Frase do dia

"The 60´s are gone, dope will never be as cheap, sex never as free, and the rock and roll never as great...."

When You're Strange (part I)

About the Film

Following a prestigious festival run, WHEN YOU’RE STRANGE: A FILM ABOUT THE DOORS will receive a theatrical release in select markets on Friday, April 9. The crowd-pleasing documentary has been featured at the Sundance, Berlin, Deauville and San Sebastian Film Festivals and most recently played to sold-out shows at the Santa Barbara Film Festival.
Produced by Wolf Films/Strange Pictures, in association with Rhino Entertainment, and released by Abramorama, the 90-minute film is the first feature documentary about The Doors.
“They say if you remember the ‘60s you weren’t there,” said producer Dick Wolf. “I can state definitively that one of the things I do remember is buying THE DOORS first album the day it came out and then listening to it about ten or twelve times in a row. Both sides. Every song. I’ve been a fan ever since. This movie is the story of the band but it is also an insight into a moment in time that will never be repeated.”
WHEN YOU’RE STRANGE uncovers historic and previously unseen footage of the illustrious rock quartet and provides new insight into the revolutionary impact of its music and legacy. Directed by award-winning writer/director Tom DiCillo and narrated by Johnny Depp, the film is a riveting account of the band’s history.
Said Depp, “Watching the hypnotic, hitherto unreleased footage of Jim, John, Ray and Robby, I felt like I experienced it all through their eyes. As a rock n’ roll documentary, or any kind of documentary for that matter, it simply doesn’t get any better than this. What an honor to have been involved. I am as proud of this as anything I have ever done.”
The film reveals an intimate perspective on the creative chemistry between drummer John Densmore, guitarist Robby Krieger, keyboardist Ray Manzarek and singer Jim Morrison — four brilliant artists who made The Doors one of America’s most iconic and influential rock bands. Using footage shot between the band’s 1965 formation and Morrison’s 1971 death, WHEN YOU’RE STRANGE follows the band from the corridors of UCLA’s film school, where Manzarek and Morrison met, to the stages of sold-out arenas.
Shortly before the film’s theatrical release, its soundtrack will be available March 30 and features 13-songs chronicling The Doors’ six landmark albums with studio versions of classic tracks mixed with legendary live cuts including performances from The Ed Sullivan Show and The Isle Of Wight Festival.
The film is produced by Wolf Films/Strange Pictures, in association with Rhino Entertainment, and released by Abramorama. Additional credits for WHEN YOU’RE STRANGE include producers Dick Wolf, John Beug, Jeff Jampol, and Peter Jankowski. The film is written and directed by Tom DiCillo (“Johnny Suede,” “Living in Oblivion”). Narrated by Johnny Depp.

When You're Strange (part II)

About the Doors

With an intoxicating, genre-blending sound, provocative and uncompromising songs, and the mesmerizing power of singer Jim Morrison’s poetry and presence, The Doors had a transformative impact not only on popular music but on popular culture.
The Doors’ arrival on the rock scene in 1967 marked not only the start of a string of hit singles and albums that would become stone classics, but also of something much bigger – a new and deeper relationship between creators and audience. Refusing to be mere entertainers, the Los Angeles quartet relentlessly challenged, confronted and inspired their fans, leaping headfirst into the heart of darkness while other bands warbled about peace and love. Though they’ve had scores of imitators, there’s never been another band quite like them. And 40 years after their debut album, The Doors’ music and legacy are more influential than ever before.
Morrison’s mystical command of the frontman role may be the iconic heart of The Doors, but the group’s extraordinary power would hardly have been possible without the virtuosic keyboard tapestries of Ray Manzarek, the gritty, expressive fretwork of guitarist Robby Krieger and the supple, dynamically rich grooves of drummer John Densmore. From baroque art-rock to jazz-infused pop to gutbucket blues, the band’s instrumental triad could navigate any musical territory with aplomb – and all three contributed mightily as songwriters.
The group was born when Morrison and Manzarek – who’d met at UCLA’s film school – met again, unexpectedly, on the beach in Venice, CA, during the summer of 1965. Though he’d never intended to be a singer, Morrison was invited to join Manzarek’s group Rick and the Ravens on the strength of his poetry. Krieger and Densmore, who’d played together in the band Psychedelic Rangers, were recruited soon thereafter; though several bassists auditioned of the new collective, none could furnish the bottom end as effectively as Manzarek’s left hand. Taking their name from Aldous Huxley’s psychotropic monograph The Doors of Perception, the band signed to Elektra Records following a now-legendary gig at the Whisky-a-Go-Go on the Sunset Strip.
Their eponymous first album, released in January 1967, kicked off with “Break on Through (to the Other Side)” and also featured the chart smash “Light My Fire”, the scorching “Back Door Man” and the visionary masterpiece “The End”. The Doors arrived fully formed, capable of rocking the pop charts and the avant-garde with one staggering disc. Before ‘67 was over, they’d issued the ambitious follow-up Strange Days, with such gems as “Love Me Two Times”, “People Are Strange” and “When the Music’s Over”.
Next came 1968’s Waiting for the Sun, boasting “Hello, I Love You”, “Love Street” and “Five to One”. Over the next few years they minded over new territory on such albums as 1969’s The Soft Parade (featuring “Touch Me” and “Tell All the People”), 1970’s Morrison Hotel (which includes “Roadhouse Blues”, “Peace Frog” and “Queen of the Highway”) and 1971’s L.A. Woman (boasting “Rider’s on the Storm”, “Love Her Madly” and the title track).
They released six studio albums in all, as well as a live album and a compilation, before Morrison’s death in 1971. their electrifying achievements in the studio and onstage were unmatched in the annals of rock; and though Morrison’s death meant the end of an era, Manzarek, Krieger and Densmore collaborated on two more original Doors albums, Other Voices and Full Circle, and a set of tracks they composed to accompany Morrison’s 1969 recording of his poetry, released in 1978 as An American Prayer. They also pursued individual music projects, books, theatrical productions and other enterprises – and remain restlessly creative to this day.
In the decades since the Doors’ heyday, the foursome has loomed ever larger in the pantheon of rock – and they remain a touchstone of insurrectionary culture for writers, activists, visual artists and other creative communities. Their songs, featured in an ever-increasing number of films, TV shows, video games and remixes, always sound uncannily contemporary. No matter how the musical and cultural tides turn, The Doors will always be ready to help a new wave of listeners break on through to the other side.

