à revista Loud and Quiet, a banda de 'Range Life' não coloca de lado o regresso mas não promete que seja nos próximos tempos.
O guitarrista revelou ainda que os organizadores do festival de Coachella têm estado em contacto com a banda para uma possível presença no evento.
Além dos Pavement, também os regressados Blur são apontados para a edição de 2009 do maior festival de música da Califórnia, a ter lugar entre 17 e 19 de Abril.
A confirmar-se a reunião de Stephen Malkmus e companhia seria a primeira vez que os Pavement se juntam para tocar desde 1999.

Os mais fiéis fãs do grupo que só trouxera novidades à música nova americana desde 1989, não queriam acreditar que o tal álbum chamado "Terror Twillight" fosse mesmo o último. O grupo chamava-se Pavement e editava em 1999 o derradeiro disco de originais. O que se passava na cabeça dos mentores do grupo ficou bem patente quando os Pavement, no seu último concerto em Londres, apareceram com o vocalista Stephen Malkmus algemado ao microfone e berrando "...isto é o que sentimos quando pertencemos a uma banda."
Este mesmo Stephen e Scott Kannberg fundaram os Pavement à beira do início da década de 90 em Stockton, gravando o primeiro single, "Slay Tracks", no único estúdio disponível no local e com a colaboração do dono do estúdio na bateria. Scott (que durante a gravação se rebaptizou Spiral Stairs) voltou à loja de discos punk onde trabalhava e Malkmus viajou até à Alemanha onde, para sua surpresa, encontrou o seu single nas importações. Nasciam os Pavement.

A carreira de dez anos foi bem cheia de eventos. Editaram 5 álbuns, umas boas dezenas de singles, calcorrearam o mapa dos Estados Unidos da América com a sua música descomprometida, desgarrada, inovadora, saíram também para o mundo, tendo fatalmente falhado um palco português, chegaram a gravar o single "Cut your hair" em pleno show de Jay Leno e ganharam certamente forte notoriedade no circuito das Universidades.
Depois acabaram... muita gente adiantou zangas, mas tudo indica que foi principalmente o cansaço a causa principal, ou não viesse claramente numa informação da editora Domino que o grupo parava a partir de 2000 para reflectir, refazer vidas e constituir famílias ou mesmo para velejar placidamente à volta do Mundo.

No entanto não é de ignorar que as críticas a "Terror Twillight" lhes desagradaram ao ponto de declararem: “após dez anos os nossos discos começaram a ser criticados por putos que não cresceram connosco ou por tipos que já não são novos o suficiente para perdoarem o ainda andarmos por cá!"
Stephen Malkmus foi o primeiro a reaparecer a solo e a conseguir resultados de exposição e vendas iguais ou superiores aos conseguidos pelos Pavement.
Agora, o Scott que se chama Spiral Stairs e que voltou para a sua Califórnia, aparece com o seu projecto Preston School Of Industry.

Heath Ledger no Céu e Kate Winslet na Terra

Slumdog Millionaire papou 4 estatuetas, incluindo Melhor Filme Dramático e Melhor Diretor (Danny Boyle), no antepasto chamado Globo de Ouro, quando as atenções estavam voltadas para O Curioso Caso de Benjamin Button, de David Fincher, que acabou saindo de mãos vazias.

Tem nada não. Por mais que Slumdog Millionaire seja maravilhoso (e deve ser), Benjamin Button não precisa de prêmios para seguir em frente. Nessa indústria, Slumdog é visto como um filme pequeno e um reconhecimento desse calibre só leva o público ao cinema pra ver uma jóia rara assim. Foi o caso nos anos anteriores de Pequena Miss Sunshine e Juno. Mas, enfim, não quero julgar antes de conferir os filmes de Danny Boyle e David Fincher. Ambos estarão na lista do Oscar, que sai dia 22, e esse parágrafo foi só para acalmar os fãs de Fincher, o genial diretor de Seven e Clube da Luta.

Um emocionado Martin Scorsese entregou a Steven Spielberg um prêmio pelo conjunto de sua extraordinária obra. Rever as cenas dos filmes de Steven foi de encher os olhos. Para mim, o ponto alto da festa, claro. Não consegui me conter diante da influência emocional que levei para toda a vida deste mestre. A transmissão mostrou cenas e músicas de E.T., A Lista de Schindler, A Cor Púrpura, as aventuras de Indiana Jones, De Volta Para o Futuro, entre tantos outros filmes assinados por Steven como diretor e produtor. O mestre ainda comentou suas origens como cinéfilo (e cineasta), quando seu pai o levou para ver O Maior Espetáculo da Terra, em 1952. Naquela época, Steven entrou no cinema à tarde e saiu à noite. Impressionado, pensou que os filmes fossem capazes de transformar o dia em noite. Fantástico! Isso é Steven Spielberg!