Noel Gallagher a solo

O homem que empurrou Noel Gallagher (na foto) dos Oasis durante um concerto em Toronto, Canadá, foi condenado a 12 meses de prisão domiciliária.Apesar de se dar como culpado, Daniel Sullivan, de 48 anos, comentou em tribunal que não se lembrava do sucedido devido ao seu elevado estado de embriaguez. Desorientado ou não, a verdade é que Sullivan não só passou a apertada segurança do Virgin Festival, como teve a clareza suficiente para subir a palco e empurrar Gallagher. Uma queda aparatosa que levou a que o guitarrista fosse admitido no hospital com três costelas partidas.
O músico britânico, impossibilitado de comparecer em tribunal devido à sua agenda agora que se está a lançar como artista a solo, escreveu um testemunho onde contou como se sentiu naquele momento: «acabei no chão. Parecia que tinha sido atropelado por um autocarro».

Plastic Ono Band

John Lennon era, dos quatro elementos dos Beatles, o que mais extensa obra a solo tinha já editada quando a notícia da separação do grupo chegou ao grande público. A sua discografia contava já com três álbuns de música experimental, um gravado ao vivo em Toronto em 1969 e três singles, entre os quais Give Peace a Chance e Instant Karma, transformados já em casos de êxito com expressão global. Em finais de 1970 foi contudo o último ex-Beatle a editar um álbum pop/rock. Mas fê-lo em nome da Plastic Ono Band, na verdade uma entidade colectiva sem formação fixa onde passaram, além de Lennon e Yoko Ono, figuras como Eric Clapton, Klaus Voorman ou os também ex-Beatles George Harrison e Ringo Starr. Plastic Ono Band, o álbum, é um disco de palavras duras e directas, acentuando o espírito crítico que Lennon tinha já revelado em canções dos Beatles ou já em gravações a solo. O disco nasce na sequência de uma etapa na vida de Lennon na qual o músico se sujeitou à chamada “primal therapy”, através da qual se confontou com episódios difíceis do passado, os seus ecos emergindo no presente, reflectindo-se assim na sua criação artística.

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Então... bom apetite Julie

Era o filme que poderia ter dado, finalmente, um terceiro Oscar a Meryl Streep. E devia! Mas assim não foi. O que não secundariza o facto de Julie & Julia representar mais um momento significativo na filmografia daquela que, mesmo com mais nomeações que Oscares, é certamente um dos nomes do cinema do nosso tempo que a história nunca poderá esquecer.

Meryl Streep dá aqui mais uma verdadeira lição de versatilidade enquanto actriz ao vestir a pele de Julia Child, a maior “estrela” tele-culinária da televisão norte-americana, grande responsável pela divulgação da cozinha francesa ao grande público americano, feito que começou a ganhar forma nas páginas do livro Mastering The Art Of French Cooking (editado em 1961) e depois ganhou ainda maior visibilidade via TV. O filme evoca o momento em que Julia Child descobre o gosto pela culinária numa etapa da sua vida, no pós-guerra, durante a qual reside em França.
A ponte com o presente faz-se em paralelo com a história (também verídica) do blogue de Julie Powell, uma nova-iorquina que, em 2002, resolveu relatar num bogue o desafio de recriar todas as mais de 500 receitas do livro de Julia Childs. Assinado por Nora Ephron, Julie & Julia anda num pingue pongue entre duas épocas, ora recordando a “odisseia” de Julia Child ora revelando aos poucos como as suas receitas tomaram conta do dia a dia de uma empregada de um call-center cujo blogue funcinou como uma espécie de agulheiro, mudando para sempre a sua linha de vida. Com ingredientes “clássicos” – sobretudo aqueles que fazem histórias de sucesso inesperado pela força da dedicação – Julie & Julia é mais um exemplo de uma curiosa relação do cinema com a culinária (a Berlinale já dedica uma selecção de títulos ao tema) e, sobretudo, mais um espantoso trabalho de interpretação de Meryl Streep.

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Cannes 2010

Será, por certo, uma das edições de Cannes com menos títulos a concorrer para a Palma de Ouro: a 62ª edição do festival (12/23 de Maio) contará com apenas 16 filmes na secção competitiva. São eles:- Tournée, de Mathieu Amalric (França)- Des Hommes et des Dieux, de Xavier Beauvois (França)- Hors la Loi, de Rachid Bouchareb (Argélia)- Biutiful, de Alejandro Gonzalez Iñarritu (México)- Un Homme qui Crie, de Mahamat-Saleh Haroun (Chade)- Housemaid, de Im Sangsoo (Coreia do Sul)- Copie Conforme, de Abbas Kiarostami (Irão)- Outrage, de Takeshi Kitano (Japão)- Poetry, de Lee Chan-dong (Coreia do Sul)- Another Year, de Mike Leigh (Inglaterra)- Fair Game, de Doug Liman (EUA)- You My Joy, de Sergei Loznitsa (Ucrânia)- La Nostra Vita, de Daniele Luchetti (Itália)- Utomlyonnye Solntsem 2, de Nikita Mikhalkov (Rússia)- La Princesse de Montpensier, de Bertrand Tavernier (França)- Long Boonmee Raleuk Chaat, de Apichatpong Weerasethakul (Tailândia)Alguns dos autores que eram apontados como hipóteses na selecção oficial, confirmam-se, mas extra-competição. É o caso de Woody Allen (You Will Meet a Tall Dark Stranger) e Oliver Stone (Wall Street 2), além do já anunciado Robin Hood, de Ridley Scott, filme oficial de abertura.Nomes grandes estão também na secção "Un Certain Regard": Manoel de Oliveira, com O Estranho Caso de Angélica, e Jean-Luc Godard, com Socialisme.Entretanto, foi também divulgada a constituição do júri oficial. Além do cineasta americano Tim Burton, já conhecido como presidente, surgem ainda: Alberto Barbera (director do Museu Nacional do Cinema italiano), Kate Beckinsale (actriz britânica), Emmanuel Carrère (escritor, argumentista e realizador francês), Benicio Del Toro (actor americano), Victor Erice (realizador espanhol), Shekhar Kappur (realizador, actor e produtor indiano) e Giovanna Mezziogiorno (actriz italiana).

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Andy Warhol Covers' Part V

Mais uma incursão do traço de Andy Warhol pelos universos do jazz. Datado de 1955, o álbum Trombone By Three junta os trombonista Jay Jay Johnson, Kai Winding e Bennie Green. Em meados dos anos 50 Johnson e Winding chegaram a gravar uma série de discos em conjunto, assinando também uma série de digressões que chegaram a visitar palcos europeus.
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The National de mãos largas

Os National estão a oferecer através de download gratuito o novo tema, 'Afraid of Everyone'. Para descarregar a canção basta seguir um link do site da Pitchfork.'Afraid of Everyone' serve de avanço para "High Violet" (capa na imagem), o novo disco do grupo dos irmãos Aaron e Bryce Dessner. O álbum chega às lojas no dia 10 de Maio.
A nova edição serve também de pretexto para o regresso dos National ao nosso país. O concerto está marcado para o dia 18 de Julho, no Super Bock Super Rock, que este ano se deslocou para o Meco. Os bilhetes diários para o festival custam 40 euros.'Terrible Love', 'Bloodbuzz Ohio' e 'Vanderlyle Crybaby Geeks' são outros dos temas do alinhamento do novo disco de uma banda que há poucos anos atrás actuou no Festival Manta, no Centro Cultural Vila Flor.

Andy Warhol Covers Part IV

Quando se fala na relação de Andy Warhol com os Rolling Stones a capa de Sticky Fingers é habitualmente o primeiro exemplo a ser citado. Porém houve um outro instante de colaboração. E chegou em 1977 com Love You Live, álbum ao vivo cuja capa (e interior) apresenta uma série de imagens assinadas por Warhol.

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Os discos de Beck

Beck continua a apresentar, ao ritmo de uma canção por semana, no seu Record Club, a sua visão (mais dos seus convidados) ao álbum Kick, dos INXS. Esta semana colocou online uma versão para o tema Devil Inside.