Mas, continuando, a eterna figuraça chapada do Mickey Rourke ganhou como Melhor Ator Dramático, por O Lutador. Meu amigo de Coração Satânico andava por baixo, mas como ninguém se leva a sério mesmo, não faz mal algum dar um Globo de Ouro para reconhecer o esforço de um ídolo dos anos 80 em dar a volta por cima. Se Gwyneth Paltrow tem um Globo, Mickey Rourke também merece.

Em 2007, Daniel Day-Lewis entregou a maior atuação masculina, por Sangue Negro, e foi premiado com o Globo e o Oscar. Para mim, Heath Ledger (vivo ou morto) não poderia deixar de ganhar pelo melhor trabalho de um ator em 2008. Justiça foi feita. Esteja onde estiver, essa estatueta é sua, meu amigo. O Coringa de Batman - O Cavaleiro das Trevas levou o Globo de Ouro de Ator Coadjuvante, mas quem subiu ao palco para receber a honra em nome de Heath Ledger foi o diretor Christopher Nolan, estupidamente ignorado em sua categoria.

Agora, a noite foi mesmo de Kate Winslet. Indicada e derrotada desde sempre, Kate foi à forra. Disputou duas indicações: Melhor Atriz Dramática, por Apenas um Sonho, do maridão Sam Mendes, e Melhor Atriz Coadjuvante, por O Leitor, novo filme do diretor Stephen Daldry, de As Horas. E não é que a guria levou as duas? Emocionada, ela ainda pediu desculpas a Meryl Streep por derrotá-la. Quer saber? Meryl nem ligou e tenho certeza de que ela está muito feliz por ver Kate Winslet brilhando, ainda jovem com seus 33 aninhos. Meryl deve saber que Kate é uma de suas sucessoras. Isso é um alívio. É sinal de que estamos em boas mãos. Ainda não vi Apenas um Sonho e O Leitor, mas ela mereceu. E xingo quem discordar.

No mais, destaque para a vitória de WALL-E como Melhor Animação, mas essa até nossas vovós sabiam. Imaginem só se WALL-E perde o Globo de Ouro? Cara, eu saio nas ruas como homem-bomba. Também gostei muito de ver o grande Bruce Springsteen levando o prêmio de Melhor Canção. Fora Jonas Brothers! Crianças, ouçam Bruce Springsteen!


Confira os vencedores de cinema abaixo:

Melhor Filme (Drama)
Slumdog Millionaire

Melhor Filme (Comédia/Musical)
Vicky Cristina Barcelona

Melhor Diretor
Danny Boyle • Slumdog Millionaire

Melhor Roteiro
Slumdog Millionaire

Melhor Filme Estrangeiro
Waltz with Bashir • Israel

Melhor Ator (Drama)
Mickey Rourke • O Lutador

Melhor Atriz (Drama)
Kate Winslet • Apenas um Sonho

Melhor Ator (Comédia/Musical)
Colin Farrell • Na Mira do Chefe

Melhor Atriz (Comédia/Musical)
Sally Hawkins • Simplesmente Feliz

Melhor Ator Coadjuvante
Heath Ledger • Batman - O Cavaleiro das Trevas

Melhor Atriz Coadjuvante
Kate Winslet • O Leitor

Melhor Trilha Sonora
Slumdog Millionaire

Melhor Canção
The Wrestler, de Bruce Springsteen • O Lutador

Melhor Animação
WALL-E

in Hollywoodiano

Radiohead em Vinil

Os Radiohead estão mesmo de regresso ao vinil. No ano passado viram alguns dos seus álbuns reeditados no velho suporte. Este ano é a vez dos singles. 12 singles da banda vão ser reeditados, numa prensagem limitada em vinil, a 21 de Abril. Os títulos escolhidos para esta campanha de reedições são: Drill, Creep, My Iron Lung, Just, Fake Plastic Trees, High And Dry, Street Spirit (Fade Out), Paranoid Android, Karma Police, No Surprises, Pyramid Song, There There e 2+2=5.