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Dede Allen ( 1923 - 2010)

Morreu um dos génios da história da narrativa cinematográfica — Dede Allen, responsável pela montagem de filmes como Bonnie e Clyde (1967), de Arthur Penn, Um Dia de Cão (1975), de Sidney Lumet, e Reds (1981), de Warren Beatty, faleceu na sua casa de Los Angeles, contava 86 anos.
Depois de alguns anos como assistente de montagem nos estúdios da Columbia, teve a sua primeira grande oportunidade com Homens no Escuro/Odds Against Tomorrow (1959), de Robert Wise — além do mais, era uma colaboração que estabelecia uma ponte simbólica com o arranque da modernidade em Hollywood, já que Wise colaborara com Orson Welles na montagem de O Mundo a Seus Pés/Citizen Kane (1941). Depois, trabalharia em dois títulos marcantes do começo da década de 60: A Vida É um Jogo/The Hustler (1961), de Robert Rossen, e América, América (1963), de Elia Kazan.
Bonnie e Clyde define uma ruptura essencial. Integrando algumas formas não lineares em parte colhidas nas experiências da Nouvelle Vague, sobretudo em Godard (os célebres jump cuts que quebravam os clássicos códigos de ligação entre os planos), Dede Allen assume-se como figura marcante de um novo entendimento da montagem. As colaborações com Penn e, depois, com Sidney Lumet, terão sido as mais marcantes — com o primeiro, assinou ainda a montagem de Alice's Restaurant (1969), O Pequeno Grande Homem/Little Big Man (1970), Um Lance no Escuro/Night Moves (1975) e Duelo no Missouri/The Missouri Breaks (1976); com o segundo, trabalhou em Serpico (1973) e Um Dia de Cão/Dog Day Afternoon (1975)
Com os seus elaborados contrastes entre a "lentidão" dos momentos de expectativa e a "velocidade" das sequências de vertiginosa acção física, Um Dia de Cão valeu-lhe a sua primeira nomeação para os Oscars. O prodigioso trabalho em Reds (1981), em colaboração com Craig McKay, é revelador do alcance da arte de Dede Allen: não apenas novos conceitos para a construção interna das cenas, mas toda uma reinvenção das matrizes rítmicas e dramáticas herdadas do romanesco clássico — em baixo, podemos rever a notável construção da cena, próximo do final, do reencontro de Louise Bryant (Diane Keaton) e John Reed (Warren Beatty). Reds trouxe-lhe a segunda nomeação para os Oscars e Prodígios/Wonder Boys (2000), de Curtis Hanson, a terceira — nunca ganhou.
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Andy Warhol

http://www.warholfoundation.org/ no título do post : on the post title

Andy Warhol nasceu em Pittsburgh, Pensilvânia.[1] Era o quarto filho de Ondrej Warhola e Ulja, cujo primeiro filho nasceu na sua terra natal e morreu antes de sua migração para os Estados Unidos. Seus pais eram imigrantes da classe operária originários de Mikó (hoje chamada Miková), no nordeste da Eslováquia, então parte do Império Austro-Húngaro. O pai de Warhol emigrou para os E.U. em 1914 e sua mãe se juntou a ele em 1921, após a morte dos avós de Andy Warhol. Seu pai trabalhou em uma mina de carvão. A família vivia na Rua Beelen, 55, e mais tarde na Rua Dawson, 3252, em Oakland, um bairro de Pittsburgh.[2] A família era católica bizantina e frequentava a igreja bizantina de São João Crisóstomo em Pittsburgh. Andy Warhol tinha dois irmãos mais velhos, Ján e Pavol, que nasceram na atual Eslováquia. O filho de Pavol, James Warhola, tornou-se um bem sucedido ilustrador de livros para crianças.

Nos primeiros anos de estudo, Warhol teve coreia, uma doença do sistema nervoso que provoca movimentos involuntários das extremidades, que se acredita ser uma complicação da escarlatina e causa manchas de pigmentação na pele.[3] Ele tornou-se um hipocondríaco, desenvolvendo um medo de hospitais e médicos. Muitas vezes de cama quando criança, tornou-se um excluído entre os seus colegas de escola, ligando-se fortemente com sua mãe.[4] Às vezes quando estava confinado à cama, desenhava, ouvia rádio e colecionava imagens de estrelas de cinema ao redor de sua cama. Warhol depois descreveu esse período como muito importante no desenvolvimento da sua personalidade, do conjunto de suas habilidades e de suas preferências.

Aos 17 anos, em 1945, entrou no Instituto de Tecnologia de Carnegie, em Pittsburgh, hoje Universidade Carnegie Mellon e se graduou em design.

Logo após mudou para Nova York e começou a trabalhar como ilustrador de importantes revistas, como Vogue, Harper's Bazaar e The New Yorker, além de fazer anúncios publicitários e displays para vitrines de lojas. Começa aí uma carreira de sucesso como artista gráfico ganhando diversos prêmios como diretor de arte do Art Director's Club e do The American Institute of Graphic Arts.

Fez a sua primeira mostra individual em 1952, na Hugo Galley onde exibe quinze desenhos baseados na obra de Truman Capote. Esta série de trabalhos é mostrada em diversos lugares durante os anos 50, incluindo o MOMA, Museu de Arte Moderna, em 1956. Passa a assinar Warhol.

O anos 1960 marcam uma guinada na sua carreira de artista plástico e passa a se utilizar dos motivos e conceitos da publicidade em suas obras, com o uso de cores fortes e brilhantes e tintas acrílicas. Reinventa a pop art com a reprodução mecânica e seus múltiplos serigráficos são temas do cotidiano e artigos de consumo, como as reproduções das latas de sopas Campbell e a garrafa de Coca-Cola, além de rostos de figuras conhecidas como Marilyn Monroe, Liz Taylor, Elvis Presley, Che Guevara e símbolos icônicos da história da arte, como Mona Lisa. Estes temas eram reproduzidos serialmente com variações de cores.

Além das serigrafias Warhol também se utilizava de outras técnicas, como a colagem e o uso de materiais descartáveis, não usuais em obras de arte.

Em 1968, Valerie Solanas, fundadora e única membro da SCUM (Society for Cutting Up Men - Sociedade para eliminar os homens) invade o estúdio de Warhol e o fere com três tiros, mas o ataque não é fatal e Warhol se recupera, depois de se submeter a uma cirurgia que durou cinco horas. Este fato é tema do filme "I shot Andy Warhol" (Eu atirei em Andy Warhol), dirigido por Mary Harron, em 1996.

Warhol foi uma das pessoas mais chatas que já conheci, pois era do tipo que não tinha nada a dizer. Sua obra também não me toca. Ele até produziu coisas relevantes no começo dos anos 60. Mas, no geral, não tenho dúvidas de que é a reputação mais ridiculamente superestimada do século XX.

— Robert Hughes, crítico de arte, antigo cronista da revista Time, entrevista com a revista Veja, 25 de Abril de 2007.
Em 1987 ele foi operado à vesícula biliar. A operação correu bem mas Andy Warhol morreu no dia seguinte. Ele era célebre há 35 anos. De facto, a sua conhecida frase: In the future everyone will be famous for fifteen minutes (No futuro, toda a gente será célebre durante quinze minutos), só se aplicará no futuro, quando a produção cultural for totalmente massificada e em que a arte será distribuída por meios de produção de massa.

Andrew Warhola (August 6, 1928 – February 22, 1987), known as Andy Warhol, was an American painter, printmaker, and filmmaker who was a leading figure in the visual art movement known as pop art. After a successful career as a commercial illustrator, Warhol became famous worldwide for his work as a painter, avant-garde filmmaker, record producer, author, and public figure known for his membership in wildly diverse social circles that included bohemian street people, distinguished intellectuals, Hollywood celebrities and wealthy patrons.

Warhol has been the subject of numerous retrospective exhibitions, books, and feature and documentary films. He coined the widely used expression "15 minutes of fame." In his hometown of Pittsburgh, Pennsylvania, The Andy Warhol Museum exists in memory of his life and artwork.

The highest price ever paid for a Warhol painting is $100 million for a 1963 canvas titled Eight Elvises. The private transaction was reported in a 2009 article in The Economist, which described Warhol as the "bellwether of the art market." $100 million is a benchmark price that only Jackson Pollock, Pablo Picasso, Gustav Klimt and Willem de Kooning have achieved.[1]

Andy Warhol Covers' Part III

Foi em 1982 o segundo álbum de Diana Ross produzido pela cantora (salvo um tema, escrito e produzido por Michael Jackson). Silk Electric está longe de morar entre os títulos significativos na obra de Diana Ross, a sua mais interessante característica revelando-se logo na capa, criada por Andy Warhol.
fonte:http://sound--vision.blogspot.com/

The Smashing Pumpkins ~ To Forgive

to forgive

ten times removed
i forget about where it all began
bastard son of a bastard son of
a wild eyed child of the sun
and right as rain, i'm not the same but
i feel the same, i feel nothing
holding back the fool again
holding back the fool pretends
i forget to forget nothing is important
holding back the fool again
i sensed my loss
before i even learned to talk
and i remember my birthdays
empty party afternoons won't come back
holding back the fool again
holding back the fool pretends
i forget to forget nothing is important
holding back the fool again
i forget to forget me
i forget to forget you see
nothing is important to me
i knew my loss
before i even learned to speak
and all along, i knew it was wrong
but i played along, with my birthday song
holding back the fool again
holding back the fool pretends
i forget to forget nothing is important
holding back the fool again

Andy Warhol Covers' Part II

As primeiras capas que Andy Warhol criou para discos assentam essencialmente sobre desenhos de sua autoria. Eis um exemplo, que encontramos num álbum lançado em 1958 pela Blue Note. Trata-se de Blue Lights, título da discografia do guitarrista de jazz norte-americano Kenny Burrell, natural de Destroit, e gravado apenas dois anos depois de se ter mudado para Nova Iorque.

fonte: http://sound--vision.blogspot.com/

Roger Waters em digressão com álbum The Wall, dos Pink Floyd

30 anos depois dos primeiros concertos dos Pink Floyd com o duplo disco, Roger Waters regressa à estrada.
The Wall , o clássico álbum duplo dos Pink Floyd, vai voltar à vida pela mão de Roger Waters. A partir do próximo mês de Setembro, o músico inglês vai recuperar o disco de 1979, à época apresentado ao vivo pelos Pink Floyd com um espectáculo conceptual que ficou para a história como um dos mais marcantes da música rock. De acordo com a Rolling Stone, Roger Waters quer oferecer aos espectadores uma versão actualizada para o século XXI do álbum The Wall , onde se encontram temas incontornáveis dos Pink Floyd como "Comfortably Numb", "Another Brick In The Wall Pt. 2" ou "Mother".