New york e Lou Reed 20 anos depois

Os anos 80 não foram fáceis para muitos dos heróis rock’n’roll de 60. Lou Reed não foi excepção. Manteve permanente actividade ao longo da década, lançando uma série de álbuns, nenhum deles contudo particularmente marcante, nem mesmo bem sucedido junto do público. A “sorte” mudou em 1989, quando fez da sua cidade tema (e título) para aquele que se revelaria não apenas um momento de renascimento, mas até um dos mais interessantes álbuns da sua discografia a solo. O disco promove um reencontro de Lou Reed com rotas e destinos que a sua música vivera em inícios de 70. Não apenas num reencontrar com linguagens primordiais do rock’n’roll, como na construção de um ciclo de canções com uma linha narrativa, juntas sugerindo um retrato conceptual que, como o próprio anunciou na altura, se acompanham da primeira à última canção como quem lê um livro. O álbum chamou-se New York e foi editado a 10 de Janeiro de 1970. Há precisamente 20 anos. in sound+vision

Dirty Boulevard

Peixe:Avião

Penso que é a primeira vez que "promovo" a música portuguesa, não por falta de valor, mas por viver mais a música na língua de Shakespeare...
Peixe:avião é uma banda portuguesa com um primeiro disco que considero excelente. Pessoalmente acho-os muito Ornatos Violeta ( e isto é bom) tendo em conta que para mim são a melhor banda portuguesa dos últimos 20 anos. Mas, quem sou eu para achar seja o que for... aliás até dizem que são os Radiohead portugueses... e quem o diz é Adolfo Luxúria Canibal e é dele o texto que se segue.

"Aqueles com memória mais curta serão tentados a ouvir em peixe : avião ecos de Radiohead e eles estão lá, efectivamente, mas enquanto herança de uma linhagem muito mais antiga, com genealogia nos pergaminhos de Canterbury e no rock progressivo dos primeiros Pink Floyd de Syd Barrett e dos Van Der Graaf Generator de Peter Hammill, passando pelo krautrock dos Faust ou dos Neu!. Mas se a estirpe é identificável, o que faz a singularidade de peixe : avião é a portugalidade que irradia, como se de repente tudo o que nos habituamos a associar à alma portuguesa, a melancolia dos seus poetas, o singelo das pequenas coisas, se cristalizasse em sons e palavras. Esqueçam o fado como Amália o popularizou e é macaqueado de Portugal ao Japão: o novo fado do século XXI é peixe : avião!
Nada disto faz sentido, decerto, numa lógica estritamente científica ou numa abordagem puramente musicológica e, no entanto… faz todo o sentido!!! peixe : avião é um milagre! É um milagre na sua génese, na maneira como cinco desconhecidos, que mal se conhecem ou desconhecem de todo, vindos de diferentes áreas e diferentes bandas, de imediato se completam e dão corpo, numa espécie de geração espontânea, a uma obra única, de marcada identidade e sensibilidade; e é um milagre a música em si, o modo como a tristeza, o tédio, o abatimento, a espera, o cândido são adornados com a banda sonora perfeita e absoluta e cantados pela notável e estranha poesia de Ronaldo Fonseca, numa união imaculada e magnífica. Como se peixe : avião sempre tivesse existido algures no limbo da nossa inconsciência, na maresia das tardes de Verão, na aragem trazida pelas primeiras chuvas, e esperasse a junção dos vocábulos para tomar forma. Nesse sentido, nunca um nome espelhou tão perfeitamente o objecto que designa. Porque nunca a dissemelhança foi tão harmoniosamente enlaçada na criação do novo como acontece com peixe : avião.
Há muito – demasiado – tempo que não somos surpreendidos por uma obra musical. Nada de espantar, porquanto os milagres e o sublime só acontecem muito raramente… Mas quando temos o privilégio de viver um momento desses, como é o caso com a audição de “40 . 02” de peixe : avião, só podemos regozijar-nos e espalhar a boa nova pelos quatro cantos da terra. É o que eu faço e o convido a fazer: entre no mundo maravilhoso de peixe : avião, deixe-se mergulhar nas correntes aéreas deste oceano desconhecido, desfrute da viagem pelas profundezas da brisa outonal e vai ver que também vai sentir esta alegria, esta fé resplandecente na capacidade humana para produzir o belo que só as grandes obras conseguem gerar." Adolfo Luxúria Canibal

Mais palavras para quê... vale a pena ouvir!