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Record Store Day

O Record Store Day volta a ser celebrado amanhã em lojas de discos portuguesas. A iniciativa, que visa captar atenções para o “culto” do disco, junta promoções e acções de animação a uma série de edições especialmente lançadas para assinalar a data.Em Lisboa o Record Store Day é assinalado em várias lojas. A Carbono tem promoções em vinil e CD e ‘packs’ surpresa. A Louie Louie (também com lojas no Porto e Braga) propõe descontos de 20% em todos os artigos e, na loja de Lisboa, apresenta uma exposição com capas de discos do catálogo da Factory Records. A Trem Azul vai propor promoções. A Flur, além de promoções, apresenta um cartaz com uma série de acções entre as quais a presença de DJs convidados (Vitor Belanciano, Nuno Galopim, Rui Tentúgal, Isilda Sanches, DJ Ride, entre outros mais), uma exposição de capas (com visita guiada por Rui Miguel Abreu) ou uma actuação do Teatro Praga.No Porto, a Jo Jo’s junta às promoções actuações de nomes como Andrew Thorm, Smoked Lamb ou DJ Edu. Também no Porto, a Matéria Prima aproveita o dia para inaugurar um expaço para exposições. fonte: http://sound--vision.blogspot.com/

Rafters fecha

É mais um espaço com história pop/rock que fecha as portas. Este em Manchester, no Reino Unido. Chamava-se Rafters, quando Tony Wilson ali viu pela primeira vez os Joy Division (em 1978), e encerrou definitivamente esta semana. O NME confirma o fecho do clube, que entretanto havia mudado de nome.

John Frusciante é o melhor guitarrista dos últimos 30 anos, dizem ouvintes da BBC

Músico que se tornou conhecido nos Red Hot Chili Peppers mais votado que Slash, Matthew Bellamy (Muse) ou Tom Morello (Rage Against the Machine).
John Frusciante, músico que confirmou em Dezembro passado ter abandonado novamente os Red Hot Chili Peppers, foi considerado o melhor guitarrista dos últimos 30 anos pelos ouvintes da estação de rádio britânica BBC 6 Music.
A votação realizou-se no site da rádio e o resultado de mais de 30 mil votações colocou Slash em segundo lugar e Matthew Bellamy dos Muse em terceiro. Entre os 10 mais votados ficaram ainda Prince, Jack White (White Stripes, Dead Weather e The Raconteurs) e Tom Morello (Rage Against the Machine).
1. John Frusciante (Red Hot Chili Peppers)

2. Slash (Guns n' Roses, Velvet Revolver)

3. Matt Bellamy (Muse)

4. Johnny Marr (The Smiths, Modest Mouse)

5. Tom Morello (Rage Against The Machine)

6. Kirk Hammett (Metallica)

7. Jonny Greenwood (Radiohead)

8. Prince

9. Jack White (White Stripes, Dead Weather, The Raconteurs)

10. Peter Buck (REM)

Curtas Arcade Fire e Spike Jonze

Spike Jonze vai trabalhar com os Arcade Fire. Segundo o NME (citando várias fontes), o filme deverá será uma curta-metragem, estando o realizador a fazer neste momento o casting. Recorde-se que, recentemente, Spike Jonze usou uma canção dos Arcade Fire na banda sonora do filme O Sítio das Coisas Selvagens.

Há capas de álbuns e há esta capa!

Aproveitando a sugestão da passagem dos 20 anos sobre a edição de Songs For Drella (o ciclo de canções registado num álbum de 1990 onde Lou Reed e John Cale evocavam a figura, os universos e memórias pessoais de Andy Warhol), evocamos alguns dos episódios de relação directa entre o artista e a música. E começamos com a histórica capa que, em 1967, Warhol criou para o álbum de estreia dos Velvet Underground, precisamente o primeiro LP conjunto de Lou Reed e John Cale. A capa tornou-se rapidamente numa das mais icónicas de toda a história da música gravada.
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Reed e Cale

Editado a 11 de Abril de 1990, há precisamente 20 anos, Songs For Drella não é apenas um dos mais belos álbuns das discografias de Lou Reed e John Cale como representa uma das mais sentidas e pessoais entre as homenagens feitas a um velho amigo comum: Andy Wharhol (que havia morrido em 1987). Ciclo de canções centradas na evocação da figura de Warhol, no universo ao seu redor e nas relações de ambos os músicos com o artista, Songs For Drella começou por ser um espectáculo ao vivo, apresentado pela primeira vez na íntegra na Brooklyn Academy Of Arts em Dezembro de 1989. Só depois do palco as canções foram registadas em disco, tendo igualmente sido editada uma versão em vídeo (formatos VHS e laserdisc). Este foi o primeiro encontro artístico entre Lou Reed e John Cale em mais de um quarto de século e antecedeu uma reunião dos Velvet Underground que aconteceria pouco depois.

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Imagens captadas na Brooklyn Academy Of Arts em Dezembro de 1989, ao som de Smalltown, a primeira canção do ciclo Songs For Drella.
Publicada por Nuno Galopim em Domingo, Abril 11, 2010

Placebo em Gaia

Os Placebo estão confirmados para o Marés Vivas. O trio liderado por Brian Molko passa pelo festival gaiense no dia 16 de Julho.É recorrente a vinda dos Placebo a Portugal, desde que se estrearam em palcos nacionais com um concerto na primeira parte do espectáculo dos U2 no Estádio de Alvalade, em 1997.
A banda, que esteve na edição do ano passado do Alive!, vem promover o seu mais recente álbum, "Battle for the Sun" (de 2009).Tal como já foi noticiado anteriormente, também Ben Harper e os Goldfrapp estão confirmados para o cartaz do Marés Vivas, que decorre este ano entre os dias 15 e 17 de Julho, no Cabedelo, em Vila Nova de Gaia.

Malcolm McLaren

Dizer que desapareceu o manager dos Sex Pistols é talvez a mais redutora das formas de noticiar a morte de Malcolm McLaren. De facto foi o manager dos Sex Pistols (e também de Adam Ant e, depois, dos Bow Wow Wow) e figura absolutamente central na história do punk (sem ele, a história talvez hoje se contasse de uma outra maneira)… Chegou à música pelas roupas, sendo presença fulcral ao lado de Vivien Westwood em lojas que marcaram a Londres de 70…
Mas Malcolm McLaren foi mais que uma força de bastidores na história da música popular. E a sua discografia, mesmo que não muito extensa, gerou alguns títulos marcantes sobretudo nos dias de 80, vincando a diferença pela forma como sempre olhou adiante do seu tempo. Na verdade, Malcolm McLaren foi dos primeiros músicos europeus a assimilar sinais da então emergente cultura hip hop logo no seu álbum de estreia, Duck Rock, editado em 1983 (onde marcavam ainda presença as músicas de África e das Caraíbas). No ano seguinte, em Fans cruzava de forma provocadora (e cativante) os universos da ópera e da pop. Em 1989 Waltz Darling revelava, ainda antes do Vogue de Madonna, uma atenção para uma forma de expressão que nascera nos finais de 80 no underground nova iorquino. E em 1994 dedicava uma das suas mais belas colecções de canções à cidade de Paris, na companhia de vozes como as de Françoise Hardy ou Catherine Deneuve.
Ainda experimentou o cinema e a televisão. E chegou a falar de ambições na política. Morreu ontem, aos 64 anos, na Suíça.

in sound+vision

Não gostavas de ter estado neste concerto?

Jónsi - Go

The last Sigur Rós album was seen as the band's most commercial offering to date. The arrangements seemed to strive towards something that could be loosely termed as "pop". Band leader Jónsi Birgisson even sang in English on the final track All Alright. This ruffled a few feathers amongst those who preferred the abstract crooning that came with the nonsensical lyrics that Sigur Rós had employed down the years.

Some may find the use of English on this, Jónsi's debut solo album, abhorrent. Others may welcome the opportunity to gain a more direct insight into the meanings of these songs. Either way, Jónsi 's delivery is such that it's easy to get lost in what he's doing with his voice rather than what is being said.

Those with an ear to the ground will have already caught the wonderful Boy Lilikoi, a song which is naïve in its approach to life and succeeds with a flurry of childlike innocence. It grows and swells with warmth, imploring those lucky enough to hear it to enjoy life before it is too late, with "use your life, the world goes and flutters by" being the key refrain. The vocal harmonies collapse over each other in seemingly endless fashion, drums thunder and skip in equal measure, and flutes are playfully light as they flutter around the ever growing strings. Has 'pop' music ever sounded this wonderful?

Likewise, opening track Go Do features an exquisite vocal and, although it's possible to grab snatches of sense, it's far easier to get swept up in the layered tones. The bass drum pounds like the heart of someone who's just discovered what love at first sight means, while the flutes and piccolos flit around the central vocal like glittering fairies, adding a mysterious sparkle.

If there's a theme to be found in the lyrics of Go, it must be that life is fleeting and is here to be enjoyed. This much is clear in the joyful percussive stomp of Animal Arithmetic, where the simple pleasures of combing hair and riding bikes take on an almost sepia toned charm. Delicate woodwind touches are hidden behind a glut of pummelling drums and assorted other clunks and whirs, but they colour the track just enough to ensure that the magical quality remains in what is otherwise a thunderous track.

Supporting Jónsi on this project is increasingly ubiquitous composer Nico Muhly. His arrangements are vital in ensuring that these songs attain spectacular heights. Tornado, to take one example, overflows with beautiful strings complementing a solitary bass-drum kick, and transforms a rather sinister song into something approaching that familiar ethereal Sigur Rós sound. Naturally Jónsi's vocals soar into a higher register as the song builds to a climax, whereupon he sounds like an angel in the throws of sinful ecstasy.