"a espera é um arame"

Changeling ~ Angelina Jolie ~ Los Angeles ~ 1928

Apresentado no Festival de Cannes de 2008 como The Exchange, o filme de Clint Eastwood sobre o caso de uma criança raptada em Los Angeles, em 1928, acabou por ser lançado com o título que o realizador escolhera: Changeling — entre nós: A Troca. Não é um mero detalhe, uma vez que o termo "changeling" remete para uma ideia de troca (de crianças) que pode ter tido uma intervenção mais ou menos fantástica, ou mesmo para um ser de fábula. Como se a realidade fosse, afinal, o reflexo de uma lógica que transcende o seu próprio... "realismo".
Assim é, de facto, nesta história de uma mãe que não aceita a criança que lhe "devolvem" — porque, na verdade, não é o seu filho — acabando por ser internada como doente mental. Eastwood filma o próprio trabalho do poder (policial e político) no sentido de impor uma definição unilateral da realidade e, no limite, uma lógica determinista para o funcionamento da polis: A Troca é também um dos mais belos filmes que já se fizeram sobre a cidade de Los Angeles (fazendo lembrar, em alguns aspectos da sua estrutura labiríntica, o Chinatown, de Roman Polanski, lançado em 1974, e cuja acção, em meados da década de 30, é mais ou menos contemporânea do período em que decorre o capítulo final de A Troca).
A composição de Angelina Jolie na personagem da mãe prova duas coisas distintas, mas eventualmente complementares: primeiro, que a noção de retrato psicológico não se perdeu nas abstracções de efeitos mais ou menos especiais; segundo, que o realismo mais carnal pode ser o princípio de uma dimensão visceralmente trágica.
>>> Sobre o termo "changeling".
>>> Los Angeles nos anos 1913/41.
>>> Sobre Clint Eastwood.
>>> Alto Comissariado das Nações Unidas para os Refugiados: página de Angelina Jolie.
>>> Site oficial do filme

The Curious Case of Benjamin Button

Mais um belíssimo poster saído da fábrica de "The Curious Case of Benjamin Button". O filme, que tem despertado paixões e ódios na crítica norte-americana, tem data de estreia marcada para dia 15 de Janeiro, num dos filmes mais aguardados do ano. Ou não fosse uma obra saída da criatividade visual de David Fincher, artesão por detrás de obras como "Se7en" (1995), "Fight Club" (1999) ou "Zodiac" (2007). Aguardemos...

Quais os mais aguardados em 2009?

Em início de ano lançamos aqui novo desafio. Quais são os discos e os filmes mais esperados entre os que estão já na agenda dos primeiros meses do ano? Comecemos pelos discos, aqui ordenados alfabeticamente, juntando na mesma lista edições nacionais e internacionais.

Animal Collective

Antony & The Johnsons

Bruce Spingsteen

Depeche Mode

Doismileoito

Franz Ferdinand

Os Golpes

Massive Attack

Morrissey

U2

E depois dos discos, os filmes, todos eles já com data de estreia em Portugal nos primeiros meses do ano. Tal como os discos, aqui se apresentam em ordem alfabética:

Anjos e Demónios, de Ron Howard

Che: Guerrilha, de Steven Soderbergh

O Estranho Caso de Benjamin Button, de David Fincher ( estou curioso em relação a este)

Frost/Nixon, de Ron Howard

Gran Torino, de Clint Eastwood

Man On Wire, de James Marsh

Milk, de Gus van Sant

Revolutionary Road, de Sam Mendes

Slumdog Millionaire, de Danny Boyle

The Wrestler, de Darren Aronovsky

in sound+vision

kurt... abre lá o ano!

Uma guitarra alegadamente partida em palco pelo desaparecido líder dos Nirvana, Kurt Cobain, foi vendida em leilão por cerca de 72 mil euros.
A Fender Mustang remendada com fita-cola estava na posse do músico Sluggo, dos The Grannies and Hullabaloo, que trocou uma guitarra sua pela de Cobain, depois do vocalista a ter partido e não ter dinheiro suficiente para a substituir na primeira digressão americana dos Nirvana, em New Jersey.

O hábito de partir instrumentos em palco foi uma das grandes marcas em concerto do mentor do trio de Seattle, levando a que muitas das suas guitarras sejam hoje apenas pedaços de madeira separados. A última guitarra do músico a ser vendida em leilão, uma Mosrite Gospel Mark IV ainda em condições de ser tocada, rendeu cerca de 93.500 euros, naquela que foi até agora a venda mais lucrativa de sempre de um item possuído por Cobain.

O artigo mais valorizado do espólio do músico são os casacos usados pelo compositor ao longo da sua curta vida, nomeadamente o famoso casaco de malha cinzento que envergou no célebre concerto MTV Unplugged em 1993. É a própria viúva do músico, Courtney Love, quem os está a leiloar, num valor base que atinge os 40 milhões de dólares, mais de 28 milhões de euros.

Tenho Saudades deste tipo.