Muhly's presence is more keenly felt on Grow Till Tall and Hengilas. The tearaway percussion that drives Animal Arithmetic and the madly danceable Around Us is absent, and mournful strings take their place. Fans of earlier Sigur Rós material will find enough here to keep them happy, with cellos creating the pulse of the songs while Jónsi's consonant-free vocal style returns to breathe life into them. If the likes of Boy Lilikoi are the life of Go's party, then the aching cellos of Hengilas are its soul.

Go is a phenomenal record with almost every bar bursting with beauty. It is soulful, fun, naïve and sad in its own fantastical world; if only life really were this good. This is a record that will make you believe it could be.

10 coisas que não se deve fazer no cinema

Como se não bastassem os sussurros, as tosses, o motor dos maxilares a remoer milho frito... O cheiro do desodorizante ostensivo do espectador do lado, o cheiro da ausência de desodorizante do espectador do lado, as gargalhadas fora do tempo, as casquinadas, as piadas, as risadinhas, os "ohs", os "ahs", os comentários laterais, o torcer do celofane dos bombons... Os intervalos fora de tempo, as legendas descaídas, os planos desfocados, o 3D mal afinado... Ufff...

White Stripes curiosidades

Jack White dos White Stripes revelou que o tema que trouxe o sucesso global à dupla, 'Seven Nation Army', esteve para não ser lançado como single.
Em entrevista à XFM, o guitarrista e mentor do grupo explicou que o tema foi mal recebido pela editora dos White Stripes, a XL Recordings. «Na altura em que estávamos a lançar o "Elephant", eu queria lançar o 'Seven Nation Army' como single. Tanto a editora britânica como a norte-americana estavam contra. A escolha deles recaía sobre 'There's No Room for You Here'. Imaginam o que seria não ter lançado o 'Seven Nation Army' como single?», comentou White à rádio britânica.



'Seven Nation Army' foi lançado em Abril de 2003, sendo até agora o mais bem sucedido single dos White Stripes, junto dos fãs e da indústria, já que proporcionou à dupla norte-americana a conquista do Grammy para a Melhor Canção Rock, em 2004. O solo inicial do tema tornou-se um dos hinos pop da primeira década do século XXI, sendo mesmo utilizado como cântico em jogos de futebol.

Oasis the end part II

Os Oasis vão editar uma compilação com quase todos os singles dos seus 15 anos de carreira, chamada "Time Flies".
A edição chega às lojas no dia 1 de Junho com 26 faixas no alinhamento. Apenas o tema 'Sunday Morning Call', o terceiro single do disco de 2000, "Standing in the Shoulder of Giants", ficou de fora da compilação.
"Time Flies" vai ter direito a uma versão deluxe com todos os vídeos dos Oasis, mais imagens registadas no concerto no Roundhouse de Londres, em Julho do ano passado.
Alinhamento da nova compilação dos Oasis:
'Supersonic'
'Roll With It'
'Live Forever'
'Wonderwall'
'Stop Crying Your Heart Out'
'Cigarettes & Alcohol'
'Songbird'
'Don't Look Back In Anger'
'The Hindu Times'
'Stand By Me'
'Lord Don't Slow Me Down'
'Shakermaker'
'All Around The World'
'Some Might Say'
'The Importance of Being Idle'
'D'You Know What I Mean?'
'Lyla'
'Let There Be Love'
'Go Let It Out'
'Who Feels Love?'
'Little By Little'
'The Shock Of The Lightning'
'She Is Love'
'Whatever'
'I'm Outta Time'
'Falling Down'

Lou Reed e os Filmes

Já lhe conhecemos a música há muitos anos. Depois vieram as exposições de fotografia. E, agora, o cinema. Lou Reed rodou um documentário sobre uma prima sua, Shirley. Red Shirley olha os dois, em diálogo, na véspera do centésimo aniversário da protagonista do filme, as suas histórias e expressões dominando as atenções. Aqui fica o trailer deste documentário, que vai ter estreia no festival Visions du Réel a 20 de Abril.
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Benji Again and again...

Harlen

"the only band we like is nirvana. the only album we like is nevermind.
the only song we like is smells like teen spirit"

Isto é o que os Harlem, provenientes de Austin, Texas, dizem no seu myspace, na parte relativa às suas influências. E em três curtas frases conseguem resumir muito do que são: uma banda com atitude rock na dose certa, com urgência de libertar todas as hormonas em excesso, e com isso contribuir para o bem da população ouvinte.
O lo-fi ainda não saiu de moda, e ainda bem que assim é porque com rock de garagem assim não é necessário grande trabalho de estúdio. Tem boa melodia, a fazer lembrar o já falecido Jay Reatard, e o instrumental é bem atraente. Se no primeiro álbum Free Drugs ;-) (assim mesmo com o smiley) fizeram uma mini revolução, com o novo LP intitulado Hippies com data prevista de lançamento para 6 de Abril, através da Matador, espera-se uma festa maior. O vídeo abaixo diz respeito a uma actuação ao vivo onde tocaram "Gay Human Bones", que irá ser incluída no próximo álbum.

fonte: http://barulhoesquisito.blogspot.com/2010/03/ter-debaixo-de-olho-harlem.html